INSTITUTION NOTRE-DAME - CHARLIEU - le_caneton_illustre

JOURNAL DES PREMIERES L

noreply@hautetfort.com (BR) — Sat, 21 May 2011 09:10:00 +0200

Ce travail s'inscrit dans le cadre d'un partenariat entre l'Anglais et le Français autour de l'oeuvre de Percival EVERETT intitulée Wounded.

Les élèves qui ont choisi Anglais comme spécialité pourront dialoguer avec cet auteur à Villefranche-sur-Saône le 27 mai.

I - LA TRADUCTION EN GÉNÉRAL : [Réflexion menée par Mylène et Jennifer]

Lorsque nous voulons lire une œuvre étrangère, nous sommes trop souvent gênés par la barrière de la langue ; c’est pourquoi nous avons recours à une traduction ; en effet, nous ne possédons pas toujours les compétences requises, non seulement pour lire, mais aussi comprendre l’œuvre dans sa spécificité. Cependant, lorsque l'on a la possibilité de lire l’œuvre dans sa version originale, on se rend bien vite compte que la traduction n’est qu’une pâle copie du livre. Car d’une œuvre à sa traduction, les usages, les temps ne sont pas les mêmes. Puis, dans certaines langues, il existe des jeux de mots qu’il n’y a pas dans d’autres, des idiotismes également, ce qui bien évidemment ne ressort pas de la traduction, ou alors le jeu de mots est changé, et cela modifie ainsi le reste du passage. Même s'il s'agit d'une excellente traduction -et elle ne l’est pas toujours, nous le verrons plus tard -, elle fait perdre au texte original une partie de sa valeur sentimentale :, en effet les sentiments ne sont pas décrits de la même façon, l’ambiance s'en trouve donc modifiée. Et en tant que lecteur, nous avons des émotions différentes.

Quand on parle de traduction, il ne faut pas oublier qui se cache derrière, le traducteur.

Le traducteur ne peut, généralement, pas être une personne qui du jour au lendemain veut traduire une œuvre ; en effet,, il faut avoir eu cette vocation, bien saisir la langue, et se remettre à niveau constamment mais aussi posséder la culture de la langue, en saisir toutes les nuances, maîtriser toutes ses subtilités. Bien sûr, quand nous ne connaissons pas, ou peu, la version originale du texte, nous sommes obligés de faire confiance au traducteur, tout d'abord parce qu’il est évidemment plus qualifié que nous, et d’autre part car nous ne pouvons pas avoir de recul par rapport à sa traduction. C’est pour cela que, en général, un même traducteur se charge de traduire les oeuvres d’un même auteur, pour que le style demeure inchangé, et surtout pour que l’œuvre ne soit pas trop dénaturée, puisque le traducteur, à force, connaît son auteur et peut ainsi mieux répondre à ce que veut dire l’auteur, détecter le message subliminal que l'auteur entendait faire passer dans ses œuvres, ou l’ambiance qu’il y avait fait naître.

Une fois le travail du traducteur terminé, le lecteur doit affronter quelques difficultés liées à l’œuvre traduite.

Quand nous sommes plongés dans notre livre étranger, nous oublions facilement que la traduction ne colle pas obligatoirement à l’œuvre initiale. Car, souvent, le lecteur est confronté à une sous-traduction, qui détruit le texte original, et qui laisse parfois échapper de petits détails d’une importance capitale, soit parce qu’ils n’ont pas été assimilés correctement, soit parce que le traducteur en a fait sa propre interprétation, ce qui peut aussi être le cas dans la sur-traduction, car il a désiré sublimer le texte. Ainsi, il n'est plus en adéquation avec le livre étranger. C’est ainsi que l'on a du mal à trouver une bonne traduction, on ne se méfie pas assez, ; ou alors, par oisiveté, on ne cherche pas d’autres traductions. D’ailleurs, le plus souvent, on achète des livres à bas prix, et l'on a alors de bien mauvaises surprises, car la traduction a été bâclée par quelqu'un qui a vraisemblablement été sous-payé...

II - LA TRADUCTION DE WOUNDED : [Réflexion menée par Alexandra, Anne et Clélie]

Tout d'abord, nous avons pu constater que la traduction de Wounded peut être considérée comme fiable. En effet, l'œuvre de Percival Everett est traduite par Anne-Laure Tissut, traductrice qui a assuré la version française d'une bonne partie des œuvres de cet écrivain américain. Elle est par conséquent imprégnée de son monde et est, en quelque sorte, une spécialiste des techniques propres à l'auteur.

Ensuite, nous pouvons remarquer que l'œuvre en elle-même n'est pas très compliquée au niveau du vocabulaire, courant et à la portée de tout un chacun la plupart du temps. De plus, on note que A.-L. Tissut retranscrit très bien les idées de l'auteur : on sent qu'elle met de côté sa personnalité pour penser comme Percival Everett. On peut dire que ce métier requiert de bonnes compétences : en effet, un excellent niveau de langue est requis dans le monde de la traduction. On ne constate pas de sous-traductions, de sur-traductions ou encore d'incohérences qui pourraient gêner la lecture. La traductrice est restée très proche du texte, ce qui fait que l'on peut rapidement se repérer entre l'œuvre originale et la traduction lorsque que l'on doit se référer à l'une pour comprendre l'autre.

On a tout de même quelques difficultés lexicales qui sont présentes dans le cas d'expressions idiomatiques, ou bien par un vocabulaire inhabituel étant donné les différences culturelles entre la France et les États-Unis. Il y a toute une assimilation à pratiquer du fait des jeux de mots ou de tout ce qui peut tourner autour du cynisme, de l'humour... C'est d'ailleurs ce qui paraît le moins évident lorsqu'on lit une œuvre en langue étrangère : on n'en distingue pas toujours toutes les subtilités.

De façon plus personnelle, nous avons beaucoup apprécié la traduction de Wounded, car nous avons ressenti une certaine fluidité dans la lecture. Toutefoisn chacune d'entre nous a lu les œuvres de manière différente, soit en alternant un chapitre anglais et un chapitre français, soit en commençant par l'Anglais pour lire ensuite la traduction ou inverse.

Nous en avons donc conclu qu'il y avait une véritable qualité de traduction : les idées essentielles sont bien dégagées, on perçoit le caractère des personnages de la même façon dans les deux versions, les sentiments de révolte sont de même intensité, l'incompréhension, l'amour, l'amitié sont extraits de manière semblable. Il y a une parfaite adéquation entre Percival Everett et Anne-Laure Tissut.

III - TRADUCTION ET REECRITURE : [Réflexion menée par Margaux et Gwénaëlle]

La traduction est une réadaptation d'un texte rédigé initialement avec les propres impressions (sentiments) et les propres mots de l'auteur. Le traducteur est face à plusieurs options et il s'inspire de cet écrit avec différentes finalités : faire une satire, réadapter à son époque, ou simplement passer d'une langue à une autre.

Malheureusement, l'écrivain doit rester proche du texte et, parfois, cet exercice s'avère malaisé. Ainsi, il peut soit préserver l'esthétique ( privilégier la rhétorique, conserver la prosodie s'il a affaire au genre poétique), soit opter pour la préservation d'un sens littéral, plus proche du texte originel. Tout dépendra du choix du traducteur ; mais l'on constate également des phénomènes de mode ; ainsi, depuis quelques années, l'on semble privilégier l'esthétique.

Certains mots n'ont évidemment pas de traduction exacte, et cela peut modifier l'histoire ; donc le traducteur doit chercher d'autres mots ou une autre tournure de phrase pour ne pas dénaturer le message délivré par l'auteur;

Enfin, la traduction peut opérer quelques modifications : amplifier et, ainsi, développer des idées par le style de manière à donner plus d'ornement, plus de force ou, au contraire, résumer le texte pour condenser les principaux éléments. L'objectif recherché par l'auteur est alors davantage mis en valeur;

LE JOURNAL DES "L" - ELLES...

noreply@hautetfort.com (BR) — Fri, 11 Mar 2011 12:40:00 +0100

LE MODERN JAZZ : UNE VÉRITABLE PASSION POUR ANNE QUI A VOULU EN SAVOIR PLUS SUR LES ORIGINES DE CETTE DANSE...

Le jazz est un genre de musique créé au début du XXème siècle dans le sud des Etats-Unis. C'est un mélange de musique européenne (tirée de la culture chrétienne), et de musique africaine.

L'influence européenne vient des colons français, portugais, anglais et espagnols. Ceux-ci se sont, à la fin du XVème siècle, installés aux Etats-Unis.

Mais les Africains ne sont arrivés qu'au début du XVIIème siècle, en tant qu'esclaves, à cause du commerce triangulaire.

Les influences africaines se manifestent par le chant, et le rythme de la musique. En effet, les esclaves, pour faire de la musique, utilisaient leurs mains, leurs pieds et, bien sûr, leurs voix. De là, plusieurs types de chants ont été créés : les « worksongs » (les chants du travail), les « gospels » ou les « negro-spirituals » (pour manifester la religion), et le « blues » (qui témoigne le désespoir).

Les influences de l'Europe proviennent des instruments de salon, tels que le piano, ou des orchestres avec des cuivres par exemple, comme la trompette. Il y aura aussi la présence des percussions qui donnera naissance à la batterie.

C'est à la Nouvelle Orléans que les premiers groupes de Jazz sont apparus. Ils ne jouaient que dans la rue jusqu'à ce que cette musique soit reconnue, et jouée dans les cabarets, les bars, et autres lieux.

Le terme modern jazz apparaît en 1926 avec Martha Graaham, mais c'est avant 1900 que tout commence, avec la danseuse Isadora Duncan. C'est lors de ses cours de danse classique qu'elle se rend compte que c'est uniquement le rythme qui entraîne tous les mouvements du corps. Le modern jazz est alors considéré comme « l'expression divine de l'esprit humain ». Isadora Duncan affirmera, pour exprimer sa passion et qualifier la façon dont elle se produit : « La nudité, c'est la vérité, c'est la beauté, c'est l'art ».

Enfin, vers 1900, l'influence de l'Orient se fait plus pressante. C'est alors que l'on apprendra à connaître le danseur Denishaw.

Enfin, dans les années 1940, la danse ethnique, afro-américaine ou amérindienne, s'intègrera au modern jazz. Les artistes noirs imposent leur swing et les claquettes. Katherine Dunham ouvrira une école en 1945 pour les danses haïtiennes. Elle constitue la base de la danse noire américaine. Au final, c'est grâce à plusieurs chorégraphes et danseurs que le modern jazz se sera constitué.

Le modern jazz est une danse très expressive : gestes discrets, retenus, mouvements provocants, dynamiques. Elle se fonde aussi sur le rythme de la musique, qui lui-même entraîne les mouvements. Il se compose de la danse primitive, la danse classique, la danse moderne, la comédie musicale, la danse sociale et d'autres danses éthiques. On y ressent l'énergie des sentiments, l'amour, la haine.

Sur des spirituals et sur du blues, beaucoup d'artistes noirs se feront découvrir du monde musical, avec par exemple Otis Reding et Alvin Aile qui lie la culture blanche et la culture noire. Plus tard, on dissocie le mouvement de la musique afin de laisser libre choix au spectateur de placer son regard où bon lui semble. Le début sera difficile, car le modern jazz ne sera effectué que dans les musées, sur les places publiques...

Mon expérience de ce type danse se révèle plutôt positive. En effet, c'est un véritable moyen d'évasion. J'ai trouvé que les mouvements étaient délicats et dynamiques à la fois, ce qui est très intéressant. Enfin, on peut utiliser tous les types de musique, et adapter la chorégraphie en fonction du rythme qu'elle génère.

Mais c'est aussi quelque chose de très physique, qui demande beaucoup de souffle.Ainsi, pour vraiment progresser,faut-il être très assidu aux cours, et la condition physique doit être parfaite : souplesse, endurance...

DES SOUVENIRS D'ENFANCE POUR JENNIFER... MAIS PLUS ENCORE...:

La bande dessinée est apparue il y a longtemps. Elle va faire évoluer les dessins animés. Le premier dessin animé sort le 17 août 1908, avec « Fantasmagorie » créé par Le Français Emile Cohl. Le 20 septembre 1928, c'est Mickey Mouse qui enchante petits et grands, assurant ainsi célébrité et fortune à Walt Disney.

C’est pourquoi, j’ai choisi ce thème, car les dessins animés m’ont beaucoup apporté dans mon enfance et ils m’enrichissent encore à l’heure actuelle. Je découvre les satires de la société, alors qu'en étant enfant, je ne faisais que rire devant eux. Les dessins animés sont souvent pleins de jeux de mots, même si parfois certains ne sont vraiment pas bons. En effet, il y en a qui ne présentent aucun intérêt particulier pour apprendre.

Par conséquent, nous allons voir l’historique de la bande dessinée et comment les dessins animés sont apparus ; ensuite nous nous pencherons sur l'impact qu'ils peuvent avoir sur les enfants ; enfin, nous nous demanderons comment réagissent les adultes et ce qu'ils recherchent en eux.

L’histoire de la BD a surement commencé à l’époque des hiéroglyphes retrouvés sur les murs des grottes de Lascaux. Mais, il ne sert à rien de remonter aussi loin dans l’Histoire. Donc, nous dirons que la bande dessinée commence avec William Hogarth au XVIIIème siècle. Ces dessins sont créés dans le but de critiquer la société. En 1827, on accorde une grande place à l’image. Le texte est alors mis en dessous de l’image. Ainsi, la première bande dessinée apparaît en 1896 aux Etats-Unis avec « Yellow kid ». Au départ, les bandes dessinées sont publiées dans les journaux et ont un caractère humoristique ; elles sont destinées aux adultes. En Europe, elles s’adressent plutôt aux enfants.

La BD va alors avoir de l’influence sur le dessin animé. En effet, les premières techniques pour créer un dessin animé consistent à dessiner sur du papier les personnages ou objets. Ensuite, il s'agit de les numériser pour les faire « vivre ». Le dessin animé devient alors révolutionnaire. Il plaît surtout aux enfants, même si certains ne leur sont pas toujours destinés a priori. Pour les premiers dessins animés,les animateurs dessinent un dessin par image, ce qui nous fait 18 images par seconde pour le cinéma muet et 24 pour le cinéma sonore. Ensuite, après plusieurs recherches, on s’aperçoit que l’on peut animer une image sur deux sans trop nuire à la fluidité du mouvement global. C’est ainsi que l’on va pouvoir faire dérouler 12 images par seconde.

L'on pourrait toutefois se demander quel avenir a la bande dessinée face à la concurrence du dessin animé. Il est vrai que ces derniers se sont tous informatisés depuis quelques années, et la technique traditionnelle du dessin disparaît. Cependant, nous pouvons affirmer que la bande dessinée, par son histoire, s’est inscrite dans les mœurs et qu'elle semble bénéficier d'un public fidèle.

Le dessin animé est un divertissement pour les enfants ; en effet, en les regardant, ils vont se créer une histoire. C’est alors qu’ils vont commencer à imaginer des scénarii et, dès lors, se libérer du monde qui les entoure et partir dans « un monde imaginaire ». Ils s’évaderont et, ainsi, grandiront.

Certains dessins animés constituent donc pour l'enfant un premier apprentissage. En effet, si l’on prend l’exemple de Dora l’exploratrice? elle leur « apprend » l’Anglais et les fait participer, grâce à une forme d'interactivité. C’est une sorte de culture. « Singe me Singe moi », va leur faire apprendre tous les bruits d’animaux, ils réussiront alors à distinguer différentes espèces. D'autre part, certains dessins animés vont faire connaître la vie de tous les jours aux enfants, et, ils commenceront donc leur apprentissage. Mais il ne faut tout de même pas les laisser trop devant un écran, car, cela pourrait nuire à leur santé.

De plus, grâce à ces dessins animés, les enfants vont pouvoir se former une certaine forme d'« esprit critique » : en effet, les images colorées leur permettront de prendre conscience de ce qu’est la vie. Ils pourront alors faire la différence entre les lettres, les chiffres et les couleurs. C’est la suite du premier apprentissage.

Toutefois, les dessins animés de font pas tout ; il faut suivre bien sûr un protocole d’éducation normal ; c’est pour cela que c’est le rôle des parents de les surveiller, et de ne pas les laisser trop devant la télévision.

D'autre part, il me semble que les dessins animés ne sont pas forcément destinés aux seuls enfants, mais que les adultes peuvent y trouver du plaisir également. Dans ce cas-là, le rôle des dessins animés est tout à fait différent. En effet, en les regardant, les parents renouent souvent avec les souvenirs de leur enfance ; c’est le plaisir des yeux qui joue à ce moment-là. Mais les adultes, face à ces oeuvres qui faisaient les délices de leur enfance, peuvent comprendre des choses qu'ils n'avaient pas saisies alors, qui font référence à l’Histoire par exemple si l'on considère le cas du Roi Lion, dont le point de départ est le Roi-Soleil.

De plus, les adultes vont pouvoir éduquer leurs enfants grâce aux dessins animés. En effet, ils leur montreront quel dessin animé est bon pour eux et leur feront comprendre qu’on ne peut pas tout regarder quand on est petit. Le rôle des parents est très important à ce niveau, il ne faut pas oublier qu’un enfant a l'âme sensible, et qu’il peut être choqué par certaines choses, qu'il peut être troublé, voire traumatisé par certains spectacles, et que cela aura une répercussion à l'âge adulte ; donc tout n'est pas permis avec les petits ! Car les dessins animés jouent un rôle psychologique important dans la psychologie des enfants.

D'autre part, les adultes ayant un esprit critique plus développé pourront évaluer le pour et le contre des dessins animés, juger s'ils sont bons ou mauvais ; c’est ainsi , qu’il pourront surveiller leurs enfants et dénoncer les scènes trop violentes. Car certains dessins animés ne sont pas vraiment une référence pour les yeux des enfants. En effet, je trouve que certains mangas recèlent en eux trop de sang.

Ainsi, nous avons une très grande palette de style de dessins animés, et d'une variété immense. C’est ainsi que chacun pourra aisément trouver ce qui lui correspond. Les dessins animés apportent donc beaucoup aux petits comme aux grands !

Mais à l'heure d'Internet, l'on peut de demander quelle forme sera désormais la leur, et quels seront leurs nouveaux moyens de diffusion.

COMMENT REPRESENTER LA GUERRE AU CINEMA, UNE QUESTION LANCINANTE POUR MARGAUX :

En 1924-1925 , Hitler écrit ses idéologies nazisme sur son livre Mein Kampf ( Mon combat) dans la prison où il est détenu. Le 30 janvier 1933, Adolf Hitler devient Chancelier. En 1939, la France et l'Angleterre déclarent la guerre à l'Allemagne pour empêcher Hitler et ses armées d'envahir toute l'Europe. En juin 1940, les Allemands envahissent la France. Le Maréchal Pétain accepte la défaite et collabore avec les Allemands. Ainsi, de nombreux films traitent de ce sujet tels que Le pianiste, Inglorious Basterds de Quentin Tarantino et La Vie est belle de Roberto Benigni. Nous allons donc nous pencher sur ces réalisations.

Le Pianiste

C'est un film mis en scène par Roman Polanski en 2001. Les personnages principaux sont Adrien Brody qui tient le rôle de Wladyslaw Spzilman ; il deviendra plus tard le pianiste d'un officier allemand. Ensuite nous avons Thomas Kretschmann qui incarne à l'écran le capitaine Wilm Hosenfeld et, enfin, Emilia fox dans le rôle de Dorota.

Ce film met bien en avant la partie sur la Shoah à Varsovie, tandis que certaines oeuvres le montrent moins. L'avantage, c'est également que ce film est tiré d'une histoire vraie : ainsi, l'on voit ici comment un film peut être à la fois documentaire et historique, qui fait assez réfléchir sur la cruauté humaine. On en ressort ému par l'interprétation du personnage principal. Malheureusement on ne voit pas assez d'action dans ce film par rapport à la violence qu'ont subie les personnes ; Wladyslaw nous paraît plus passif qu'actif dans l'histoire.

Par conséquent, cette histoire rappelle bien ce qu'ont vécu les Juifs lors de la Shoah. On aime le côté réaliste grâce à l'autobiographie qui apporte un aspect vivant dans ce film.

La Vie est belle

Tout d'abord, ce film a eu le grand prix du Jury 1997. Il a été joué par Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Pietro De Silva et a été mis en scène par Roberto Benigni. Le seul mot qu'on peut utiliser pour englober cette histoire est l'Espoir. Ce film est rempli de diverses émotions - dont la joie -, et donne de l'émoi malgré l'histoire difficile qui doit être racontée. Le début ne montre pas l'exclusion des Juifs dans la société après l'invasion des Allemands La fin nous apporte tout de même des pleurs face à la mort du père qui a voulu sauver son fils et à ses rêves ; c'est pourquoi, il met en scène un jeu pour cacher la vérité à son enfant. On voit l'amour du père pour la mère et le fils. Malheureusement, le réalisateur ne montre pas assez le coté tragique des camps d'extermination. Il prends trop à la légère l'horreur de la vie quotidienne des Juifs en camp, et semble donc avoir trop enjolivé la véritable histoire .

Ainsi, cette histoire a été élue pour toutes les émotions qu'elle véhicule, mais la partie historique est plutôt édulcorée.

Inglorious Basterd

Ce film est sorti au cinéma en 2009 et a reçu 4 oscars. Il a été mis en scène par le célèbre réalisateur Quentin Tarantino. Les personnages principaux sont Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent. L'histoire est revisitée, la résistance et le nazisme en sont les principaux thèmes. Alliant la tragédie et l'humour, Quentin Tarantino nous crée ce chef d'oeuvre. On voit toute la violence et la haine des résistances, les persécutions des officiers allemands sur les Juifs et la peur qui règne dans le village. Le dialogue est très riche, mais manque tout de même de finesse. En revanche, je trouve cela dommage de finir le film dans le cinéma où le chancelier Hitler meurt. On ne trace pas assez la période de la Seconde Guerre Mondiale . On n'évoque pas assez ce que les Allemands faisaient subir au quotidien aux Juifs dans les rues : l'humiliation, la provocation …

En résumé, l'histoire évoque bien le thème de la résistance, mais elle n'est pas assez poussée vers le réel, on ne parle pas suffisamment de la Shoah, des camps de concentration et d'extermination et surtout de la Guerre. On nous présente ici les Justes comme des lâches .

MYLENE PREND LA DEFENSE DES ROMANS D'AMOUR...

Les romans de gare englobent une grande famille de genres divers et variés. Par exemple, quand on parle de roman d'amour, des sourires moqueurs naissent sur les lèvres car les gens pensent instantanément à la collection Harlequin ; mais il existe mille sortes de romans à l'eau de rose. N'oublions pas que l'amour est capital dans une vie : en effet, on passe de l'amour des parents, à l'amour d'un amant pour terminer par celui de ses enfants. Nous verrons ainsi, dans un premier temps, ce que nous permet de faire ou d'avoir le roman d'amour, pour ensuite passer à ses bons points, et terminer par ses points négatifs,

Le roman d'amour fait partie de la catégorie sous-littérature car l'histoire d'amour ne mérite pas de titre de noblesse tant son écriture paraît aisée et rapide. Pourtant, lorsque l'on y regarde de plus près, l'on remarque, dans certains romans, la complexité de l'écriture. Le roman d'amour se fonde sur un sentiment complexe ; maintes fois les auteurs ont essayé de mettre des mots dessus. Le roman d'amour est ainsi une écriture cathartique : en effet, il permet d'épancher ses sentiments, de mettre des mots, des phrases sur ce qui nous échappe, même si parfois cette écriture dérape sur la création d'un univers totalement utopique, qui n'existe que dans le cœur de son auteur. Le roman à l'eau de rose est un vaste monde lyrique où le rêve est roi et où tout est possible ; il n'y a pas de malheur, seulement des péripéties qui permettent au Roméo et à sa Juliette de se retrouver.

Le roman d'amour est vite lu : même s'il contient beaucoup de pages, c'est une lecture facile qui ne requiert pas une grande culture générale ; il n’emploie pas de mots complexes et est donc ainsi accessible à tous ; il offre en outre un divertissement non négligeable grâce à sa lecture simple et rapide, mais aussi car il se termine généralement bien. Une fois le roman refermé, on sait que tout va au mieux dans le meilleur des mondes.

Mais, bien évidemment, toutes ces qualités ont un revers de médaille : les sceptiques de la littérature de l'amour le confirmeront. Le roman d'amour, quand on le referme, ne nous apporte rien, on n'en sait pas plus. Il n'a aucun apport réel et c'est bien pour cela qu'il est dénigré des grands littéraires. De plus, les romans d'amour ont tendance à se répéter, il y a peu de renouveau, ils nous servent toujours la même rengaine, ce qui, à la longue, est lassant ; et l'on se dit que lorsque l'on en a lu un, on les a tous lus. Pour terminer, et ce qui n'est pas le moindre écueil, la sous-littérature donne une image erronée de la vie et de la réalité, comme en témoigne Madame Bovary de Flaubert, où l'on voit une Emma trop naïve se faire, à travers ses lectures, une mauvaise image de la réalité, ce qui la poussera à chercher vainement cette perfection illusoire qu'elle ne pourra retrouver dans la vraie vie, let cela la tuera. Ainsi, cette littérature peut être très néfaste pour les gens qui n'ont pas assez de recul, ou qui s'y jettent à corps perdu sans esprit critique.

Par conséquent, l'amour tout comme ses traces écrites a de bons et de mauvais côtés .Peut-être que affubler ces dernières du qualificatif de « sous-littérature » induit un jugement trop hâtif et négatif. A l'heure où l'étude de l'homme est en plein boum, pourquoi les romans d'amour sont-ils boudés des grands littéraires ?

JOURNAL DES PREMIERES L - EDITION INITIALE

noreply@hautetfort.com (BR) — Sun, 23 Jan 2011 10:47:00 +0100

Quelques souvenirs de séjours [article de Gwénaëlle]

Partir de chez soi est toujours difficile. Sans avoir 20 ans, j’ai déjà vécu dans trois pays différents. Brève présentation : tout d’abord le Canada, en Amérique du Nord, mais vraiment au nord (non, ce n’est pas les Ch’tis !). Puis l’Allemagne, notre voisin, dont la langue paraît si laide pour beaucoup (also). Et bien sûr, le point de départ, la France, mon pays natal, et mon lieu d’ancrage.

Deux continents différents. Trois pays différents. Le Canada en Amérique. En Europe l’Allemagne. La France aussi. Vous connaissez déjà le climat d’ici (français). La Saxe, là où j’étais en Allemagne, est juste au-dessus de la République Tchèque, donc à l’est ; le temps y est très humide, et par conséquent souvent plus froid. C’est le climat continental, le pays étant bien dans les terres. Il peut donc y avoir de la neige dès novembre. Mais cela étant, l’été est quand même assez chaud !

En Ontario, au Canada anglophone, on a l’été indien. C’est donc plus tard qu’en Europe et il dure plus longtemps, jusqu’à une période bien avancée en septembre. Cela est donc surprenant de passer en une semaine environ de la fin de l’été à 0° quelques kilomètres plus au nord, dans le Muskoka, le « vrai Canada », comme on se l’imagine (eh oui, 400 bornes, ce n’est rien !), sans monter en altitude ! Mais dès octobre, c’est parti pour l’hiver ! J’ai loupé la neige à une semaine près ! Il en tombe facilement une bonne couche, ce qui ne les gêne sûrement pas ! Ils restent chez eux dès qu’ils sont rentrés du travail ou de l’école, qu’ils ne manqueraient jamais. Pour se rendre à l'école, ils utilisent de vieux schoolbus bringuebalant pour lesquels on ne croirait jamais qu’ils puissent faire un trajet tous les jours ! Car en effet, d’extérieurs, ils sont beaux avec leur peinture jaune ! Mais en vous asseyant dedans, particulièrement dans les places du fond, vous remarquerez que c’est les montagnes russes ! (Il est à noter malheureusement que les autorités s’en sont aperçu et ont décidé de les changer…)

Il fait donc plus froid que chez nous. Mais le Canada est si vaste que d’un rivage à l’autre, le climat est très varié. Il est d’ailleurs si vaste que le nombre d’heures de décalage d’un côté à l’autre est le même que celui de Toronto (capitale économique, et sûrement la ville la plus connue de ce pays) à la France, c’est-à-dire 8 heures ! En revanche, il n’y a pas de décalage horaire avec l’Allemagne !

En Allemagne, j’étais dans la famille d’Elisabeth - ma correspondante via l'échange scolaire-, qui m’a très bien accueillie, et ça n’a pas été trop dur de trouver mes marques. Au contraire, au Canada, où j’étais dans la famille d’Esprit, j’ai eu pas mal de surprises. Déjà, pour partir, il avait fallu que je présente un dossier ; celui de ma correspondante correspondait au mien. Arrivée là-bas, j’ai découvert que nous n’avions absolument pas la même mentalité, nous Français, que les Canadiens ; ainsi, alors que nous avions utilisé les mêmes mots pour nous décrire, ma correspondante et moi, nous étions très différentes ! J’en ai parlé avec d’autres Français partis avec le même organisme et qui avaient eu la même expérience que moi. Néanmoins, le « matchage », ainsi que mon organisme l’appelait, des familles, était assez bien réussi, si l'on exceptait ma correspondante. Dans mon cas, tout s’est pourtant très bien passé ; ce fut d'ailleurs le cas pour la plupart, mais certaines personnes parties avec moi ont eu quelques problèmes avec leur correspondant.

En Allemagne, les gens sont comme nous (quoique moins râleurs, non ?). Mêmes origines donc (en gros). Mais les vrais Canadiens étaient autrefois amérindiens (d’où le nom du pays qui est un mot de ce peuple : village qui se disait « kanata » selon les Iroquois ou Inuits. Ceux-ci ont été colonisés, notamment par des Allemands (et on peut voir ces populations allemandes qui ont décidé de garder leurs racines, donc leur langue, et les coutumes qui étaient les leurs lorsqu'ils débarquèrent, refusant toujours l’électricité, tout comme les Amish ; mais au Canada on les appelle les Mennonites !), et bien sûr les Français et les Anglais. Aujourd’hui, le Canada est un pays où l’immigration bat son plein, et la population est variée. Ainsi, dans la classe où j’étais quand je suis allée à l’école, les gens venaient de partout dans le monde, et certains avaient encore de forts accents, comme Georgia, arrivée l’année précédente d’Angleterre, ou Julian, qui venait d’Amérique du Sud. Ma famille canadienne, elle, était moitié française, moitié irlandaise.

Ainsi, vous avez une première impression de ces pays. Maintenant, dans la vie quotidienne, c’est autre chose ! Pour ce qui est de la langue, commençons par l’Allemand, pas très beau mais pas si terrible que ça finalement, bien prononcé par une personne du cru. Le Canada, donc l’Anglais, en permanence, ça donne une bonne réserve de pastilles pour la gorge à prendre tous les jours pour ma part ! La prononciation est tellement différente…

J’ai eu un peu de mal avec l’Anglais au départ, à cause de deux choses : on nous apprend en France « la langue de Shakespeare », donc l’Anglais d’Angleterre. Or l’Anglais américain est très différent, beaucoup plus cool. Ensuite, j’ai découvert que même le meilleur professeur d’Anglais ne pourrait nous faire prendre un accent à peu près compréhensible pour des gens d’Amérique du Nord. Ainsi, j’ai eu du mal à m’intégrer avec certains élèves de l’école, qui ne voulaient pas faire l’effort d’essayer de me comprendre et, du coup, m’ignoraient. Heureusement, j’ai vite pris l’accent, et ai été très bien accueillie par la suite !

Pour l’Allemand, la langue a une prononciation beaucoup plus facile pour un Français, ce qui fait que je n’ai pas rencontré de problème ; en revanche, j’ai beaucoup moins pris l’accent.

J’ai pu remarquer qu’on a tous des tics de langage : si nous aimons bien les hee en France, pour les Allemands, c’est l’équivalent de leur ALSO. Mais les Canadiens ne sont pas en reste, plaçant des mots comme never mind à toutes les sauces (pourtant on pourrait croire que ce n’est pas facile de placer partout : « non, ce n’est rien, ne t’en fais pas ») !

Pour ce qui est des repas, ce sont des pique-niques tous les midis (lunch en Anglais, Frühstuck en Allemand). Les Allemands ne prennent pas de petit-déjeuner - d’où le nom de leur pique-nique-, un gros repas en rentrant de l’école, et seulement du pain le soir (repas qui s’appelle « Abendbrot » : pain du soir selon la traduction littérale) traditionnellement, mais cela commence à s’oublier, et reste seulement un peu à l’est. Voici la recette pour ne pas grossir selon eux.

Les Canadiens ont des repas qui se rapprochent davantage des nôtres, mis à part que ça ne les dérange absolument pas de manger le repas à 5h du soir.

Chaque pays a des spécialités culinaires, eux sont fous de SIROP D’ERABLE, en particulier sur de bonnes pancakes faites maison ! Ils changent de temps en temps pour des bagels, pain brioché très consistant en forme de cercle, souvent parfumés ! Ou pour les milk-shakes, plus américain, comme le reste de leur alimentation ! Ils apprécient d’ailleurs particulièrement d’aller se servir au drive-in des fast-foods, comme Tim Hortons, leur fast-food national.

Les Allemands, quant à eux, ne font pas un repas sans PATATES. A toutes les sauces, de toutes les manières possibles ! Ils vont même jusqu’à les recomposer en quelque sorte, créant la fameuse Klöβe. Ils aiment aussi beaucoup les viandes en sauce, comme la Gulasch (qui est originaire de Thüringen, en Allemagne donc, contrairement aux idées reçues).

Il n’y a donc qu’en France qu’on a des traditions culinaires aussi importantes et aussi variées. (Ne m’accusez pas de chauvinisme).

Puis il y a les fêtes, car cela, c’est universel ! Ainsi, j’ai pu remarquer que les bals tels que nous les connaissons ici n’ont pas d’équivalents, car en Allemagne comme au Canada, un bal signifie tenue de soirée exigée et c’est en général pour fêter un diplôme, comme les fameux bals de promotion - donc très rares -, que toute école qui se respecte organise. Pour les boîtes, c’est partout pareil (il suffit de parler de discothèque, tout le monde comprend).

Enfin, il y a les fêtes traditionnelles, comme la fameuse Oktoberfest en Allemagne (c'est-à-dire la fête de la bière à Munich), car la réputation n’est pas usurpée, l’Allemagne est bien le pays de la bière. Avec des mélanges parfois incongrus, comme de la bière au Coca-Cola. Au Canada, de telles traditions ne m’ont pas marquée.

Cependant j’ai pu remarquer que partout, le sport était un événement comme chez nous. Ainsi, j’étais au Canada pendant les JO de 2008, et je peux vous assurer que cela primait sur toutes les autres informations, de même que la coupe du monde de foot de cette année en Allemagne, la fameuse WM (pour « Weltmeisterschaft »), dont beaucoup d’Allemands ne manqueraient un match pour rien au monde, allant même pour certains jusqu’à voir tous les matchs sur écran géant avec toutes les villes aux alentours.

Finalement, tant de particularités ne m’ont pas déçue, et après être partie au Canada avec l’organisme l’OSEF, et en Allemagne avec le programme Brigitte Sauzay, j’ai ressenti une seule déception, ne pas pouvoir y rester un peu plus, car il me reste encore tant de choses à voir, et maintenant tant d’amis à retrouver.

Différents types d’école

En ce qui concerne les écoles, j’ai pu tester trois systèmes scolaires très différents.

Je vous présente mes premières impressions : je suis au Canada, nous sommes le 2 septembre 2008, et je vois mon école pour la première fois, il est 9h du matin, heure de début des cours. Les préfabriqués me sautent aux yeux. L’école a pris tellement d’importance, bien qu’ayant été construite il y a deux ans seulement, qu’il n’y a déjà plus de place et il manque actuellement 11 classes : d’où ces cabanes qui contiennent chacune une salle. Cette école est une école bilingue Français-Anglais, ce qui est courant ici. On a trois types d'écoles : soit françaises, soit anglaises, soit comme celle-ci (en revanche, les programmes sont identiques dans toutes).

On me place dans la 8^ème classe (après quelques péripéties). C’est l’équivalent de la 4^èmecar, après cette classe, on change d’école et on passe en Highschool (or ma correspondante a un an de moins que moi). Là, je découvre un professeur principal très gentil, toujours à l’écoute des élèves, avec pour maître-mot de faire réagir ceux-ci, grâce à de nombreux débats notamment, comme tous les autres professeurs. Ils utilisent pour cela tous les moyens technologiques en leur possession, dont des tableaux interactifs (il y en a dans toutes les classes), un ordinateur portable par élève (30 sont affectés à un niveau et ils tournent entre les deux classes), la télévision dans chaque classe. J’ai des matières variées car ici, le but est de faire découvrir le plus de matières possibles aux élèves ! Ainsi, chaque élève apprend un instrument de musique. Tout est très ludique. Chaque élève a son casier. L’école place très haut le respect et, dans ce cadre-là, on parle beaucoup de l’intimidation, de la discrimination.

J’ai deux pauses (l'une à 10h30 de 15 min pour manger la moitié de mon sandwich et l’autre à 12h40 de même). Puis l'après-midi, à 14h, tous les élèves rentrent chez eux, à part ceux qui prennent des cours de sport en plus de ceux organisés dans l’emploi du temps, ce pour faire de la compétition. Souvent, les élèves ont de longs trajets de buss; j’ai 1h de trajet chaque matin et de même le soir.

En Allemagne, les cours commencent à 7h30 en Saxe (ce qui me fait me lever très tôt le matin, pour aller en voiture à l’arrêt de bus) ; chaque cours dure 45 min, et ils finissent à toute heure, au plus tard à 15h, heure de fermeture de l’école (très peu d’élèves sont encore là, la plupart finissent 2h plus tôt). Il y a relativement peu de pauses, avec 5 min d’intercours et une pause de 15 min à 9h05 puis une autre de 30 min à 11h45. Durant ces pauses, on peut manger (certains vont à la cantine, mais c’est assez rare, la plupart préfère la petite boutique de l’école pour s’acheter des beignets, pizzas, gâteaux,…).

Ici, en cours, je peux boire, et même manger, sans me faire réprimander. De même, l’ambiance est beaucoup plus amicale qu’en France avec le professeur. Ainsi, échanger avec lui est fréquent, et si je parle discrètement pendant son cours, je ne me ferais que rarement reprendre (cela dépend bien sûr du professeur). Néanmoins, ce n’est pas trop gênant, car les élèves ont très peur d'obtenir de mauvais résultats à leurs interrogations et à leur Abitur plus tard (l’équivalent du Baccalauréat). En effet, les élèves qui sont dans cette école, un Gymnasium, ont déjà été triés, et les moins bons d’entre eux sont depuis longtemps dans une école à voie plus professionnelle (tout cela se fait en primaire).

Après ces deux présentations, vous remarquerez sans doute que les deux voyages ont pour moi été des expériences intéressantes. Vous pouvez pourtant le constater, le Canada m’a beaucoup plus marquée que l’Allemagne qui est semblable à la France.

Percy Jackson ou le Voleur de Foudre [article de Mylène]

Un jeune homme découvre qu’il est le descendant d’un dieu grec et s’embarque, avec l’aide d’un satyre et de la fille d’Athéna, dans une dangereuse aventure pour résoudre une guerre entre dieux dont il est accusé d’être à l’origine. Sur sa route, il devra affronter une horde d’ennemis mythologiques bien décidés à l’arrêter.

La mythologie respectée.

Le film commence sur une sortie spectaculaire des eaux effectuée par Poséidon ; on le voit se transformer en citadin banal, ni vu ni connu. Il rejoint son frère Zeus tout en haut d’un gratte-ciel ; ainsi, l'on découvre l’entrée de l’Olympe sur la Terre.

Sur l’Olympe vivent en permanence douze dieux. Parmi les plus connus et ceux qui ont le plus de pouvoir, on compte : Zeus (c’est le dieu des dieux, d’une part car il a vaincu son père Chronos, sauvant ses douze frères et sœurs, et parce qu’il détient l’éclair de foudre, ce qui lui confère des pouvoirs supérieurs à ceux de tous ses frères réunis. Il est officiellement l’époux d'Héra, sa sœur, mais il a de nombreuses maîtresses, tant mortelles qu'immortelles, ce qui explique qu'il y ait tant de demi-dieux issus de Zeus). Le second est Poséidon (il règne sur les mers, souvent représenté en vieillard barbu, mais vaillant, armé de son tridentL le film n’a gardé que la part vaillante des représentations de Poséidon). Le dernier est Hadès (dieu des enfers, il épousa Perséphone, qu’il déroba à sa mère Déméter l'une de ses sœurs). Les neuf autres dieux sont moins connus bien qu’ils aient chacun leur place dans la mythologie ; le film leur confère que de petits rôles.

Parmi les nombreuses histoires qui jalonnent la mythologie, on peut citer celle des Lotophages qui nourrisent les voyageurs de fleurs de Lotus ; cela les rend heureux et leur fait tout oublier ; ainsi ils perdent la notion du temps et ne reviennent plus jamais chez eux. On connait aussi assez bien le mythe des demi-dieux, enfants ayant pour parents un ou une mortelle et une divinité, car Zeus a eu de nombreuses conquêtes et beaucoup de descendants sur terre. Persé est le plus connu car c’est le seul demi-dieu à avoir eu une fin heureuse : en effet les dieux craignaient fortement ces rejetons et préféraient éviter leur existence…

Parmi les lieux les plus connus de la mythologie grecque, on noteUn jeune homme découvre qu’il est le descendant d’un dieu grec et s’embarque, avec l’aide d’un satyre et de la fille d’Athéna, dans une dangereuse aventure pour résoudre une guerre entre dieux dont il est accusé d’être à l’origine. Sur sa route, il devra affronter une horde d’ennemis mythologiques bien décidés à l’arrêter.

La part de fantaisie

Le film, malgré un réel effort pour ressembler à la mythologie, garde une grande part de fantaisie, notamment pour bénéficier de la plus grande audience auprès d'un public jeune notamment.

Chez les Grecs, les demi-dieux n’ont qu’une petite place, on privilégie les dieux eux- mêmes.. Seul Percée est connu, quoique seulement pour les amateurs de mythologie. Ici le film donne à ces demi-dieux un grand rôle, puisque le personnage éponyme et héros est le fils de Poséidon. Il doit absolument retrouver l’éclair de foudre, qu'on l'accuse d'avoir volé, car sinon les dieux de l'Olympe entreront en guerre. L’éclair de foudre a été subtilisé par un demi-dieu pour prendre le pouvoir, afin que l’ancienne génération laisse place à une nouvelle.

La mythologie est entièrement revisitée pour être plus moderne et coller à notre « monde ». Ainsi, l’histoire des Lotophages se déroule dans un casino, qui garde précieusement ses clients grâce aux mêmes fleurs de Lotus. Les fameuses chaussures d’Hermès, le messager des dieux, se retrouvent être des Converses. Les furies deviennent des institutrices, le directeur d’un musée est en fait un centaure, alors que rarement les créatures mythiques ne s’aventurent si prés des Hommes.

Toujours dans un but lucratif et pour coller à notre société, le film nous rend une version très « américanisée » des aventures mythique de notre héros ; ainsi un Ipod sauve Percy du regard pétrifiant de la Méduse. Tout sombre également dans la démesure. Rien n'imest possible dans ce film, et l'on connaît d’avance la fin, même si les aventures entre temps peuvent nous surprendre par la revisitation qui s'opère.

Messages subliminaux :

Ce film met le doigt sur les dysfonctionnements de notre société, qui se caractérise par une course à la consommation ; la culture y laisse place à un désir de possession effréné. On sent apparaître un monde matérialiste comme le montre la présence de nombreux objets aux marques connues (dont l'Ipd dont nous avons déjà parlé... Si les victimes avaient su cela plus tôt !!!...)

La discrimination a aussi une grande place dans ce tournage : en effet, les demi-dieux sont parqués dans un camp. Enfermés loin de l’humanité dans le fin fond d’une forêt, comme le furent les Juifs lors de l’Occupation. De plus dans ce camp tous les « serviteurs » sont noirs, comme les meilleurs amis qui exécutent tous les ordres de Percy Jackson. De plus Grover, le meilleur ami noir, n’a que le second rôle, celui du satyre, créature qui passait son temps à chanter et à poursuivre les nymphes de ses assiduités, et revêt donc une importance moindre dans la mythologie.

Mais malgré tout cela, ce film est fortement plébiscité par les jeunes, car il est proche d’eux et chaque fois que l’apport culturel est trop important, on ravive leur intérêt à gros coups de publicité et d’effet spéciaux.

Par conséquent, ce film est une œuvre facile à voir, qui ne requiert aucune connaissance préalable ; elle vous permet juste de passer un moment agréable, si vous n’êtes bien sûr pas trop exigeant sur la qualité et que vous avez 2h02 vacantes dans votre emploi du temps...

Le journal des 1ères L

noreply@hautetfort.com (BR) — Tue, 18 May 2010 20:38:00 +0200

La série Littéraire [un article de Sandra et Lucasl]

Depuis très longtemps, les élèves de série littéraire sont victimes de préjugés, spécialement de la part des scientifiques. En effet, récemment , dans le numéro 480 du journal Famille Education, Lise DUPAS a publié un article intitulé « Faut-il choisir la série L ? », dans lequel elle fait une description très peu vendable de cette série. A la lecture de ce journal, nous, 1°L, avons été indignés. C’est pourquoi nous avons décidé de réagir à cet écrit dans notre journal.

En effet, nous avons été choqués car nous ne nous sentons pas concernés lorsque la journaliste prétend que les littéraires ont choisi leur section par dépit, et qu’ils ne peuvent réellement réussir. Dans notre cas, nous avons DELIBEREMENT choisi notre section, puisque certains d’entre nous auraient pu prendre d’autres voies, mais ont opté pour la première L par attrait pour les matières, plutôt que rejoindre la première S pour « faire bien », comme ce fut le cas pour de nombreux élèves. Il est vrai que ses matières sont avantageuses, puisque les langues permettent de communiquer à travers la planète, et surtout nous apportent de la culture générale et une ouverture sur le monde. De plus, en Première L, nous étudions également des disciplines scientifiques qui nous apportent quelques bases, utiles dans la vie de tous les jours. Ainsi, ce n’est pas un BAC à négliger : il exige beaucoup de méthodes, de rigueur et, surtout, de travail. En effet, autant les élèves de série S peuvent apprendre leur cours, autant les élèves de série littéraire doivent surtout sentir les choses, et développer leur sensibilité pour réussir.

Ainsi, les élèves disposant d’un baccalauréat littéraire peuvent prétendre à une large palette de voies post- bac. En effet, les lauréats peuvent aspirer à des facultés de Lettres ou d’Histoire pour postuler entre autres dans l’enseignement... Ils peuvent également prétendre à des études de langues, pour devenir interprètes, traducteurs, ou pour travailler à l’étranger. Outre cela, ils ont également l'opportunité de s’orienter vers des voies les conduisant aux métiers du livre, telles que l’édition ou le journalisme. De plus, il y a aussi possibilité de faire des études de Droit, qui conduisent à de nombreux métiers. Enfin, certaines voies qui concerneraient plutôt la section ES ne leurs sont pas totalement fermées, bien au contraire : les écoles de Commerce, contrairement aux idées reçues, plébiscitent actuellement les Littéraires.

Ainsi, le baccalauréat littéraire ouvre de nombreuses voies, et permet notamment de passer les concours de la fonction publique, En effet, la série L apporte beaucoup de culture générale, grâce aux nombreux ouvrages, aux pièces de théâtre, et aux films étudiés, ainsi que par les les débats concernant divers sujets. A fortiori, cette série nous offre aussi de l’autonomie, car il faut s’organiser pour lire les œuvres et préparer les analyses. De plus, il faut savoir gérer son temps lors des devoirs, et l’élève doit souvent faire une démarche, de son propre chef, pour se cultiver. Or, ce sont deux principes très utiles lors d’études supérieures.

Par conséquent, bien que cette série en apparence ne semble pas ouvrir un large éventail de carrières envisageables, si l’élève est motivé, et a déjà une idée de sa future voie professionnelle, elle pourra lui convenir, et il aura l'opportunité de s’épanouir en étudiant des matières qui le passionnent réellement.

L’édition[un article de Lucas]

De nos jours, de plus en plus de gens désirent écrire des œuvres littéraires, et surtout être publiés. Ainsi, les maisons d’édition se multiplient, et les livres se répandent. Nous allons donc étudier comment nous passons d’un manuscrit à la vente d’un livre.

En premier lieu, les auteurs étant de plus en plus nombreux, l’écrivain doit envoyer son manuscrit à de plusieurs maisons d’édition, dans l’espoir d’être publié. Nombreux seront les refus avant que le manuscrit ne soit sélectionné. Celui-ci est envoyé au directeur de collection qui, en plus de superviser le travail éditorial de toute une collection, lit les ouvrages des auteurs et sélectionne ceux qui sont intéressants et qui " collent " avec l’esprit de la collection. Le manuscrit choisi sera relu par le responsable d’édition qui doit s’assurer de la qualité du produit afin de conserver l’image de marque de la maison d’édition.

Ensuite, l’exemplaire est envoyé au relecteur/correcteur qui a pour but de corriger les textes, que ce soit au niveau de l’orthographe ou de la syntaxe, quitte à modifier le texte. Il vérifie également la mise en pages de tout texte visant à être publié. Son travail est revu par l’éditeur qui doit s’assurer du mérite de l’œuvre, car il est responsable du budget alloué à sa réalisation, et des résultats des ventes. Ainsi, il supervise la réalisation de l’œuvre étape par étape. Puis intervient le chef de fabrication qui surveille l’impression et assure le lien entre les clients et la production. Son rôle est également d’améliorer la rentabilité de la maison d’édition.

Enfin, le livre arrive en librairie. Le libraire lui aussi à son rôle à jouer dans cette production, puisqu’il ne fait pas simplement office de commerçant, mais doit également accueillir et conseiller les lecteurs, et surtout donner au client une critique juste du livre, qui le pousse à l’acheter. Il se peut également qu’il doive servir de lien entre les lecteurs et la maison éditoriale, lui transmettant ainsi les diverses requêtes et critiques qui lui sont adressées.

On remarque que, de nos jours, l’économie du livre s’est fortement développée. En effet, les maisons d’édition et librairies se multiplient, de plus en plus d’auteurs cherchent à se faire publier, et le livre est même arrivé dans les grandes surfaces. Ainsi, le livre est le premier bien culturel en poids économique, puisqu’il représentait 51% de ce genre d’achat (soit environ 4 milliards d’euros) en 2006.

On remarque ainsi que ce soudain attrait pour le livre a bien sûr fortement influencé les métiers du livre, dont le nombre de représentants a augmenté ces dernières années. En effet, en 2009,s on note une majorité de bibliothécaire, à savoir 47 000, 32 080 libraires, 16 367 éditeurs, et environ 5 000 archivistes. Cependant, bien que les ventes soient croissantes, les places dans les métiers éditoriaux sont offertes en nombre restreint. Par exemple, pour le concours de recrutement des bibliothécaires en 2008, 7 419 candidats étaient inscrits, pour seulement 274 postes. Ainsi, un bon nombre de diplômés se destinant à ces métiers doivent se contenter d’un statut précaire et d’un salaire peu élevé. Dès lors, il s'avère plus facile de s’orienter dans des branches très spécifiques de ce domaine tels les livres illustrés, qui permettent également à des étudiants en art de trouver du travail, ou les publications scientifiques et juridiques. Par conséquent, les métiers de l’édition représente un domaine vague, mais dans lequel il est difficile de se faire une place, que ce soit en tant qu’auteur ou éditeur.

Cependant, le marché du livre a bien évolué, notamment grâce à Internet. En effet, il est maintenant facile de se procurer des livres sur la toile, qu’ils soient neufs ou d’occasion. Mais la véritable révolution est qu’il est désormais possible de consulter ou de télécharger des livres sur le Web, et donc de les consulter sur son ordinateur, ou encore d’utiliser des Ebooks, véritable livre numérique. Seulement, peut-on encore parler de livre lorsque celui-ci n’a pas de pages à proprement parler ?

LA VISITE AU MUSEE D'ART MODERNE DE SAINT-ÉTIENNE [ article de Morgane]

Le vingt novembre dernier, les classes de Première ont fait une sortie culturelle à Saint-Etienne. Voici quelques impressions sur la visite guidée du musée d'art moderne...

La visite guidée commença par l'œuvre de deux amoureux qui, grâce à leur appareil photo et à beaucoup de patience, ont fait un contraste avec le coucher du soleil : apparaissaient sur les photographies des traits flous en dessous du soleil comme si ce dernier descendait rapidement et que notre œil puisse l'apercevoir.

8 photos du coucher du soleil se formaient autour d'un cadre qui représentait les mains des artistes et qui signifiait leur amour, mais aussi leur envie de laisser une trace d'eux après leur mort ; comme pour les hommes préhistoriques, ces mains étaient réalisées grâce à de la colle et du sable fin, ce qui donnait un aspect plus poussé de l'idée des homme de la préhistoire.

Le deuxième tableau était d'un homme qui, globe-trotteur, représentait une fois posé chez lui ses trajets à vols d'oiseaux, ce qui donnait sur le tableau des traits plus ou moins droits. Cet artiste était très près de l'art abstrait, mais on ne put le classer dans cette catégorie d'artistes.

La troisième partie était dans un pièce sombre ou se trouvaient 11 télévisions qui étaient allumées en continu et qui affichaient sur leur écran des lunes , à différentes périodes du mois ; mais l'artiste nous piège avec l'imagination et le nom de son œuvre la lune. Sur les multiples téléviseurs, il n'y avait pas des images satellites de la lune, mais l'artiste avec joué avec des éléments qui se trouvent dans la boîte du téléviseur pour faire la couleur et le noir et blanc. Grâce à cela, il jouait avec les intensité du noir et celui du blanc,it ce qui donna ces formes, d'infime croissant de lune qui petit à petit, grossit et donne un aspect de lune qui nous met tous d'accord sur sa nature. L'artiste s'amuse avec nos yeux qui ne sont que des objets influençables, qui croient retrouver des choses qu'il connait déjà. Le message est clair : il nous dit qu'il ne faut pas se fier aux apparences.

Nous poursuivons la visite et nous arrivons dans une salle dédiée à un astronaute : l'on retrace sa vie, depuis son enfance, et l'on voit que sa passion de l'astronomie est intense ; sur le mur, sont accrochées des photographie retraçant sa vie. de l'autre coté de la pièce, se trouve un de ses blousons et un costume de cosmonaute. A plusieurs endroits, au centre, on peut voir des tables recouvertes par une bulle de protection où sont exposés des dessins, des lettres, des photos de lui, de son enfance. L'on retrouve même une vidéo qui fait de la propagande pour l'URRS. Tout cela semble si vrai... Mais tout est incroyablement et inexplicablement faux : l'artiste a recréé une vie qui n'a rien à voir avec la vérité,en en faisant des photomontages et créant ou achetant toutes sortes d'objets. Et franchement, quand le guide nous a révélé cela, nous avons tous sans exception été choqués tant tout paraissait si réel!

Ensuite, la visite se poursuivit avec une œuvre qui fut inventée par le guide lui-même : cette dernière ressemblait à une lune faite avec un fond de vieux pot de peinture : cette substance avait collé au fond et avait donné cet aspect de lune ; autour, se trouvaient de petites punaises qui avaient toute une tête de couleur différente et cela donnait un tableau magnifique.

Puis nous regardâmes une œuvre de Klein qui se nommait « Bleu Ives Klein » car Klein avait lui même crée cette teinte de bleu qui, à son époque, n'existait pas ; et, après cette découverte, il créa plusieurs objets tous de cette couleur ,comme un globe terrestre. Et, plus tard, reprenant Eluard, il dira « La terre est bleue comme un orange ».

Ensuite, nous gagnâmes une salle où se trouvait sur un mur une immense Lune faite de tout un tas d'objets recyclés ; tous ces objets étaient bleus. Nous apprîmes que l'artiste est quelqu'un qui parcourt les plages et qui ramasse tout ce qui s'y trouve et qui n'est pas naturel ; puis il les classe une fois chez lui par couleurs et tailles et, pour finir, en fait des œuvres comme ce tableau.

L'avant-dernière œuvre est immense ; elle représente un simulateur de vol. On a l'impression d'y être ! Mais celle ci n'est qu'une imposture car ce simulateur de vol n'est en faite qu'une gigantesque reproduction en papier ! Toutefois, le plus impressionnant est que le simulateur de vol qui était devant nous n'était pas agrandi mais bel et bien en taille réelle, ce qui nous laissa bouche bée.

La dernière pièce que nous visitâmes était une pièce où l'on trouvait des tas de choses différentes ; mais la statue qui nous a le plus marqués et amusés est un statue représentant un martien vert souriant, portant une chatte avec des jolies formes à la Marylin Monroe et qui a l'air dérouté par cette chose. Cette statue était de taille humaine et nous la trouvâmes fort sympathique.

Cette visite au Musée d'art Moderne à Saint Étienne fut très enrichissante, surtout je pense grâce à notre guide qui était un passionné et qui nous fit partager sa passion durant tout ce temps. C'est une exposition que je recommande.

[Nous récidivons le lundi dix-sept mai avec la visite guidée de la collection Jacqueline Dellubac au Musée des Beaux Arts de Lyon. Nous aurons également droit, l'après-midi, à un conférence sur les actions de l'ONG Handicap International ; et c'est la première fois qu'ils reçoivent des scolaires dans leurs locaux Nous avons la cote !...]

AUTOUR DE SARTRE

Les Mouches d [un article de Sandra]

Jean-Paul Sartre est un auteur du XXème siècle. Il est né à Paris en 1905. Elève de l’Ecole Normale Supérieur, il est reçu à l’Agrégation de Philosophie en 1929. Il enseignera jusqu’en 1945. Durant la Seconde Guerre Mondiale, il est fait prisonnier et libéré grâce à un subterfuge. Il va entrer dans la Résistance A la Libération, il tente de grouper les éléments de gauche non communistes dans un Rassemblement démocratique, et fonde une revue, les Temps Modernes.

En 1945, il publie les deux premiers tomes des Chemins de la Liberté : l’âge de raison et la liberté.

Pour ce qui est du théâtre, Sartre publiera, en 1943, Les Mouches, et, en 1944, Huis Clos, mais aussi Mort sans sépulture en 1946 (drame de la résistance)…et les Mots, en 1964, qui est un récit autobiographique.

Ainsi, comme nous avons pu le voir, Sartre écrit sous un climat de tension, à l’époque de la Seconde Guerre Mondiale. Dès lors, il sera très marqué par ce qu’il aura vu et son écriture en sera influencée.

Ainsi, dans cette oeuvre, les faits se déroulent à Argos, petite ville de Grèce. Les habitants sont envahis de mouches (les Erynies), symboles du remords. En effet, Egisthe a tué Agamemnon, roi d’Argos, qui était marié à Clytemnestre. Et, depuis cet assassinat, toute la ville est plongée dans le remords, un remords qu'Egisthe prend soin d'entretenir, afin de ne pas voir son pouvoir contesté. De plus, un jour dans l’année, il y a un moment de deuil, durant lequel les habitants accueillent leurs morts.

C’est dans ces conditions qu'Oreste, qui au début se fait appeler Philèbe pour ne pas éveiller les soupçons, arrive dans la ville avec son précepteur. Il y rencontre Electre, qui est la fille d’Agamemnon, et qui a été réduite à l’état de servante par Egisthe. Elle recherche désespérément son frère, Oreste, qui, lorsqu’il était petit, a été rejeté hors du palais, après la mort de leur père. Ainsi, à un certain moment, on s’aperçoit que Philèbe est en fait Oreste. Voyant Electre dans l’état où elle est, poussé par les objurgations de sa soeur qui veut venger le meurtre de leur père, il décide de tuer Egisthe. Donc, pendant la soirée, il s’introduit avec Electre dans le palais. Il se cache derrière le trône, en attendant Egisthe.

Cependant, durant ce voyage, Philèbe/Oreste était escorté de Jupiter, qui a pris forme humaine. La divinité entend mettre en garde Egisthe contre le danger qui rôde autour de lui et de son peuple, puisqu’un homme libre risque de mettre à mal tout le travail d’entretien du « remords » qu’il a accompli depuis des années. Mais Egisthe n’en a que faire. Jupiter repart donc.

Oreste sort de sa cachette, et le tue. Electre sort, regarde le mort, puis Oreste, qui, lui, s’apprête à aller tuer leur mère. Elle ne s’oppose pas, mais elle n’est pas très d’accord non plus. Oreste accomplit sa tâche, et tous deux vont se cacher dans le temple d’Apollon, où le peuple ne peut rien leur faire. Ils sont réveillés par les mouches, qui veulent les tuer. Jupiter arrive, leur demande d’éprouver un peu de remords. Electre, terrifiée, est aveuglée par ce sentiment, elle supplie Jupiter de la soulager. Mais Oreste, lui, n’éprouve aucun remords ; il a au contraire la sensation d’avoir délivré sa ville et lui-même ; son acte c’est sa liberté. Il refuse de partir avec le Dieu, mais demande à ce qu’on lui ouvre les portes du temple. Le peuple, prêt à le lapider, s’arrête, et Oreste dit qu’il part, ayant accompli son acte, et les ayant tous délivrés de leurs accablants remords. Ainsi, il sort, suivi des Mouches.

Cette œuvre, écrite pendant la Seconde Guerre Mondiale, montre que si on le veut, on peut être libre. De plus, il y a la critique de la doctrine du Maréchal Pétain, qui est « travail, famille, patrie »

En outre, ici, Oreste devient le symbole de la liberté humaine incompatible avec l’existence de Dieu. En effet, selon Jupiter, un Homme libre est un parasite dans une société. De plus, le fait qu’Oreste assume son geste la tête haute, est aussi le symbole de la responsabilité assumée dans un geste authentique.

Quand Oreste arrive à Argos, il est étranger à la notion de Bien et de Mal, il représente l’innocence de l’enfant. Cependant, face à ses responsabilités, il devient homme et différencie ces deux notions. Ainsi, par ce moyen, Sartre incite à la résistance, et montre bien que les Français doivent être courageux et défendre leur patrie.

Dans cet ouvrage, les Mouches sont omniprésentes. Elles symbolisent le remords, sentiment qu’éprouve la ville d’Argos, après n’avoir rien fait pour empêcher l’assassinat d’Agamemnon. La ville est encore hantée par les cris de souffrance de celui-ci, que l’on peut mettre en relation avec les tortures que fait subir la Gestapo aux Résistants.

De plus, il y a la représentation d’un Dieu qui n’a plus de pouvoirs. En effet, Egisthe n'écoute pas Jupiter et ne se d défend pas contre son assassin. De plus, à la fin, Jupiter n’a plus aucune espèce d’influence sur Oreste, qui lui tient tête, même si Electre part quand même avec lui. Or, pour Sartre et la doctrine existentialiste, on ne saurait croire en les Dieux et être libre. Ces deux notions ne peuvent pas coexister.

Ainsi, dans cette œuvre, trois thèmes, outre le remords, reviennent beaucoup : la vengeance, notamment chez Oreste et Electre, qui veulent venger leur père. Or, c’est ce qui fait « démarrer » l’œuvre. Il y a aussi le thème de la Liberté, liberté que Oreste revendique, et qu’il obtient par ses actes. Pour Electre, la liberté est de courte durée, car elle se « range » vite du côté des Dieux. Le peuple d’Argos, lui, est libre, mais telle que l’œuvre se termine, on se demande ce que les habitants vont faire de cette liberté.

Puis, il y a le thème de la révolte. En effet, Electre se révolte lors de la fête des morts. Mais ce soulèvement est vite écrasé par le prêtre et Egisthe (à mettre en relation avec l’attitude de l’Eglise lors de la Seconde Guerre Mondiale). Elle est faible. Oreste, quant à lui, ose se soulever et revendique son geste haut et fort, il fait preuve de courage, à l’inverse d’Electre. De plus, le fait de tuer Egisthe est un acte de Révolte.

Les Mots [un article de Delphine]

Tout d'abord cette œuvre correspond à l'autobiographie de Sartre. En effet, dans un premier temps, je vais vous résumer l'histoire, et dans un second temps, je vous fait part de mon analyse sur l'œuvre et sur l'auteur.

Sartre perdit son père très tôt. Par conséquent, avec sa mère, il alla habiter chez ses grands-parents. Son grand père sera le chef de famille, prenant ainsi la place de son gendre. C'est lui qui va contrôler l'éducation, du jeune Jean-Paul car sa mère, réduite à une certaine passivité, n'a pas le droit de s'en occuper ; elle deviendra, pour Sartre tout au plus une espèce de grande sœur.

Par ailleurs, Sartre nous explique l'origine de son amour envers la littérature. Effectivement, après avoir découvert la grande bibliothèque de son grand père, il est fasciné, étonné, ébloui pa cette grande pièce remplie de livres destinés aux grandes personnes. Bien que ne sachant pas encore lire, il commença à découvrir ces ouvrages. Il apprit dès lors rapidement et les dévora. Son grand père lui explique les œuvres, et en profite pour critiquer les magazines et les livres pour enfants car dans ces derniers, il trouve qu'il n'y a pas d'analyses, donc que son petit-fils ne peut en retirer aucun bénéfice. Mais, heureusement, sa mère lui fait découvrir les contes destinés pour enfants. Même si sa mère ne se rend pas compte que cela fait partie de son éducation, Sartre trouve cela très enrichissant car au moins il porte son propre jugement au lieu d'avoir celui de son grand-père.

Par ailleurs, quelque temps après, le grand père va mettre son petit-fils à l'école, mais celui-ci ne parvient pas à y trouver sa place et fait les quatre cents coups. Il reçoit alors des cours à domicile. Puis il va rentrer au collège. Mais, dans son autobiographie, il n'est aucunement question de ses aventures au collège, puisqu'il arête sa narration à l'aube de la sixième. Ainsi, cette œuvre ne relate pas toute la vie de Sartre.

De plus, dans ce livre, Sartre montre tout de suite ses relations avec son grand-père et sa mère. Celui-ci revêt les traits du méchant. Il prend la place du père. C'est le chef de famille. Il a pour rôle d'éduquer son petit-fils. Sartre le respecte, le prend pour modèle à ses débuts, mais se rend plus tard compte que cete figure finalement despotique lui a imposé une vocation littéraire qu'il n'avait pas choisie. En revanche, sa mère n'a pas voix au chapitre, et c'est pour l'auteur l'occasion de critiquer la société bourgeoise et le peu d'importance qu'elle accorde aux femmes (d'aill

«Quand je lève les yeux vers vous on dirait que le monde tremble» (A.Artaud)

Trembler , voilà le credo du drone. Un bloc monolithique de son abrasifs , apocalyptique , malsain et fascinant , la musique que propose les groupes de la vague drone-métal tel que KTL , Khanate , ou les mastodontes du genre , Sunn O))) ,est radicale , uniforme , et peu accessible . Une marginalité assumée qui découle d'une recherche esthétique , d'une déstructuration du langage musical époustouflante remontant bien plus loin que les débuts hésitant des précurseurs de Earth au début des années 90. En effet , le drone apparaît comme une rupture avec les racines pop binaire , dont il s'éloigne vite (Earth est au début très proche des milieux grunge de Seattle et notamment de Nirvana , déjà noyé et étouffé dans le mainstream et la superficialité. Pour la petite anecdote inutile , c'est même Dylan Carlson , chanteur de Earth et ami de Cobain , qui a acheté à ce dernier le fusil avec lequel il retapissa sa chambre un certain jour d'avril 1994), racines basiques , clichés , aux codes éternellement figé qui ne leur offre qu'un piètre espace d'expression quant à ses formes fixes et ses barrières hermétiques. Ses origines sont dans les expérimentations de compositeurs telle que Charlemagne Palestine , et par la des minimalistes de la seconde moitié du XXe , Steve Reich et Philip Glass en tête, et par la des marginaux romantique telle que Satie ou Debussy . Oui , réunir les noms de Steve Reich et de Claude Debussy dans une même phrase passe encore , mais associer Sunn O))) au compositeur des Suites Bergamasques, ça tient assez du blasphème, mais force est de leurs constater un point commun, le même souci d'épurer au maximum le propos , d'une musique fluide, inconstante, posée, où le son prend le dessus sur les notes pour se suffire à lui même. Les notes , par ailleurs , sont inexistante ou alors sont-elles seulement plus prétexte que véritable fond. Un coup d'œil a une partition de Palestine suffit, deux, trois, quatre accords semblables, et ce pendant une trentaine de minutes. L'essentiel résidant dans leur interprétation ; une expérience unique, active et paradoxale s'en dégageant, comme une anesthésie du cerveau au profit de l'inconscient. La musique impressionniste, qu'on appelait ça à l'époque.

En 1894 , Debussy compose le Prélude à l'après midi d'un faune , adaptation du poème éponyme de Mallarmé. Ou l'acte fondateur de la «musique impressionniste», qui est accueillie à peu près de la même façon que son alter ego picturale. Le thème en chromatisme, l'épuration mélodique , le refus de toute dynamique, de toute virtuosité, l'harmonie contre-nature, cet œuvre représente alors ce que l'intelligentsia musicale considère comme le blasphème ultime. «Un goût dangereux pour l'étrange» , dira un critique. De Bach à Mahler, en passant par Lizst, la musique s'était alors toujours faites dans une attente mélodique , une volonté d'une musique didactique , qui se suffit à elle même , qui pouvaient alors exister a sa juste valeur sans auditeur. «Victime» d'un idéal qui semble éternellement coller a la peau de l'art musical populaire tant il semble perdurer depuis sa création, l'annihilation de son intellect ,son aspect irraisonnée, que ne nie d'ailleurs aucunement cette impressionnisme, ni ses descendant, mais dont au contraire ils se servent en le détournant , s'intéressant plus a l'effet produit sur l'auditeur qu'à la musique isolée. «Une complète domination des sens» , aurait dit Visconti. Debussy était en fait en train de fonder une notion essentielle, souvent entrevue, jamais approfondie. Il résumait alors sa vision du musicien comme celui qui a «le privilège de capturer toute la poésie de la nuit et du jour, et d'en retranscrire l'atmosphère profonde, dans toute son insaisissabilité». En gros , parler a l'âme profonde, faire parler l'inconscient , dominer les sens. Même si Debussy restera très attaché à l'aspect formelle , à l'accessibilité de son œuvre (il reste un romantique «de base» par bien d'autres aspects), il reste l'ancêtre de cet idéal et sera d'une influence majeur (en particulier sur le duo Steve Reich/Phillip Glass(en témoigne sa série des Arabesques)), idéal dont les limites seront désormais sans cesse repoussée.

Quelques années plus tard, Debussy fait une rencontre décisive ; Erik Satie. Aujourd'hui considéré comme un compositeur fondamental, mais à l'époque un obscur clochard qui partage son temps entre martyriser son piano pour en tirer de nouveaux horizons, et jouer des «rudes saloperies» dans les bals populaires pour sortir de sa misère. Mais sa musique va alors plus loin que celle de Debussy , qui deviendra vite un de ses amis fidèles. Sa série des Gymnopédies , basées sur 2 accords en boucle et une mélodie simplette, sustain bloqué, pour dégager le maximum de la moelle de ce morceau proto-ambient (Brian Eno, le pape ambient ne se cacheras pas de cette influence notamment dans The Pearl (avec Harold Budd) et sa série des Ambient, sorte d'acte fondateur de l'ambient moderne, de Coil à Eluvium en passant par Klaus Schulze). Mais la musique de Satie demeure assez confidentielle jusqu'à sa mort, malgré les tentatives de Debussy déjà très populaires, en effet il orchestra certaines de ses œuvres, dont une version célèbre de la première Gymnopédie, qui n'obtiendra qu'un faible succès. Satie, mort dans sa misère, laissa de nombreuses œuvres mêlant tendresse, tourment et humour dans un minimalisme avant-gardiste, ainsi que quelques écrits et quelques dessins.

La guerre passa, les excès, la violence avec, l'avant garde musicale se déplaçant au États-Unis, ou les compositeurs complètement débridé et constamment sous psychotropes se succèdent. A commencer par John Cage, très apprécié des milieux artistique new yorkais dans les années 50., connu pour ses performances et pièces extravagantes, et qui à l'époque passait la majeure partie de son temps a sniffer de l'éther sur les toits new yorkais, d'où il puisait son inspiration. Ses œuvres, dépassant toute limite, deviennent des hymnes de l'intelligentsia blanche de New York. Il pousse le vice de la décadence jusqu'à composer 4'33, qui à ce jour reste la seule œuvre musicale silencieuse. En effet, le pianiste s'assoit, reste immobile devant son piano 4 minutes et 33 secondes, puis s'en va ; la partition est blanche («Je n'ai rien à dire et je suis en train de le dire» expliqueras l'intéressé). Cage n'est pas minimaliste. En fait, l'«âge d'or» du minimalisme «seconde génération» (i.e Reich, Glass & co) s'établit comme un mouvement de protestation de l'œuvre de Cage, tandis que la première génération de Young ou Riley s'inspire de ce junky notoire en épurant sa ligne esthétique.

En réalité, au commencement était La Monte Young, jeune étudiant en art paumé (l'étudiant en école d'art étant a la musique moderne ce que le portugais est à la maçonnerie), musicien passionné depuis sa tendre enfance, qui plaque ses études pour s'adonner à sa passion à l'après-guerre. Il tente d'intégrer la section musicale de composition de l'UCLA (à Los Angeles), mais, de la même façon que Satie quelques décennies plus tôt, il ne passe pas le concours d'entrée. Il erre alors, composant toujours plus, toujours plus singulièrement, et à force de persévérance, il finit par être accepté a l'université. Là bas, il n'est clairement pas à sa place, mais l'atmosphère créative lui permettra d'affirmer de plus en plus précisément son style, totalement incompris par ses professeurs qui ne voit en lui qu'un artiste raté de plus. Chacune de ses œuvres sont sifflée lors des représentations hebdomadaire de la salle du campus, le jeune compositeur jubilant du mépris de ses supérieurs et camarades. Il s'en écarte peu à peu, pour côtoyer les milieux artistique d'avant garde. Là, il rencontre les futurs grands pontes du minimalisme, à commencer par Terry Riley, dont il devient grand ami. Il commence à enregistrer ses œuvres tout seul -usuellement un blasphème dans la musique «classique»-, et se déplace vers l'ouest jusqu'au berceau grouillant de New York. Là bas, il sort ses œuvres de façon assez confidentielle, mais en influençant tout la futur vague minimalistes seconde génération. Elles sont donc très peu appréciées et du grand public et des musiciens, mais un trouve public dans les milieux artistique, notamment les peintres minimalistes, mouvement plus ancien, mais qui se retrouve pleinement dans son alter-ego musical. S'organisent alors petit à petit des minuscules mouvements qui vite s'agrandirent pour n'en former qu'un, d'un énorme poids artistique, réunissant toute la première vague d'avant garde; La Monte Young donc, Terry Riley, Artoo Path, etc, etc. Boudés par les salles classiques traditionnelles et se rapprochant des milieux rock avant gardiste (plusieurs groupes se formèrent ou s'influencèrent de cette association, du Velvet Underground à Sonic Youth), ils organisent leurs propres représentations dans des salles de plus en plus grandes, représentations souvent assez farfelues (notamment celle de La Monte Young, certaines par exemples durant du crépuscule jusqu'à l'aube sans interruption, d'autres , démarraient lorsqu'un oiseau était lâché dans la salle et stoppaient lorsque le dit oiseaux s'échappait par l'une des fenêtres). Ils gagnent de plus en plus de succès au niveau national, mais le succès international ne vient que dans les années 70, avec un certain Steve Reich.

Reich, lorsque les premiers minimalistes se font connaître, est étudiant à la prestigieuse Julliard School de New York; Contrairement à Young, il est brillant, analysant dans tout les sens le dodécaphonisme et surtout le sérialisme de Schoenberg, ,,,,. Mais quand il rentre chez lui, Reich se délecte du jeu déjà très modal du virtuose John Coltrane, ne pense la musique que rythmiquement et harmoniquement, abhorre l'hyper-intellectualisme de la musique sérielle. La première vague minimaliste le passionne, et il sort diplômé de la Julliard, compose ses premières œuvres minimales , tel It's Gonna Rain, déjà significative du talent de Reich, et commence à se faire connaître et a connaître la réticence du public; durant une représentation aux mythique Carnedgie Hall de New York en 1962, sa pièce est violemment huée, son travail souffre encore de l'absence de la transcendance qui rendront son travail fascinant et indispensable par la suite. Il sent alors bien qu'il lui manque alors quelque chose pour former son style, son talent ;prenant alors ses distances par rapport à la musique, telle son idole, Coltrane, qui a longtemps bataillé contre sa nature dans cette perspective, avant son «éveil spirituel» de 1957, durant lequel il écrivit le divin A Love Supreme, mais c't'un autre sujet, n'es' pa'. Reich, lui, connait son éveil lors d'un voyage en Afrique sub-saharienne. Là-bas , il retrouve goût pour la musique, fasciné par les rythmes hypnotiques et lancinant qu'il y entend. Il retourne alors au États Unis, ou il écrit quelques unes de ses œuvres les plus originales et fondamentales comme Six Pianos ou Music for Mallet Instrument. Et surtout, en 1970, il écrit Music For 18 Musicians, l'œuvre essentielle du minimalisme. C'est en effet l'apogée du style Reich, du rythme hypnotique aux thème lancinant, une ligne continue, pure , une unité et une cohérence vertigineuse. Par la même, c'est une de ses œuvres les plus abordables, la profondeur de son esthétique la rend paradoxalement très compréhensible. D'ailleurs Music... marque les débuts d'une certaine reconnaissance et d'une certaine popularité du minimalisme, l'œuvre devient une sorte de phénomènes de mode.

Ainsi la seconde vague minimaliste profite de la brèche ouverte, le style devient florissant , Einstein on the Beach de Phillip Glass, le fameux Nixon in China... Au milieu de cette ruée, un jeune compositeur s'inspire et décentre un peu ce mouvement en épurant à l'extrême la ligne mélodique et en abolissant toute notion de rythme. Car oui, avant que ses performances ne se résument à une flot d'insultes continue adressé à son public, Charlemagne Palestine faisait de la musique, et de la très bonne musique. Palestine pose en fait les bases du drone, courant uniquement dépendant d'une technique,(notamment avec un orgue) d'un style de jeu usitée depuis des millénaires, mais que la musique moderne avait presque totalement écartée. Sa musique est linéaire, chamanique , hypnotique. Il martyrise des pianos pour obtenir ces sons abrasifs, notamment sur deux Bosendorfer dont il bloquera «manuellement» la pédale de sustain (c'est a dire en fait en tapant dessus jusqu'à ce qu'elle ne remonte plus).Son style, qui ne sera kamais populaire atteint son apogée avec Strumming Music (1974), chef d'œuvre absolu d'abstraction, constitué d'un seul thème répété et disturbé jusqu'à l'excès, thème lui même composé de...deux notes. Par ses expérimentations, il influence un certain John Cale (et non pas John Cage) , ex-musicien du Velvet Undergound (et également Lou Reed, notamment dans son ironique monument du Noise Metal Machine Music) et également the Theater of Eternal Life, un groupe méconnue mené par... La Monte Young et Terry Riley. Ces influences montent peu à peu dans les naissantes scènes rock/expérimental durant la fin des années 70, mais ce réseaux cachés et totalement inconnues même des milieux musicaux s'affirment réellement durant les années 80. On y voit Sonic Youth mélanger violence juvéniles et dissonances minimaliste, on y voit des artistes comme Coil ou , plus lointainement, Aphex Twin et les géniaux Boards of Canada balbutier leurs sons si puissamment esthétiques et organiques, et surtout , de l'autre coté du pacifique , on voit tout une scène poussant à l'extrême les principes minimalistes, scène qu'on appellera ironiquement japanoise. En tête de file, un certain Masami Akita, un étudiant en philosophie qui prend soudainement l'envie de sortir des disque sous le nom de Merzbow. Merzbow, rien que ce nom suffit pour personnifier la non-musicalité, et souvent le dégout, le malaise. Merzbow, c'est du bruit , et c'est le but. C'est précisément là que la sublime légèreté et pureté du minimalisme s'efface et s'inverse pour l'angoisse et l'absurde. Quel intérêt d'écouter du bruit? Pas du grindcore, ni quoi que ce soit de violent, non, juste du bruit pur, sans sens ni construction? Ce n'est pas beau, ni agréable, ni entrainant. C'est juste irrationnel. Ca fait mal. Pourquoi, donc? Il faut savoir tout d'abord que Merzbow ne s'apprécie qu'en live, ou qu'avec le potard de volume sur 11. Par ce biais, il s'introduit dans cette faille, infime parfois, entre l'égo et l'essence. Il nous extirpe un certain plaisir masochiste, une sorte de contrat avec son auditeur. Il dégoute et fascine, et d'une certaine façon et par la même, nous met à sa place, mesurant ainsi pleinement à la fois l'étendue, la puissance de sa musique, et l'absurde, la vanité humaine, ces éternels thèmes qui régulièrement se trouve désaxé et renouvelé. Ainsi a t'on conscience de la puissance du bruit, à partir du moment ou l'on en fait ,peut être uniquement. Que vous ne soit pas musicien n'est pas important, faire du bruit provoque un plaisir colossal. C'est tenir le monde à sa merci, c'est annihilé toute notion politique au profit de l'unique essence personnel. C'est surement avoir les même pensées fuyantes que le pilote d'Enola Gay au moment fatidique, en somme c'est par son ego et sa conscience, faire exploser le bloc de granit monolithique qu'est la création. En d'autre terme, la souffrance devient plaisir dès que le contrat est complet. Merzbow, depuis ses débuts en 1979, a sorti plus de 400 disques, ca laisse de quoi se sentir bien.

Le bruitiste à notamment collaboré, avec les papes de la version obscure du drone; Sunn O))). Ce mouvement nait a la fin des années 80, dans la tête d'un seul homme, Dylan Carlson. La légende veut qu'il jouait du grunge à Seattle, entouré de se potes de chez Nirvana ou Mudhoney, puis s'est un jour dit qu'il n'avais plus rien à dire,et cela a donné quelques obscurs EP et surtout un album : Earth 2. Il cimente ainsi le drone métal moderne, qui n'est d'abord qu'un mélange assez insipide d'alternatif à la sauce Seattle (comprendre; du Nirvana) et du minimalisme, plus proche d'un Glass que d'un Palestine, pour la bonne raison qu'une guitare électrique n'est pas un orgue, et n'a donc pas un sustain très conséquent, assez embêtant quand on a pour vocation de créer des drones. Earth sort quelques autres albums dans un insuccès remarquable, puis se font virer de leur label, et passent une décennie à errer sans aucune activité musical, tandis que Carlson se rend tristement célèbre en achetant le fusil qui aura raison de son ami Kurt Cobain.

Mais c'est sans compter sur Stephen O'Mailey, un graphiste de Portland, qui se fascine pour ce groupe maudit et totalement inconnue. Il commence avec quelques amis tout aussi fanatique de la bande à Carlson de jammer dans le même style mais dans un autre dimension, sous le nom se Sunn O))) (prononcez comme le mot anglais sun), du nom d'une marque d'amplis bien connue des guitaristes de genre extrêmes. Ils sortent ainsi quelques albums, qui, étonnamment deviennent très populaires en dépit de leur difficulté d'accès, créant ainsi un style fascinant, et par la une scène vivante encore bien d'actualité (on peut penser que Sunn O)) est arriver a son apogée l'année dernière avec l'époustouflant Monoliths & Dimensions) . Eux, ont un vision romantique proche de celle de Merzbow, mais d'une certaine façon, en sens inverse et en jouant davantage sur l'absurde, notion qui manquait complètement à Earth, et qui semble avec le recul la raison de son insuccès au sein d'un label d'importance. Les performances de Sunn O))) résument bien la chose. Ils commencent par arriver, quelque peu masqués par la fumée omniprésente, et habillés de grandes toges de moines , puis se mettent à jouer, totalement statique, à un volume simplement ahurissant, le tout dans une obscurité quasi-totale. La réaction du commun des mortels, et même du black métalleux aguerrie au concert de Mayhem, est en général proche de ceci: «Mon dieu ,ou-est-ce-que-je-suis-qu'est-ce-qui-m'arrive?». De leur propre aveu, ils sont le plus ridicules et absurde possibles pour mieux mettre en exergue le travail inconstant et inconscient de leur musique. C'est une bloc à la fois monolithique et distordu, qui, déroutant au tout premier abord par sa noirceur, entraine peu à peu les sens, les unifient et engourdit l'esprit, ou plutôt le mélange aux sens, mélange nos cotés rationnel et abstrait, dans une hallucination assez baudelairienne, voire nietzschéenne, car c'est en effet plus une porte d'accès, une porte de la perception, qu'un sortie de secours. Une porte vers quoi, c'est à vous de voir. eurs, il ne parle pas beaucoup de sa grand mère, elle n'a pas sa place dans la maison et ne joue pas un grand rôle,).

Cependant, sans s'en rendre compte, c'est grâce à sa mère que Sartre a obtenu un esprit critique. Par conséquent, il acquiert une culture générale assez riche. En , i. Sartre a eu une enfance difficile. D'une part, il a perdu son père, a vécu avec ses grands-parents et n'a pas toujours eu son mot à dire. En effet, on a l'impression que son enfance était difficile.

Par ailleurs, cet ouvrage est divisé en deux parties. De surcroît, Sartre a écrit cette autobiographie pour nous faire partager ses opinions et sa vie. Il a découvert la littérature grâce à ses lectures et non par la confrontation au réel encouragée par sa famille. Sartre va apprendre à se connaître grâce à ses camarades. D'ailleurs, il va comprendre qu'il n'est pas seul au monde. En revanche, cela va être dur pour lui de s'ouvrir aux autres. En effet, dans sa famille, il n'a pas connu la solidarité.

Il devient écrivain et est l'auteur de nombreux livres comme Les Mouches ; La Nausée ; Huis-clos ; Le mur ; La Mort dans l'Ame ». Il a écrit 29 œuvres dont une autobiographique.

De ce fait, je vous invite à lire ses oeuvres car on apprend à le connaître et à se découvre soi-même.

EN ROUTE VERS D'AUTRES CIEUX... LA CULTURE ÉMERGENTE AU BRÉSIL [article d'Océane]

Depuis quelques années, on assiste à l’émergence de pays dits du « sud », notamment l’émergence des pays latino-américains. Cette émergence économique s’accompagne d’une émergence culturelle, ou tout du moins de la redécouverte d'une culture.

L’émergence de la culture latino-américaine va de paire avec sa décolonisation (19°). Leur accession à l’indépendance s’est faite plus ou moins tard selon les pays et leur colonisateur. Durant leur tutelle, ces pays colonisés ont été sous l’influence de l’empire colonisateur auquel ils ont été soumis, essentiellement la couronne d’Espagne, mais aussi l’empire Britannique.

A la suite de cette soumission à l’influence européenne, le 20° siècle sera le siècle de leur influence Nord-Américaine. Le brassage des différents peuples fait de leur pays, un pays à la culture multi-ethnique et qui a par conséquent l’avantage d’être très variée dans quelque domaine que ce soit. C’est le cas du Brésil.

De cette culture, nous connaissons dans le domaine de la musique moderne la samba (issue d’un métissage entre traditions noires africaines :esclaves, indigènes et Européens-colonisateurs) ou encore la bossa nova (née vers 1950, c’est une dérivation de jazz et de samba teintée de sensualité, de douceur et de romantisme), mythe d’un continent multiracial, il est également bien connu que l’Amérique latine est le berceau de la danse : la capoeira (danse folklorique mélangeant danse et arts martiaux), la forro (danse de couple populaire alliant art de la danse, rythmes chaleureux, festifs et entraînants), mais aussi le célèbre carnaval de Rio de Janeiro (défilé traditionnel et très festif qui puise ses origines dans les fêtes païennes).

Par ailleurs, dans le domaine des arts, on assiste depuis 3 siècles à un réel essor de la sculpture, de la peinture ou encor edes arts plastiques. Grâce à l'influence hollandaise du 18^e ou plus tard à l'influence anglaise et française du 19^e, leur art s’est teinté de la culture de ces colonisateurs, ce qui leur a permis d’aboutir à des créations artistiques métissées et originales. Grâce à leur qualité de travail, certains artistes brésiliens ont pu accéder à une reconnaissance nationale et internationale. C’est le cas de Tarsila do Amaral, initiatrice de l’art moderniste au Brésil, d'Emilano di Cavalcanti, artiste cubiste qui s’est confronté à Picasso, de Candido Portinari, peintre moderniste important ou encore, dans le domaine de l’architecture et de la sculpture, d'Aleijadinho, que l’on reconnaît pour ses grandes œuvres que l’on peut voir dans plusieurs églises baroques de l’Etat du Minas Gerais.

Par ailleurs, le Brésil se caractérise par son art théâtral, dont nous connaissons le théâtre d’Arène (scène circulaire entourée par le public qui visait à éviter des dépenses ; ce concept fut adopté en premier par Gianfrancesco Guarnieri en 1958). Existe par ailleurs le théâtre brésilien de comédie (né en 1948, il avait un concept similaire à celui du théâtre d’Arène), mais aussi le théâtre d’Atelier (créé en 1958, il se distingue pour avoir assimilé l’expérience scénique internationale tout en la teintant de « brasilanité ». Leur première grande réalisation fut « Les Petits Bourgeois », pièce de Gorki. Ce théâtre a disparu depuis les années 80 à cause d’une rigidité de censure politique. )

Il existe également, dans le domaine des arts populaires, l’artisanat du Nord-est du Brésil ,connu pour ses grands étalages de poteries et de sculptures représentans généralement des scènes de la vie quotidienne ou des figures religieuses de prêtres ou de saints.

On peut remarquer que l’art architectural a subi une forte influence portugaise : la ville d’Ouro Preto en est emblématique (capitale de la province du Minas Gerais), mais aussi une influence française dans la 2^nde moitié du 19^e siècle jusqu’aux années 1930 où l’architecture brésilienne développera à son tour son propre style qui associera les besoins sociaux et fonctionnels (émergence des villes et des banlieues) à l’art architectural dont on peut citer le Musée d’Art Moderne de Sao Paulo de Oscar Niemeyer, ou encore Le Ministère de l’Education de Rio de Janeiro par Alfonso Reidy. Plus récemment, les architectes ont développé leur créativité artistique en la nouvelle capitale de pays : Brasilia, véritable emblème de la modernité et de la liberté imaginaire des architectes, tels Oscar Niemeyer ou encore Lucio Costa, qui ont acquis une réputation internationale. De Brasilia, il existe des monuments célèbres qui en sont emblématiques tels le Palacio dos Arcos (siège du Ministère des relations extérieures) ou la Cathédrale de Brasilia.

Le Brésil a également accédé à une reconnaissance mondiale dans la cinématographie, en premier lieu avec le cinéma classique des années 30-40, dont la plus célèbre production est le film Limite de Mario Peixoto, œuvre surréaliste datant de 1930 qui parle de la condition humaine et de la vie qui conspire contre l’individu pour l’empêcher de s’accomplir. Quelques années plus tard, en 1933, on voit apparaître une nouvelle variante du cinéma : la chanchada (farce bouffonne sous forme de comédie musicale qui aura beauc oup de succès) dont la première figure sera le film A voz do Carnaval avec Carmen Miranda et qui aura une influence sur le cinéma brésilien pendant une dizaine d’années. Durant les années 50, on voit apparaître la naissance de l’industrie cinématographique avec la compagnie Vera Cruz qui a pour objectif de créer des films de qualité à visée internationale dont nous connaissons « O Cangaceiro » qui a reçu le film de « meilleur film d’aventures » du festival de Cannes en 1953. Puis, durant les années 50, le cinéma brésilien va connaître un profond changement ; naîtra par conséquent le cinéma novo dont le concept peut se résumer à une idée d’esprit et à une caméra à la main qui traite de sujets d’actualité et graves (conflits , tensions dans les métropoles,…). Par ailleurs, à la fin des années 60 apparaîtra le mouvement tropicaliste (mouvement qui est un mélange créé pour toucher l’élite et le reste de la population dans le contexte de la dictature) d’où naîtra le cinéma marginal qui est son contemporain : c’est une forme de cinéma à petit budget qui traite de la vie des marginaux des grandes agglomérations urbaines du brésil. Quelques années plus tard, on voit apparaître le cinéma expérimental dont certains réalisateurs ont poussé à l’extrême la recherche expérimentale en matière d’esthétique dont nous pouvons retenir Carlos Reichembach avec le film « Alma Corsaria » (1993) qui est un réflexion sur la vie et l’amitié sous la dictature ou encore Ozualdo Candeias avec le film « O Vigilente » (1992) qui traite de la violence de la périphérie des grandes villes.

En littérature, on distingue de grandes phases semblables à celles de la littérature occidentale : après la période de la littérature coloniale (écrivains qui sont souvent des prêtres fascinés par la découverte de la nouvelle terre et de ses habitants parmi lesquels on peut citer le père José de Anchieta qui était un prêtre et un missionnaire) : la littérature brésilienne subira en effet une influence romantique provenant de l’Europe : les écrivains s’intéressent à la liberté individuelle, au « moi » et aux questions sociales. Ce mouvement se modifiera plus tard en exaltant la particularité des tropiques après l’indépendance du Brésil : Castro Alves (qui s’est intéressé à la vie des esclaves noirs et à la nouveauté des activités urbaines) et Gonçalves Dias (qui s’est penché sur la vie et les coutumes des Indiens) en sont des exemples très représentatifs.

En réaction aux excès de ce mouvement , a été créée l’école parnassienne brésilienne : l’œuvre d’Olavo Bilac, Remundo Correia et Alberto de Oliveira « La triade parnassienne » imprégnée du courant tropicalisme efface toutes les références aux questions sociales présentes dans la période précédente.

A l’image de la littérature française, apparaîtra, après le romantisme, le réalisme brésilien dont les plus grands représentants sont eRaul Pompéia avec son œuvre « O Ateneu ». (L’Athéné)

En matière de littérature, le Brésil connaîtra durant le 20é siècle un bouleversement artistique : le mouvement des modernistes brésiliens, qui seront influencés par le cubisme et le surréalisme. En voici quelques écrivains emblématiques : Mario de Andrade dont l’une des œuvres les plus connues est « Macunaima». Puis, dans la 2^nde partie du modernisme, se situe Jorge Amado dont les œuvres sont un manifeste des réalités sociales et historiques de son pays. Après cette période, en apparaît une nouvelle, celle de la poésie, avec notamment Gerardo Mello Mourao et ses poèmes épiques, mêlant origines et peuple brésilien.

De grands romanciers brésiliens seront traduits en Français et acquerront une reconnaissance du public.

En définitif, l’émergence et la redécouverte de cette culture marquée par le mélange des peuples, de leurs origines et de civilisation s’accompagnent de succès nationaux et internationaux, sachant qu’elle n’est que prémisse et déjà prometteuse.

Baudelaire, un poète maudit [un article d'Anaïs]

Charles Baudelaire est un poète français né en 1821 à Paris.

Il perdra son père très jeune et ne supportera pas le remariage de sa mère avec le général Aupick. Le jeune Charles va se sentir abandonné et perdra la seule personne qu’il considérait comme à lui : sa mère. Ses relations avec son beau-père seront plutôt tendues, le général représentant à ses yeux tout ce qu’il n’aime pas : l’autorité et la discipline.

Il était promis à une brillante carrière sous le Second Empire, puis il sera envoyé à Lyon.

Pendant trois ans, il va mener une vie de bohème, fréquentant Leconte de Lisle, Vavasseur ; il deviendra romantique et sera un des disciples de Gautier.

Cette vie dissipée va effrayer son beau-père, qui veut l’arracher de la tentation de l’écriture. Il l’envoie donc en voyage aux Indes en 1841. Mais hélas, il n’ira pas au-delà de l’île Maurice.

Il aura la volonté d’affiner sa sensibilité et d’exacerber sa volonté d’écrire.

Son beau-père a honte de lui, c’est un échec devant sa famille bourgeoise. Il ne veut pas que Charles écrive.

Il va donc sévèrement se fâcher d’autant que Baudelaire, lui, réclame son héritage paternel, qu’il dilapidera rapidement sans vergogne. Sa famille lui imposera donc un conseil judiciaire( avec la personne de Maître Ancelle). Il ne vivra donc pas misérablement, mais il gardera de cette époque « royale » de nombreux réflexes de dandy.

Pendant cette période, il se liera avec Jeanne Duval, qui restera sa compagne pratiquement jusqu’à sa mort. Pour vivre, il écrit mais il se fera d’abord connaître comme critique d’art. Petite parenthèse en 1848, il s’essaiera à la politique, fondera même un journal, mais reviendra bien vite à la littérature.

En 1852, il rencontre madame Sabatier, à qui il lui voue un culte véritable.

En 1857 , c’est la parution des Fleurs du Mal, et een août un procès de moralité est instruit contre lui : le procureur Pinard demande la condamnation du recueil de poèmes. Malgré l’appui de Sainte-Beuve et de Barbey d’Aurevilly, Charles Baudelaire et son éditeur sont condamnés, six poèmes du recueil devront être retirés.

En 1858, Charles se réconcilie avec sa mère, et en 1860 c’est la publication des Paradis artificiels.

En 1861, il modifie le recueil les Fleurs du Mal et, en avril, il écrit un long article sur Richard Wagner.

En 1864, Baudelaire fuit en Belgique et s’installe à Bruxelles où il donne de nombreuses conférences. Très vite ce pays, pour lequel il nourrissait une tendre affection, lui devient de plus en plus insupportable. Il est également atteint par la syphilis, et a de plus en plus recours à la drogue. En 1866, il perd connaissance en faisant une chute dans une église et est alors hospitalisé à Bruxelles, victime d’hémiplégie et aphasie. Il revient à Paris le 31 août 1867, et meurt à l’âge de quarante-six ans.

En 1868, aura lieu la publication posthume du Spleen de Paris ainsi, que des Curiosités esthétiques.

Le dandysme de Baudelaire :

Le dandysme se caractérise par le fait que l’homme est oisif, élégant, plutôt riche et vit dans le luxe. Il n’a pas d’autre occupation que de courir à la recherche du bonheur et de cultiver le beau sur sa personne.

Chez Baudelaire, c’est une période heureuse de son existence. En effet, depuis qu’il a exigé son héritage paternel, il va vivre une existence dorée, et se lancer dans une existence de bohème riche. Durant cette période, il va habiter le somptueux hôtel de Pimodan ; on sait également que Baudelaire va se vêtir avec recherche, mais selon lui, cette élégance matérielle n’est qu’un symbole de la supériorité aristocratique de son esprit..

Egalement, nous savons que c’est durant cette période qu’il va se lier avec Jeanne Duval. Il sera inspiré et écrira quelques poèmes qui composeront l’œuvre des Fleurs du Mal. Mais sa prodigalité menacera son patrimoine ; et chacun connaît les mesures radicales prises par la famille à son encontre...

C’est dans Le Miroir de Baudelaire que l’on va retrouver un récapitulatif de la vie de ce dernier.

Le Miroir de Baudelaire :

C’est un épisode d’une émission littéraire paru en 1989. Elle est réaliséee par Robert Bober et présenté par Pierre Dumayet.

Pierre Dumayet, ouvre un livre qui se situe dans sa bibliothèque Correspondance de Baudelaire, il va évoquer le thème du dandysme, mais aussi la correspondance entre Baudelaire et Barbey d’Aurevilly, puis, l’analyse d’un des rêves de Baudelaire sera effectuée. Tout ceclapour nous faire rendre compte des allers et retours que suscite un texte et pour nous prouver qu’il n’est jamais définitivement expliqué.

Finalement, cette émission invite à une lecture ou une relecture de Baudelaire, que ce soient Les Fleurs du Mal ou ses autres œuvres.

Les Fleurs du Mal :

Dans ce recueil de poèmes paru en 1857, sont traités trois thèmes majeurs, un premier porte sur l’évocation de Dieu avec l’opposition de Satan, mais également sur la spiritualité. Et c’est cette tension entre ces deux forces opposées que Baudelaire fait ressortir dans Spleen et Idéal. En outre, le poète exprime l'idée selon laquelle existent des correspondances verticales entre le monde des choses et celui des Idées, l'Absolu - à la fois Un et Infini -, et des correspondances horizontales entre les différents sens. Cette vision aura une influence déterminante sur le devenir de l'art en France.

Le deuxième thème est la Femme : en effet Baudelaire introduit dans sa poésie une diversité de figures féminines qui peuplent son imagination et sa vie. La femme est vue comme une sœur, puis une mère, une amante, une consolatrice et elle lui inspire l’admiration, le désir ou encore le dégoût. En effet ,l’idéal féminin est changeant et insaisissable.

Un troisième thème est assez développé au cours de ses nombreux poèmes : c’est celui de la mort, du mal-être du poète que l’on retrouve fréquemment.

En conclusion, j’ai voulu travailler sur Baudelaire, puisque je voulais en apprendre davantage sur ce poète et comprendre pourquoi son recueil m’a tant plu. J’ai trouvé que Baudelaire est assez proche de nous tous, puisqu’il utilise des termes plutôt frappants lorsqu’il exprime ses sentiments, et c’est ce qui me plait énormément chez ce poète.

AUTOUR DE TOLSTOI [Article de Delphine]

Pour commencer, nous allons parler du fameux film nommé «GUERRE ET PAIX» de TOLSTOÏ (existant aussi en livre) ; puis nous aborderons le journal intime de TOLSTÖI joué en plusieurs pièces de théâtre.

En effet, ce film est connu mondialement, il faut le connaître à tout prix. De surcroît, il a obtenu un succès important lors de sa sortie au cinéma. Il est rempli d'intrigues, bien construit, émouvant en ayant toutefois une histoire d'amour (les durs moments sont toujours répartis, séparés par des moments de tendresse. Ceux--ci marquent des pauses, des moments de soulagement). De plus, le cinéaste nous fait réfléchir sur le plan social, affectif et culturel.

Nous pouvons imaginer la situation des guerriers, des familles russes envahitespar les Français en 1802 (à la fin du film, on a vraiment la notion de la guerre, surtout pour ceux qui n'ont pas connu cette situation historique!!!).

D'autre part, ce film est divisé en quatre épisodes (chacun correspond à un livre). Ne vous inquiétez pas : cela ne veut pas dire que l'on va s'en lasser en sachant que ce film est composé de plusieurs parties. Au contraire, c'est génial car on est vraiment ancré dans l'histoire. On veut que cela ne se termine jamais!!! On est passionné. Mais comme le film est long, lorsque nous ne pouvons pas tout regarder en une soirée, croyez-moi ,on est pressé d'être le lendemain pour le continuer, le finir...

Par ailleurs, tout au long de celui-ci, de nombreuses morales apparaissent. De plus, les acteurs jouent très bien leur rôle, chacun es très bien choisis. Ce film retrace bel et bien l'époque de la campagne de Russie de Napoléon et il est agréable à voir

En quelques lignes, le résumé du film :

La première partie Elle se passe à Saint-Pétersbourg en 1805. Celle-ci commence par une soirée d'Anna Pavlovna Schérer où Pierre, revenu d'Europe et influencé par les idées révolutionnaires, le prince Basile Kouraguine et ses enfants, Hélène et Hippolyte, le prince André Bolkonski et sa femme enceinte sont invités ; on fête l'anniversaire de Natacha. Cette soirée permet à Pierre et à André de renouer leur amitié. De plus, lorsque Natacha descend à la réception, en bas des escaliers, se trouve le prince André Bolkonski. Elle le remarqua tout de suite, elle ne le quitte pas des yeux. Puis lorsque le bal commence, celui-ci l'invite à danser et les aventures débutent à ce stade.

D'autre part, le pays se prépare au côté des Autrichiens à la guerre contre Napoléon. Dans la famille Rostov (la famille de Natacha), le jeune Nicolas, le frère de Natacha, abandonne ses études pour s'engager au côté de son ami Boris Droubetskoi. Nicolas avait un faible pour Sonia, qui n'est pas issue d'une famille bourgeoise. En effet, elle a été recueillie par la famille Rostov. Ils se cachent. Quant au prince Kouraguine, qui a une femme souffrante, il repart à l'armée en la laissant à son père, qui est un homme égoïste, sans pitié pour les femmes. Or Andréa est une sainte soeur qui s'occupera aussi de Lise, la femme du fameux prince André Bolkonski.

La deuxième partie A Brannau, en Autriche, le commandement en chef Koutouzof passe en revue un régiment où on retrouve un Dolokof dégradé. André Bolkonski est reparti lui aussi dan son régiment. Nicolas Rostov se lie avec son supérieur Dennisov. On apprend la défaite du général autrichien. Natacha est de plus en plus près du prince André. Celui-ci demande à son père si il peut épouser Natacha. Or, son père ne le veut pas. En effet, il entend que son fils accepte le « grade » que l'on lui a proposé. Par conséquent, comme toujours, il obéit à son père.

La troisième et la quatrième partie Puis les Français se rapprochent de Moscou. Natacha et sa famille partent à la campagne se réfugier. Les Français arrivèrent à Moscou. Ils pillent, brûlent les églises, les maisons... La ville est en feu, de nombreuses personnes meurent. Dans la résidence de Pierre, le meilleur ami de Natacha, Napoléon et ses soldats s'installent. Petit à petit ,le froid se répand, l'herbe devient rare. Par conséquent, les chevaux ont de moins en moins de nourriture. De plus, la France et la Russie sont si éloignées l'une de l'autre... Napoléon médite sur ce sujet et prend la décision de quitter la Russie et de rentrer en France. Au final, les Russes sont libres.

En prolongement : la pièce à laquelle nous avons assisté l'an dernier en Seconde : Tolstoï journal intime

je vais vous parler seulement de la première partie (la pièce est en deux parties, mais les séances scolaires n'offraient que la première, ce qui est un peu dommage, car on ne sait pas toute l'histoire.)

J'ai trouvé qu'ils coupent beaucoup. Ils vont vite comme l'histoire est longue. Ils vont à l'essentiel. Or, les acteurs jouent bien leur rôle, qui n'est pas simple. Les personnages sont bien choisis par rapport à leur âge. Cela montre bien la différence d'âge que TOLSTOÏ et sa femme avaient.

Par ailleurs, cette pièce ne comporte pas beaucoup de décors (un bureau, une porte). La porte a une place symbolique. En effet, on se demande si celle-ci ne signifie pas le passage ou la séparation. De plus, cette porte donne l'impression de «va et vient». TolstoÏ va parfois vers Sonia , parfois reste où il est, ou encore il va vers le public. Les deux personnagent au nez se claquent la porte plusieurs fois. A la fin, Sonia se retrouve enfermée dans les portes.

Par conséquent, cette pièce comporte des décors qui sont les plus simples.

Le résumé du journal intime :

TOLSTOÏ et sa femme perdent beaucoup d'enfants. Par conséquent ,ils sont fous de douleur. Lui il n'a plus d'inspiration. Tout au long de l'histoire, ils se posent beaucoup de questions, lui il s'enferme dans sa chambre et sa femme se retrouve toute seule. Elle se désespère à son tour, pleure et baisse les bras tout en l'aimant.

Cette pièce constitue un véritable hymne à l'amour, de la part d'une femme pour un artiste de génie, au caractère bien trempé, mais souvent difficile à vivre. On y voit Sonia en compagne fidèle, dévouée, qui favorise la création littéraire de son époux, n'hésitant pas, en femme cultivée, à donner son avis, à recopier les manuscrits, à tout faire pour qu'ils soient diffusés.

Cela rejoint le film «guerre et paix» qui lui est aussi tourné dans la plus grande simplicité possible.

Thérèse Raquin d'Emile Zola [un article de Sandra]

[Eh oui ! Zola encore et toujours !!!...Mais que voulez-vous : J'ADORE cet auteur !]

Thérèse est une jeune fille, dont la mère est morte, et dont père l’a laissé à sa sœur, Mme Raquin. Thérèse a donc été élevée par sa tante, qui avait un fils, Camille. Or, ce fils est, depuis son enfance, très malade. Ils vivent dans une petite maison à la campagne. Sa mère le surprotège. Ainsi, Thérèse va tout naturellement se marier avec Camille. Mme Raquin achète un fond de commerce à la ville. Les deux femmes le tiennent. Petit à petit, la vie devient morose, terne, et sans but pour Thérèse. Puis elle rencontre Laurent, ami de Camille. Commence alors une relation, un adultère. Ils projettent de tuer Camille, qui les gêne dans leur amour. Ainsi, lors d’une promenade à trois, Laurent insiste pour qu’ils aillent faire une balade sur l’eau. Camille, qui ne sait pas nager, est réticent, mais se laisse convaincre. Quand ils sont assez éloignés du rivage, Laurent pousse Camille dans l’eau, mais celui-ci lui, pendant qu’il se débat, lui mord la nuque. Camille se noie. Les deux amants font croire à un accident, en se jetant à l’eau et en retournant la barque. Peu de temps après, on retrouve le corps de Camille. Mme Raquin est éplorée, et Thérèse feint la tristesse. Elle et Laurent attendent un an, et se marient. Mais le remords les ronge, ainsi que la paranoïa. En effet, ils croient que Camille s’est réincarné en leur chat et qu’il les observe. Madame Raquin, anéantie par la mort de son fils, devient paralysée. Petit à petit, elle perd l’usage de tous ses membres, de toutes ses fonctions, jusqu’au langage. Thérèse s’en occupe, par obligation. Puis Mme Raquin comprend que sa nièce et son mari ont tué son fils adoré. Elle essaie de le dire, mais personne ne l’entend, car elle est incapable de prononcer le moindre mot. Puis, Thérèse et Laurent veulent la tuer. Cependant, au moment de le faire, ils se suicident, et tombent dans les bras l’un de l’autre.

FROZEN RIVER [un article d'Océane]

Comme le titre l’indique, le St Laurent, fleuve de l’Etat de New-York reliant les Etats-Unis au Québec, est très souvent gelé en hiver. C’est un moyen éphémère de traverser la frontière tout en évitant la police.

Mère et épouse, Ray EDDY est le prototype d’une population misérable du nord de l’Amérique, à la frontière québécoise, vivant dans des conditions déplorables. Alors que la famille est sur le point d’acheter une maison et de quitter une vie précaire pour en envisager une meilleure, le mari dérobe les économies familiales pour assouvir sa pulsion des jeux d’argent. Se retrouvant seule et ruinée, Ray doit s’occuper de ses deux fils, l’un dans la période difficile de l’adolescence, et l’autre dans le monde illusoire de l’enfance. Croyant avoir retrouvé les traces de son mari, elle part dans un salon de jeux, puis y retrouve la trace de la voiture abandonnée de son époux . Elle croit qu’il s’est encore une fois enfui, mais ses recherches seront vaines. Cependant, Ray fait la rencontre de Lila Littlewolf, une jeune indienne voleuse appartenant à la réserve des Mohawks, toute proche d’où elle habite. C’est alors que la jeune mohawk manipule Ray, de façon à ce qu’elle conduise des immigrés à la frontière. Piégée car elle doit payer les traites pour avoir sa maison, Ray s’y résout avec difficulté. Lila sait que, aidée par Ray, blanche de peau et de nationalité américaine, elle parviendra à passer la frontière sans aucune difficulté grâce à la rivière gelée et à convoyer deux clandestins. Pour avoir aisément réussi, les deux femmes touchent une somme conséquente, conforme à leur prise de risques.

Ray se rend donc vite compte qu’être passeuse est un moyen, bien qu’immoral, de gagner facilement de l’argent et de résoudre tous ses ennuis. Son désespoir la pousse à entrer dans un engrenage qu’elle ne peut stopper. Alors que toutes deux s’enfoncent dans l’illégalité et le danger, des liens entre les deux passeuses se nouent car, malgré les apparences, leurs ennuis familiaux et économiques les rapprochent. A la fin du long métrage, intervient un rebondissement qui prétend réconcilier les deux peuples au nom de la grande Histoire, comme si l’Amérique s’excusait du mal qu’elle avait fait subir ux peuples amérindiens.

Ainsi, Courtney Hunt, la réalisatrice de ce chef d’œuvre de 2009, a brillamment réussi à créer une histoire humainement touchante axée sur des problèmes de fond inhérents aux Etats-Unis : immigration, esclavage moderne et contrebande. Ce film, récompensé par le Grand Prix du Festival de Sundance 2008 présidé par Quentin Tarentino, a été présenté comme le « thriller le plus excitant de l’année…à vous couper le souffle. » mais a aussi été salué par la critique et ovationné à chacun de ses passages, ce qui fait de lui bien plus qu’une simple fiction : c’est la délivrance d’un message sur une réalité qui échappe à la majorité de la population américaine. Par ailleurs, le personnage de Ray est bien plus que fictif : il est inspiré de la mère de la réalisatrice qui s’est battue pour offrir une vie décente à sa fille, ce qui rend le film d’autant plus touchant.

Les Mémoires d’une Geisha [un article de Thibault]

Les Mémoires d’une Geisha est un film américain du réalisateur Rob Marshall, qui s’inspire du livre Geisha d’Arthur Golden

Nous sommes dans le Japon des années trente ; Chiyo et sa sœur sont filles d'un père pécheur et d’une mère malade, au bord du gouffre de la mort.

Leur père décide de les vendre à une maison de Geisha, à Kyoto, que l’on appelle une OkiyL la sœur de Chiyo, elle, sera finalement réduite à la maison close tandis que Chiyo, elle, sera servante dans une maison de Geisha. S,i elle reste bien sage, elle ira à la l’école de geisha avec Pumpkin qui, elle, apprend déjà l’art d’être geisha après avoir été servante auparavant Dans cette Okiya, il n’y a plus qu’une seule Geisha : Hatsumomo, une des plus belles Geisha et une des plus prisées de Kyoto. Hatsumomo fait vite de Chiyo son souffre-douleur. Lorsque la très célèbre geisha, Mameha, prend la jeune Chiyo devenue Sayuri en apprentissage, Hatsumomo décuple ses méchancetés et ses pièges à l’égard de Sayuri.

La grande Mameha inculque grâce à son expérience personnelle à la jeune apprentie (les apprenties sont appelée des « Maikos ») l’essentiel à savoir quand on est une Geisha : servir le Saké en passant par la danse, jouer du shamisen (instrument de musique japonais à trois cordes) et aussi, elle participe à la célèbre cérémonie du thé. Une geisha n’a pas le droit d’aimer, et pourtant Sayuri reste hantée par l’amour qu’elle porte en secret au seul homme qu’elle ne peut atteindre …

Par le biais de ce film, sont dénoncées les conditions dans lesquelles de petites filles sont amenées à devenir Geisha ; le plus souvent, elles sont vendues par leur famille. Elles doivent faire maints sacrifice,s comme renoncer à l’amour, et travailler dur, mais aussi mettre ne œuvre leurs talents et les entretenir.

Mais on voit aussi comme ce métier peut devenir une passion, dans laquelle s’investir complètement.

Petit rappel sur les Geishas pour éviter les malentendus.

Ce mot, Geisha, a été inventé durant la période Edo qui a commencé vers 1600 et s’est arrêtée dans la seconde moitié du XIX° siècle. En traduction littérale, Geisha signifie « personne des arts » donc artiste. Toutefois, elles sont confondues trop souvent avec les prostituées. Elles exercent leur fonction dans des lieux où se réunissent des hommes, qu'elles sont pour mission de divertir par leur culture, leurs connaissances artistiques. A leurs début sdans l’Histoire, les Geishas étaient des hommes.

Période Edo : Elle débute en 1600 avec la prise du pouvoir par Tokugawa Ieyasu (qui est l’héritier du clan Matsudaira et qui est le troisième et dernier unificateur du Japon, lors de la bataille Sekigahara) et se termine vers 1868 avec la restauration Meiji. Cette période était dominée par le shogunat Tokugawa dont le Ieyasu était le premier shogun et dont la capitale et le centre politique est Edo et , aujourd’hui appelée Tokyo.

La période de fermeture totale du Japon sur l'extérieur, qui va du début du XVIIe au milieu du XIXe siècle est paradoxalement une époque d’intense influence de l’étranger. Le goût pour la culture chinoise se développe, aidé par l’adoption du néo-confucianisme comme idéologie officielle de l’administration shogunale. Ainsi se développent les études de textes chinois et l’attrait dans les classes marchandes pour le style de vie des lettrés chinois (bunjinshûmi) qui donnera naissance à une école de peinture tournée vers un retour aux styles et aux techniques chinois, l’école Nanga. De nombreux objets de la collection formée par Henri Cernuschi portent la marque de ce regain d’intérêt pour la Chine, tel le brûle -parfum en forme de dragon de Kimura Toun ou encore le bol en céladon d' Aoki Mokubei.

Cette période de longue stabilité intérieure est marquée par le développement des villes, et la montée des classes commerçantes dans la société. Cette évolution va entraîner la naissance d’une nouvelle culture urbaine, et l’apparition de nouveaux genres artistiques ou de nouveaux thèmes. C’est à cette époque que se répandent les livres imprimés et l’art de l’estampe. Au début du XVIIème siècle, Hon’ami Kôetsu publie les premiers ouvrages imprimés non religieux à Kyôto. Ces ouvrages concurrencent bientôt les ouvrages enluminés. Avec l’imprimerie, le style des ouvrages change. Au cours de l’ère Genroku (1688-1704) se répandent des romans populaires ou ukiyozoshi mettant en scène la vie moderne, citadine, et leurs plaisirs: théâtre Kabuki, courtisanes, sumô. Ce courant inspirera peintres et illustrateurs. Avec l’estampe, les livres imprimés seront un des domaines préférés des artistes de l’école dit Ukiyô-e ou « peintures du monde flottant ». C’est à Hishikawa Moronobu (vers 1618-1694) que l’on attribue la paternité de cette école.

Dans la première moitié du dix-septième siècle, la technique de la porcelaine et des décors émaillés est importée au Japon. Les armées japonaises conduites par Toyotomi Hideyoshi (1536-1598) lancent en 1592 et 1597 deux campagnes militaires et ramènent sur l’archipel des populations coréennes, dont des potiers qui contribuent notamment aux débuts de la porcelaine dans ce pays. Des gisements de kaolin découverts près de la ville d’Arita dans l’île de Kyûshû font de cette région pour un temps le principal centre de production de la porcelaine dans le monde. Une partie de la production est vendue aux marchands européens à Nagasaki via le port d’Imari, d’où le nom qu’on donne encore à certaines pièces. A côté de productions fabriquées pour l’exportation, d’autres types de pièces sont plutôt destinés à la demande intérieure. La collection de Cernuschi, formée au Japon, comporte quelques chefs-d’oeuvre relevant de cette seconde catégorie.

Un article sans titre [sur la musique bien sûr !] de Georges

«Quand je lève les yeux vers vous on dirait que le monde tremble» (A.Artaud)

Trembler , voilà le credo du drone. Bloc monolithique de son abrasifs , apocalyptique , malsain et fascinant, la musique que proposent les groupes de la vague drone-métal tel que KTL , Khanate , ou les mastodontes du genre , Sunn O))) , est radicale, uniforme, et peu accessible . Une marginalité assumée qui découle d'une recherche esthétique, d'une déstructuration du langage musical époustouflante remontant bien plus loin que les débuts hésitants des précurseurs de Earth à l'orée des années 90. En effet, le drone apparaît comme une rupture avec les racines pop binaire , dont il s'éloigne vite (Earth est au début très proche des milieux grunge de Seattle, et notamment de Nirvana, déjà noyé et étouffé dans le mainstream et la superficialité. Pour la petite anecdote inutile, c'est même Dylan Carlson, chanteur de Earth et ami de Cobain, qui a acheté à ce dernier le fusil avec lequel il retapissa sa chambre un certain jour d'avril 1994), racines basiques, clichés, aux codes éternellement figés qui ne leur offrent qu'un piètre espace d'expression quant à leurs formes fixes et leurs barrières hermétiques. Ses origines sont dans les expérimentations de compositeurs tels que Charlemagne Palestine, et par là des minimalistes de la seconde moitié du XXe , Steve Reich et Philip Glass en tête, et aussi des marginaux romantiques tels que Satie ou Debussy. Oui, réunir les noms de Steve Reich et de Claude Debussy dans une même phrase, passe encore, mais associer Sunn O))) au compositeur des Suites Bergamasques, ça tient assez du blasphème ; force est cependant de leur constater un point commun, le même souci d'épurer au maximum le propos, de faire surgir une musique fluide, inconstante, posée, où le son prend le dessus sur les notes pour se suffire à lui-même. Les notes, par ailleurs, sont inexistantes, ou alors plus prétexte que véritable fond. Un coup d'œil à une partition de Palestine suffit, deux, trois, quatre accords semblables, et cependant une trentaine de minutes. L'essentiel réside dans leur interprétation ; une expérience unique, active et paradoxale s'en dégage, comme une anesthésie du cerveau au profit de l'inconscient. La musique impressionniste, ainsi que l'on appelait cela à l'époque.

En 1894 , Debussy compose le Prélude à l'après midi d'un faune, adaptation du poème éponyme de Mallarmé. C'est l'acte fondateur de la «musique impressionniste», qui est accueillie à peu près de la même façon que son alter ego pictural. Le thème en chromatisme, l'épuration mélodique, le refus de toute dynamique, de toute virtuosité, l'harmonie contre-nature... Cette œuvre représente alors ce que l'intelligentsia musicale considère comme le blasphème ultime. «Un goût dangereux pour l'étrange» , dira un critique. De Bach à Mahler, en passant par Liszt, la musique s'était alors toujours faite dans une attente mélodique , la volonté d'une musique didactique , qui se suffit à elle-même , qui pouvait alors exister à sa juste valeur sans auditeur. «Victime» d'un idéal qui semble éternellement coller à la peau de l'art musical populaire tant il semble perdurer depuis sa création,l' annihilation de son intellect, son aspect irraisonné, que ne nient d'ailleurs aucunement cette impressionnisme,ou ses descendants, mais dont au contraire ils se servent en le détournant , s'intéressant plus à l'effet produit sur l'auditeur qu'à la musique isolée. «Une complète domination des sens» , aurait dit Visconti. Debussy était en fait en train de fonder une notion essentielle, souvent entrevue, jamais approfondie. Il résumait alors sa vision du musicien comme celui qui a «le privilège de capturer toute la poésie de la nuit et du jour, et d'en retranscrire l'atmosphère profonde, dans toute son insaisissabilité». En gros , parler à l'âme profonde, faire parler l'inconscient , dominer les sens. Même si Debussy restera très attaché à l'aspect formel, à l'accessibilité de son œuvre (il reste un romantique «de base» par bien d'autres aspects), il demeure l'ancêtre de cet idéal et sera d'une influence majeure (en particulier sur le duo Steve Reich/Phillip Glass - en témoigne sa série des Arabesques-), idéal dont les limites seront désormais sans cesse repoussées.

Quelques années plus tard, Debussy fait une rencontre décisive : Erik Satie. Aujourd'hui considéré comme un compositeur fondamental, mais à l'époque comme un obscur clochard qui partage son temps entre martyriser son piano pour en tirer de nouveaux horizons, et jouer de «rudes saloperies» dans les bals populaires pour sortir de sa misère. Mais sa musique va alors plus loin que celle de Debussy , qui deviendra vite un de ses amis fidèles. Sa série des Gymnopédies , fondée sur 2 accords en boucle et une mélodie simplette, sustain bloqué, pour dégager le maximum de la moelle de ce morceau proto-ambient (Brian Eno, le pape ambient ne se cachera pas de cette influence notamment dans The Pearl (avec Harold Budd) et sa série des Ambient, sorte d'acte fondateur de l'ambient moderne, de Coil à Eluvium en passant par Klaus Schulze). Mais la musique de Satie demeure assez confidentielle jusqu'à sa mort, malgré les tentatives de Debussy qui, lui, est déjà très populaire : en effet il orchestra certaines de ses œuvres, dont une version célèbre de la première Gymnopédie, qui n'obtiendra qu'un faible succès. Satie, mort dans sa misère, laissa de nombreuses œuvres mêlant tendresse, tourment et humour dans un minimalisme avant-gardiste, ainsi que quelques écrits et quelques dessins.

La guerre passa, les excès, la violence avec, l'avant-garde musicale se déplaçant au États-Unis, où les compositeurs complètement débridés et constamment sous psychotropes se succèdent. A commencer par John Cage, très apprécié des milieux artistiques new-yorkais dans les années 50, connu pour ses performances et pièces extravagantes, et qui à l'époque passait la majeure partie de son temps à sniffer de l'éther sur les toits new-yorkais, d'où il puisait son inspiration. Ses œuvres, dépassant toute limite, deviennent des hymnes de l'intelligentsia blanche de New-York. Il pousse le vice de la décadence jusqu'à composer 4'33, qui à ce jour reste la seule œuvre musicale silencieuse. En effet, le pianiste s'assoit, reste immobile devant son piano 4 minutes et 33 secondes, puis s'en va ; la partition est blanche («Je n'ai rien à dire et je suis en train de le dire» expliquera l'intéressé). Cage n'est pas minimaliste. En fait, l'«âge d'or» du minimalisme «seconde génération» (i.e Reich, Glass & co) s'établit comme un mouvement de protestation de l'œuvre de Cage, tandis que la première génération de Young ou Riley s'inspire de ce junky notoire en épurant sa ligne esthétique.

En réalité, au commencement était La Monte Young, jeune étudiant en art paumé (l'étudiant en école d'art étant à la musique moderne ce que le portugais est à la maçonnerie), musicien passionné depuis sa tendre enfance, qui plaque ses études pour s'adonner à sa passion à l'après-guerre. Il tente d'intégrer la section musicale de composition de l'UCLA (à Los Angeles), mais, de la même façon que Satie quelques décennies plus tôt, il ne passe pas le concours d'entrée. Il erre alors, composant toujours plus, toujours plus singulièrement, et à force de persévérance, il finit par être accepté à l'université. Là-bas, il n'est clairement pas à sa place, mais l'atmosphère créative lui permettra d'affirmer de plus en plus précisément son style, totalement incompris par ses professeurs qui ne voient en lui qu'un artiste raté de plus. Chacune de ses œuvres est sifflée lors des représentations hebdomadaires de la salle du campus, le jeune compositeur jubilant du mépris de ses supérieurs et camarades. Il s'en écarte peu à peu, pour côtoyer les milieux artistiques d'avant-garde. Là, il rencontre les futurs grands pontes du minimalisme, notamment Terry Riley, dont il devient le grand ami. Il commence à enregistrer ses œuvres tout seul - usuellement un blasphème dans la musique «classique» --, et se déplace vers l'ouest jusqu'au berceau grouillant de New-York. Là-bas, il sort ses œuvres de façon assez confidentielle, mais en influençant tout la future vague minimaliste seconde génération. Elles sont donc très peu appréciées et du grand public et des musiciens, mais il se trouve un public dans les milieux artistiques, notamment auprès des peintres minimalistes, mouvement plus ancien, mais qui se retrouve pleinement dans son alter-ego musical. S'organisent alors petit à petit de minuscules mouvements qui vite s'agrandissent pour n'en former qu'un, d'un énorme poids artistique, réunissant toute la première vague d'avant-garde : La Monte Young donc, Terry Riley, Artoo Path, etc... Boudés par les salles classiques traditionnelles et se rapprochant des milieux rock avant-gardistes (plusieurs groupes se formèrent ou s'influencèrent de cette association, du Velvet Underground à Sonic Youth), ils organisent leurs propres représentations dans des salles de plus en plus grandes, représentations souvent assez farfelues (notamment celle de La Monte Young, certaines par exemples durant du crépuscule jusqu'à l'aube sans interruption, d'autres , démarraient lorsqu'un oiseau était lâché dans la salle et stoppaient lorsque ledit oiseaux s'échappait par l'une des fenêtres). Ils gagnent de plus en plus de succès au niveau national, mais le succès international ne vient que dans les années 70, avec un certain Steve Reich.

Reich, lorsque les premiers minimalistes se font connaître, est étudiant à la prestigieuse Julliard School de New-York. Contrairement à Young, il est brillant, analysant dans tous les sens le dodécaphonisme et surtout le sérialisme de Schoenberg, ,,,,. Mais quand il rentre chez lui, Reich se délecte du jeu déjà très modal du virtuose John Coltrane, ne pense la musique que rythmiquement et harmoniquement, abhorre l'hyper-intellectualisme de la musique sérielle. La première vague minimaliste le passionne, et il sort diplômé de la Julliard, compose ses premières œuvres minimales , tel It's Gonna Rain, déjà significative du talent de Reich, et commence à se faire connaître et à connaître la réticence du public ; durant une représentation au mythique Carnedgie Hall de New York en 1962, sa pièce est violemment huée, son travail souffre encore de l'absence de la transcendance qui rendra ses opus fascinants et indispensables par la suite. Il sent alors bien qu'il lui manque quelque chose pour former son style, son talent ; prenant ses distances par rapport à la musique, telle son idole, Coltrane, qui a longtemps bataillé contre sa nature dans cette perspective, avant son «éveil spirituel» de 1957, durant lequel il écrivit le divin A Love Supreme. Reich, lui, connaît son éveil lors d'un voyage en Afrique sub-saharienne. Là-bas , il retrouve goût à la musique, fasciné par les rythmes hypnotiques et lancinants qu'il y entend. Il retourne alors au États-Unis, où il écrit quelques-unes de ses œuvres les plus originales et fondamentales comme Six Pianos ou Music for Mallet Instrument. Et surtout, en 1970, il écrit Music For 18 Musicians, l'œuvre essentielle du minimalisme. C'est en effet l'apogée du style Reich, du rythme hypnotique aux thèmes lancinant,s une ligne continue, pure, une unité et une cohérence vertigineuses. Par là même, c'est une de ses œuvres les plus abordables ; la profondeur de son esthétique la rend paradoxalement très compréhensible. D'ailleurs, Music... marque les débuts d'une certaine reconnaissance et d'une certaine popularité du minimalisme, et l'œuvre devient une sorte de phénomène de mode.

Ainsi, la seconde vague minimaliste profite de la brèche ouverte, le style devient florissant , Einstein on the Beach de Phillip Glass, le fameux Nixon in China... Au milieu de cette ruée, un jeune compositeur s'inspire et décentre un peu ce mouvement en épurant à l'extrême la ligne mélodique et en abolissant toute notion de rythme. Car oui, avant que ses performances ne se résument à une flot d'insultes continue adressé à son public, Charlemagne Palestine faisait de la musique, et de la très bonne musique. Palestine pose en fait les bases du drone, courant uniquement dépendant d'une technique (notamment avec un orgue), d'un style de jeu usité depuis des millénaires, mais que la musique moderne avait presque totalement écarté. Sa musique est linéaire, chamanique , hypnotique. Il martyrise des pianos pour obtenir ces sons abrasifs, notamment sur deux Bosendorfer dont il bloquera «manuellement» la pédale de sustain (c'est-à-dire en fait en tapant dessus jusqu'à ce qu'elle ne remonte plus). Son style, qui ne sera jamais populaire, atteint son apogée avec Strumming Music (1974), chef d'œuvre absolu d'abstraction, constitué d'un seul thème répété et disturbé jusqu'à l'excès, thème lui même composé de...deux notes. Par ses expérimentations, il influence un certain John Cale (et non pas John Cage) , ex-musicien du Velvet Undergound (et également Lou Reed, notamment dans son ironique monument du Noise Metal Machine Music) et également the Theater of Eternal Life, un groupe méconnu mené par... La Monte Young et Terry Riley. Ces influences montent peu à peu dans les naissantes scènes rock/expérimental durant la fin des années 70, mais ce réseaux caché et totalement inconnue même des milieux musicaux s'affirme réellement durant les années 80. On y voit Sonic Youth mélanger violence juvénile et dissonances minimalistes, des artistes comme Coil ou , plus lointainement, Aphex Twin et les géniaux Boards of Canada balbutier leurs sons si puissamment esthétiques et organiques, et surtout , de l'autre coté du Pacifique , on voit tout une scène poussant à l'extrême les principes minimalistes, scène qu'on appellera ironiquement japanoise. En tête de file, un certain Masami Akita, un étudiant en philosophie qui prend soudainement l'envie de sortir des disques sous le nom de Merzbow. Merzbow, rien que ce nom suffit pour personnifier la non-musicalité, et souvent le dégoût, le malaise. Merzbow, c'est du bruit , et c'est le but. C'est précisément là que la sublime légèreté et pureté du minimalisme s'efface et s'inverse pour l'angoisse et l'absurde. Quel intérêt d'écouter du bruit ? Pas du grindcore, ni quoi que ce soit de violent, non, juste du bruit pur, sans sens ni construction? Ce n'est pas beau, ni agréable, ni entraînant. C'est juste irrationnel. Ca fait mal. Pourquoi, donc? Il faut savoir tout d'abord que Merzbow ne s'apprécie qu'en live, ou qu'avec le potard de volume sur 11. Par ce biais, il s'introduit dans cette faille, infime parfois, entre l'égo et l'essence. Il nous extirpe un certain plaisir masochiste, une sorte de contrat avec son auditeur. Il dégoute et fascine, et d'une certaine façon et par là même, nous met à sa place, mesurant ainsi pleinement à la fois l'étendue, la puissance de sa musique, et l'absurde, la vanité humaine, ces éternels thèmes qui régulièrement se trouvent désaxéss et renouvelé. Aussi a-t-on conscience de la puissance du bruit, à partir du moment où l'on en fait, peut-être uniquement. Que vous ne soyez pas musicien n'est pas important, faire du bruit provoque un plaisir colossal. C'est tenir le monde à sa merci, c'est annihiler toute notion politique au profit de l'unique essence personnelle. C'est surement avoir les mêmes pensées fuyantes que le pilote d'Enola Gay au moment fatidique, en somme c'est par son ego et sa conscience, faire exploser le bloc de granit monolithique qu'est la création. En d'autres termes, la souffrance devient plaisir dès que le contrat est complet. Merzbow, depuis ses débuts en 1979, a sorti plus de 400 disques, ça laisse de quoi se sentir bien.

Le bruitiste a, notamment, collaboré avec les papes de la version obscure du drone Sunn O))). Ce mouvement naît à la fin des années 80, dans la tête d'un seul homme, Dylan Carlson. La légende veut qu'il jouait du grunge à Seattle, entouré de ses potes de chez Nirvana ou Mudhoney ; puis il s'est un jour dit qu'il n'avait plus rien à dire,et cela a donné quelques obscurs EP et surtout un album : Earth 2. Il cimente ainsi le drone métal moderne, qui n'est d'abord qu'un mélange assez insipide d'alternatif à la sauce Seattle (comprendre du Nirvana) et du minimalisme, plus proche d'un Glass que d'un Palestine, pour la bonne raison qu'une guitare électrique n'est pas un orgue, et n'a donc pas un sustain très conséquent, assez embêtant quand on a pour vocation de créer des drones. Earth sort quelques autres albums dans un insuccès remarquable, puis ils se font virer de leur label, et passent une décennie à errer sans aucune activité musicale, tandis que Carlson se rend tristement célèbre en achetant le fusil qui aura raison de son ami Kurt Cobain.

Mais c'est sans compter sur Stephen O'Mailey, un graphiste de Portland, qui se fascine pour ce groupe maudit et totalement inconnu. Il commence avec quelques amis tout aussi fanatiques de la bande à Carlson de jammer dans le même style mais dans une autre dimension, sous le nom se Sunn O))) (prononcez comme le mot anglais sun), du nom d'une marque d'amplis bien connue des guitaristes de genres extrêmes. Ils sortent ainsi quelques albums qui, étonnamment , deviennent très populaires en dépit de leur difficulté d'accès, créant ainsi un style fascinant, et par là une scène vivante encore bien d'actualité (on peut penser que Sunn O)) est arrivé à son apogée l'année dernière avec l'époustouflant Monoliths & Dimensions) . Eux ont un vision romantique proche de celle de Merzbow, mais d'une certaine façon, en sens inverse et en jouant davantage sur l'absurde, notion qui manquait complètement à Earth, et qui semble avec le recul la raison de son insuccès au sein d'un label d'importance. Les performances de Sunn O))) résument bien la chose. Ils commencent par arriver, quelque peu masqués par la fumée omniprésente, et habillés de grandes toges de moines , puis se mettent à jouer, totalement statiques, à un volume simplement ahurissant, le tout dans une obscurité quasi-totale. La réaction du commun des mortels, et même du black métalleux aguerri au concert de Mayhem, est en général proche de ceci : «Mon Dieu ,où-est-ce-que-je-suis-qu'est-ce-qui-m'arrive?». De leur propre aveu, ils sont le plus ridicules et absurdes possible pour mieux mettre en exergue le travail inconstant et inconscient de leur musique. C'est un bloc à la fois monolithique et distordu qui, déroutant au tout premier abord par sa noirceur, entraîne peu à peu les sens, les unifie et engourdit l'esprit, ou plutôt le mélange aux sens, mélangeant nos côtés rationnel et abstrait, dans une hallucination assez baudelairienne, voire nietzschéenne, car c'est en effet plus une porte d'accès, une porte de la perception, qu'un sortie de secours. Une porte vers quoi, c'est à vous de voir.

La page gourmande (car les littéraires aiment les petits plaisirs de la vie !...) : les confiseries [un article de Morgane]

Ces douceurs sucrées qui nous enivrent à chaque grincement de papier d'aluminium. Ces délices nous ramènent inconsciemment à notre enfance. Mais la catégorie ne se limite pas aux seuls bonbons : les confiseries couvre, une gamme plus grande qui passe par les chocolats, la barbe à papa, les loukoums ou encore les fruits confis. De nos jours, nous trouvons de moins en moins de cvrais onfiseurs , à cause de l'industrialisation de ces sucreries. Nous allons voir dans un premier temps la véritable histoire des confiseries, puis nous découvrirons pourquoi elles ont été industrialisées et, enfin, quel est son rôle et l'image qu'elles véhiculent dans la société d'aujourd'hui.

Bien avant le sucre, il y a eu le miel, grand responsable de la naissance de la confiserie. Les Perses avaient découvert, 600 ans avant notre ère, "le roseau qui donne du miel sans l'aide des abeilles" , et qui n'est autre que la canne à sucre. Ils gardèrent jalousement le secret, bien des siècles. Alexandre La Grand découvrit cette plante, au IV ème siècle, la ramena avec lui et toute la culture méditerranéenne apprit à la connaître... et à la déguster. Plus tard, les Croisés importèrent ce produit en Europe, et la confiserie naquit. Au départ, le sucre était considéré comme un remède, ainsi que toutes les autres épices, et vendu durant des années très cher par les apothicaires.

C’est sous la monarchie que les friandises connaissent une certaine popularité auprès de la noblesse et de la bourgeoisie, à qui elles sont réservées. Les friandises, connues sous le nom d’épices, sont servies sur les tables royales à la fin des repas, suivies d’un verre de liqueur, dans des drageoirs. À cette époque, offrir des bonbons est une coutume très répandue dans l’aristocratie. Même les juges ont l’habitude de réclamer des «épices» en paiement de leur travaux ! Les gentes dames ont pour tradition d'accepter des bonbons en cadeau seulement lorsqu’ils sont offerts par un homme digne d’intérêt.

La confiserie française a connu des débuts difficiles. Pour créer ces produits de luxe, les fabricants délaissent le miel pour privilégier le sucre, un produit qui sera rare en Europe jusqu’au XVe siècle. C’est Catherine de Médicis qui permet à la confiserie française de se développer en faisant venir d’Italie des confiseurs et des glaciers. L’épouse d’Henri IV fait découvrir de tels délices à tous les membres de la Cour de France que les monarques eux-mêmes ne peuvent y résister. Les produits italiens connaissent un succès si important, si bien que la noblesse commence à s’intéresser sérieusement à la fabrication de ces sucreries. Heureux hasard, à cette époque, la création des plantations de cannes à sucre en Guadeloupe et en Martinique est en plein essor, ce qui facilite les échanges commerciaux. Tous les ingrédients sont réunis pour que le bonbon devienne populaire ! En 1604, c'est le doublement de l'adjectif "Bon" qui a donné vie au Bonbon.

Bien évidemment le succès de ces sucreries amena l'ouverture des confiseries, à partir des années 1700. Les confiseurs ont ouvert boutique à Paris, à partir du XVIIème siècle. Leurs magasins étaient le rendez-vous de la société riche, aristocratie et bourgeoisie.

Ce n'est qu'au XIXème siècle que le sucre se démocratisa réellement, grâce à l'apparition du sucre de betterave. C'est une véritable révolution… et, depuis, les confiseurs n'ont de cesse de créer de nouveaux bonbons et de nouvelles spécialités, issus de la tradition et de tout leur savoir-faire, dont la plupart existent encore aujourd'hui.

Les confiseries eurent une tel succès que, depuis la révolution industrielle, les bonbons sont créés dans des manufactures, ce qui réduit le prix de la vente, mais aussi celui de la fabrication. Les sachets apparaissent petit à petit pour le plus grand bonheur de tous. Certaines marques se créent comme Haribo ou encore La Pie qui chante. Elles inventent à leur tour toutes sortes de confiseries (ex: les incontournables fraises Tagada, ou encore les Dragibus). De nos jours, les bonbons tiennent encore une place importante dans notre quotidien, que l'on soit adulte ou enfant car comme Haribo le dit dans son slogan « Haribo c'est beau la vie pour les grands et les petits ». Les confiseries ne sont plus un produit réservé uniquement taux enfants, et les concepteurs l'on bien compris. Depuis quelques années, il y a apparition dans les confiseries de bonbons sans sucre pour les personnes diabétiques ou encore de pastilles à mâcher pour les personnes qui veulent arrêter de fumer. Même si les adultes ont une place chez les consommateurs de bonbons, il reste indéniable que les enfants sont ceux qui en raffolent le plus. Pour plaire aux nouvelles générations, les designers inventent encore de nos jours des tas de confiseries comme les fameuses Têtes Brulés ou encore les bonbons à spray qui piquent ces chères petites langues! !! Pour pleinement mesurer l'ampleur de ces mets délicieux, il suffit porter un œil sur les ventes à Pâques ou à Noël : qui n'a jamais eu de poule ou autre lapin en chocolat à chercher autour de sa maison pour Pâques ou bien , qui n'a jamais reçu toutes sortes de papillotes ou dérivés à Noël? Je pense que la réponse est claire : PERSONNE.

Nous pouvons en être sûrs, les confiseries en tout genre ne sont pas prêtes de disparaître. Regardez autour de vous combien de produits de cette catégorie sont créés chaque année. Et demandez-vous si vous aussi vous êtes accrocs à ces petites gourmandises. Haro sur celui qui un jour oserait interdire ces délices fondant sur notre palais !!!...

JOURNAL DES PREMIERS L SUITE

noreply@hautetfort.com (BR) — Tue, 26 Jan 2010 20:46:00 +0100

LA VISITE AU MUSEE D'ART MODERNE DE SAINT-ÉTIENNE [ article de Morgane]

Le vingt novembre dernier, les classes de Première ont fait une sortie culturelle à Saint-Etienne. Voici quelques impressions sur la visite guidée du musée d'art moderne...

Ensuite, nous gagnâmes une salle où se trouvait sur un mur une immense Lune faite de tout un tas d'objets recyclés ; tous ces objets étaient bleus. Nous apprîmes que l'artiste est quelqu'un qui parcourt les plages et qui ramasse tou ce qui s'y trouve et qui n'est pas naturel ; puis il les classe une fois chez lui par couleurs et tailles et, pour finir, en fait des œuvre comme ce tableau.

EN ROUTE VERS D'AUTRES CIEUX... LA CULTURE ÉMERGENTE AU BRÉSIL [article d'Océane]

De grands romanciers brésiliens seront traduits en Français et acquerront une reconnaissance du public.

AUTOUR DE TOLSTOI [Article de Delphine]

En quelques lignes, le résumé du film :

En prolongement : la pièce à laquelle nous avons assisté l'an dernier en Seconde : Tolstoï journal intime

Par conséquent, cette pièce comporte des décors qui sont les plus simples.

Le résumé du journal intime :

Cela rejoint le film «guerre et paix» qui lui est aussi tourné dans la plus grande simplicité possible...

LE JOURNAL DES PREMIERES L

noreply@hautetfort.com (BR) — Sun, 10 Jan 2010 19:56:00 +0100

La drogue : d'hier à aujourd'hui [article de Morgane]

Le LSD, la cocaïne; la marijuana,,, Des noms qui résonnent dans nos oreilles depuis toujours pour nos générations...

L'Herbe bleue, journal d'une droguée

Paru il y a presque 50 ans, L'Herbe bleue eut un énorme succès et il le garde toujours aujourd'hui. L'histoire est réelle, même si des noms de personnes,certains événements et des lieux ont été changés.

Cette jeune fille de15 ans en crise d'adolescence ne supporte plus sa vie en général. Grâce à la mutation de son père dans au autre Etat et là eur déménagement prochain, elle s'imagine un avenir meilleur. L'été suivant, elle revient dans son ancienne ville pour passer ses vacances chez sa grand-mère, Rencontrant d'anciens amis qui l'invitent à une soirée, elle connut une première prise contre son gré : lors d'un jeu, à son insu, elle ingurgita du LSD. Petit à petit, elle se laissera prendre dans la déferlante de la drogue. Son expérience personnelle nous est rendue dans son journal, où l'on note le ressentiment d'une adolescente qui se voit périr ,et le combat qu'elle mène pour s'en sortir.

Ce livre n'a pas la prétention de pouvoir faire quelque chose pour arrêter la drogue, mais il nous montre ce qu'il advient psychologiquement et physiquement des dépendants. Il dénonce aussi les « amis » drogués que l'on peut se faire et qui ne sont en aucune façon des personnes qui veulent votre bien : la preuve suite à l'arrêt de toutes sortes de drogues, l'écrivaine du journal se voit harceler par ses anciens « amis ».

L'herbe bleue ne contient pas de morale. C’est aux lecteurs de tirer ses propres conclusions. Ce livre peut vous laisser de marbre comme il peut vous faire remettre en question, ou encore vous éviter de tomber dans le même piège que l'héroïne.

Vous pouvez penser que cette histoire n’est pas votre problème : après tout des anonymes avec des histoires semblables, comme l'héroïne, on en croise de tout temps sans le savoir. Mais si vous vous moquez de cette histoire, vous vous moquez alors des personnes - adolescentes ou non -, en détresse.

Ce livre touche d'une façon ou d'une autre toute personne le lisant. Il est court , simple mais touchant. En un mot : Efficace

Parlons d'une autre histoire qui traite le même sujet, mais qui est totalement différente...

Christiane F 13 ans droguée prostituée

Elle eut une enfance difficile : son père, étant alcoolique et ne trouvant pas de travail, se défoulait sur sa femme ainsi que Christiane et sa sœur.

Quelque temps après, les parents de Christiane divorcent et cette dernière par vivre avec sa mère chez Klaus, son nouveau copain. Elle se sent seule, délaissée par sa mère qui se consacre uniquement à son travail et à Klaus. Bénéficiant alors d'une trop grande liberté, Christiane en profite pour fréquenter avec son amie Kessie les boîtes de nuit où la drogue est omniprésente...

Moins de deux ans après avoir fumé son premier joint, Christiane se prostitue à la sortie de l'école pour se payer sa dose quotidienne d'héroïne.

Petit à petit, ses « amis » disparaissent suite à des overdoses, laissant Christiane désemparée, isolée dans son renfermement sur elle-même et dans la drogue,

Ce récit de Christiane Felscherinow est le résumé de sa période d'adolescence, dans les années 70, en Allemagne. Les personnages ont réellement existé et aucun nom n'a été modifié.

Cette œuvre, comme L'Herbe bleue, ne donne pas de solutions aux problèmes de drogues, mais elle nous montre une société corrompue par les stupéfiants ; la jeunesse catastrophique des ces années-là est la résultante de l'aveugelemnt des parents, qui préfèrent ne pas voir voir la vérité sur leurs enfants en face.

La drogue un fléau oppressant

La drogue est une substance psychotrope ou synthétique qui conduit au désir de continuer à la consommer pour retrouver la sensation passagère et trompeuse de « bien être » qu'elle procure ; c'est une substance dite illicite et qui comporte des risques irréversibles avec des usages excessifs, avec la dépendance de l'utilisateur.

Qu'elle soit dite dure ou douce, la drogue, malgré ses méfaits, est aujourd'hui largement répandue, encore peut-être même plus qu'à l'époque de l'héroïne de L'Herbe bleue ou de Christiane, malgré les recensements et les actions préventives de l'Etat.

Un site a d'ailleurs été ouvert par le Gouvernement pour la lutte contre les produit illicites i: l renseigne sur les noms de toutes les drogues les plus connues , sur leurs effets, leurs risques... Il énumère également les peines encourues et les lois contre la drogue, mais aussi celles contre l'alcool, puisque les deux constituent des addictions dangereuses.

WWW.DROGUES.GOUV.FR

Des vidéos ont aussi été créées pour montrer ce qu'avouent les dealers sur les effets et votre futur avec certaines drogues.

Il ne faut pas s'aveugler : encore de nos jours, une foultitude de personnes sont des toxicomanes ; la drogue s'est banalisée avec la sortie des livres ou de films biographique qui, lors de leur parution, n'étaient pas destinés à une quelconque promotion, puisqu'ils étaient au contraire destinés à montrer les dangers de la drogue (et non pour encourager les gens à en consommer).

Les consommateurs de ces produits illicites sont de plus en plus jeunes : ils commencent en moyenne vers 13-14 ans (il y a cinq ans, la moyenne était à 15-16 ans...) Toutes les conditions sociales sont touchées de nos jours ; ce ne sont plus seulement les personnes en situation précaire qui en consomment le plus.

Au départ, la drogue nous transporte dans un paradis artificiel, elle nous éloigne de notre quotidien ;, mais petit à petit, l'enfer survient, car les personnes passent tout leur temps à chercher de l'argent pour s'approvisionner. Puis, souvent , elles revendront elles-même des produits toxiques pour trouver cet argent. Le plus alarment est que la France est le premier pays vendeur et consommateur de drogues en Europe.

Je pense que, pour arrêter le fléau que constituent ces produits, il faudrait, au départ, que l'homme soit en paix avec lui-même, car comme vous le savez tous, la plupart des toxicomanes ont commencé car ils se sentaient seuls ; cela leur procurait donc en apparence des amis, puisqu'ils se sentaient mal dans leur peau ou alors n'étaient pas assez « cool s» .

En résumé, dites non à la drogue, même si vous passez pour un « looser » ! Et ne fermons plus les yeux sur ceux qui sont en face de nous et qui ont besoin de notre aide !

PS : si vous voulez d'autres films traitant ce sujet en voici quelques uns: -

- Las Vegas parano

- Trainspotting

- Requiem for a dream

- Wonderland

- Killing Zoe

- Maria pleine de Grâce

- Another Day in Paradise

- Thirteen

- How hight

- Very bad Trip

- Les Inséparables

- After School

- Smiley Face

- Shrooms

- Tripper...

UN FILM QUI A EU LES FAVEURS DE MA PROPRE CRITIQUE : LA MOME, ET UN PETIT TOPO SUR LA CHANSON REALISTE [article de Thibault]

La Môme :

Il s'agit d'un film retraçant l’incroyable destin d’Edith Piaf , difficile à suivre parce que nous est narré le destin d’Edith Piaf en décalé , le film ne donne pas les faits dans un ordre chronologique ; tout est fragmenté, le réalisateur saute d’une période à une autre et revient sur sa jeunesse alors qu’on en était à sa vie adulte .

Edith Piaf, de son vrai nom Edith Giovanna Gassion, est née le dix-neuf septembre mil neuf cent quinze. Elle fut abandonnée très jeune aux mains de sa grand-mère maternelle par sa mère partie chanter à Constantinople. Son père, qui est à la guerre, profite d’une permission pour récupérer sa fille des griffes de sa grand-mère alcoolique, pour la replacer, juqu'à la fin de la guerre, chez sa grand-mère paternelle, tenancière demaison close. Edith sera élevée par les prostituées qui occupent cette maison. Elle s’attachera énormément à l’une d’entre elles, Titine. Son père, définitivement revenu de guerre, passe chez sa mère pour récupérer la petite fille, ce qui provoquera un drame pour Titine comme pour Edith. La petite Edith verra du pays, étant donné que son père est contorsionniste dans un cirque ambulant.

Edith a grandi , et elle entre dans l’adolescence ; à la même période son père , suite à un edispute avec la troupe , quitte le cirque et arpente les villes en solitaire, accompagné de sa fille. Suite à une demande de leur petit public, c’est après l’acrobatie de son père qu'Edith chantera pour la première fois : elle fait alors grande impression.

Le temps s’est écoulé, Edith est devenue une jeune fille, errant dans les rues de Belleville, à Paris, avec Momone (Simone Bertheaut) qui est sa demi-soeur, chantant sur les trottoirs plutôt que de se prostituer pour gagner de quoi manger, de quoi vivre. Edith court les milieux de débauche, où la drogue et l’alcool sont rois ; c’est pendant cette période qu’elle deviendra plus ou moins dépendante de l’alcool.

Elle sera repérée par Louis Leplé, propriétaire d’un cabaret : Le Gerny’s. Elle s’y produira de nombreux soirs durant et, à chaque fois, elle fera un triomphe et suscitera des tonnerres d’applaudissements. Elle y rencontrera des personnes pouvant l’aider pour sa carrière, comme Bruno Coquatrix, directeur de l’Olympia, grand music-hall européen, ainsi que Raymond Asso, qui est auteur-compositeur.

Suite à l’assassinat de Louis Leplé, Edith Piaf, surnommée La Môme, sera soupçonnée à tort du meurtre et perdra un peu de sa popularité. Elle se tourne alors vers Raymond Asso, qui prend sa carrière en main et lui conseille d’en finir avec les surnoms témoignant de sa période "cabaret " ; il lui trouve un nom de scène : elle s'appellera désormais Edith Piaf, et il l’emmènera jusqu’à l’Olympia - où, là encore, les gens viendront en foule et où ce sera de nouveaux le triomphe. Sa carrière est relancée, et elle prend une autre envergure. Edith sombrera dans la « drogue » , surtout la morphine qu'elle prend régulièrement après la mort de Marcel Cerdan , boxeur marié, amant de Edith Piaf , qui s’est écrasé en avion pour la rejoindre. Elle se remettra difficilement de ce deuil. Edith mourra en mil neuf cent soixante- trois.

Tout au long du film , Marcel Cerdan est très présent et l'on peut noter que la plupart de ses autres relations sentimentales (et professionnelles, les deux allant souvent de pair) sont passées sous silence : elle a en effet lancé de nombreux artistes : Charles Aznavour , Yves Montant .

Tout au long du film, nous revivrons les instants tragiques et heureux de Edith Piaf à travers une Marion Cotillard totalement réincarnée en Edith Piaf…

Edith Piaf Marion Cotillard

Un film difficile à suivre , mais qui en vaut la peine .

Edith Piaf était une figure de la chanson réaliste française, ainsi que beaucoup d’autres, mais commençons tout d’abord par un petit récapitulatif culturel sur la chanson réaliste.

La chanson réaliste :

C’est au début du vingtième siècle que s’installe la chanson réaliste, composée essentiellement de chanteuses au timbre de voix grave, comme Edith Piaf (1915-1963), Fréhel (1891-1951) ou encore Damia (née aux alentours de 1890 et morte en 1978). La TSF et autres moyens de diffusion font connaître leurs chansons. Ces interprètes alors inconnue deviennent rapidement des icônes de la chanson française. La chanson réaliste d’entre les deux guerres n’est pas militante, mais plutôt sentimentale, remplie d’émotions, bouleversante à l’écoute. Ces chansons se situent à mi-chemin entre poésie et réalisme.

Ces chanteuses ont souvent eu un passé douloureux, qui se ressent dans leurs textes, ce qui ne les rend que plus bouleversantes et touchantes. Leur passé les a marquées à vie et a eu souvent des effets néfastes sur leur personne. Leurs représentations musicales sont souvent agrémentées de gestes théâtraux, comiques (Edith Piaf se servait beaucoup de ses mains). Toutes ces chanteuses se sont rapidement créées un public aimant, qui les suivra tout au long de leur carrière, et pour lequel elles mettront tout en œuvre afin de le satisfaire.

Quelques titres de chansons :

Edith Piaf : - Padam

- Milord

- L’Accordéoniste

- L’hymne à l’amour

- La Vie en rose

- Sous le Ciel de Paris

- L’Homme à la Moto

Les Paroles de Padam

Cet air qui m'obsède jour et nuit
Cet air n'est pas né d'aujourd'hui
Il vient d'aussi loin que je viens
Traîné par cent mille musiciens
Un jour cet air me rendra folle
Cent fois j'ai voulu dire pourquoi
Mais il m'a coupé la parole
Il parle toujours avant moi
Et sa voix couvre ma voix

Padam , padam , padam...
Il arrive en courant derrière moi
Padam , padam , padam...
Il me fait le coup du souviens-toi
Padam , padam , padam...
C'est un air qui me montre du doigt
Et je traîne après moi comme un drôle d'erreur
Cet air qui sait tout par cœur

Il dit: "Rappelle-toi tes amours
Rappelle-toi puisque c'est ton tour
Y a pas d'raison pour qu'tu n'pleures pas
Avec tes souvenirs sur les bras...
" Et moi je revois ceux qui restent
Mes vingt ans font battre tambour
Je vois s'entrebattre des gestes
Toute la comédie des amours
Sur cet air qui va toujours

Padam , padam , padam...
Des "je t'aime" de quatorze juillet
Padam , padam , padam...
Des "toujours" qu'on achète au rabais
Padam , padam , padam...
Des "veux-tu" en voilà par paquets
Et tout ça pour tomber juste au coin d'la rue
Sur l'air qui m'a reconnue
...
Écoutez le chahut qu'il me fait
...
Comme si tout mon passé défilait
...
Faut garder du chagrin pour après
J'en ai tout un solfège sur cet air qui bat...
Qui bat comme un cœur de bois...

LE FANTASTIQUE EN LITTERATURE : EVERWORLD (K.A.Applegate) [article de Lucas ]

Everworld est une trilogie de l’auteur américaine K.A. Applegate. Elle y raconte les aventures de quatre adolescents qui, après la disparition d’une de leur amis, Senna, se retrouvent plongés dans un tout autre monde, peuplé de créatures fantastiques et de dieux tirés des différentes mythologies. Ces derniers sont également à la recherche de Senna, car elle est la seule à pouvoir ouvrir la porte entre les deux mondes. Ainsi, les amis de Senna se retrouvent malgré eux dans une lutte acharnée entre les divinités, qui doivent faire face à Ka Anor, le dévoreur de dieux, en tentant désespérément de retrouver leur amie, et un moyen de rentrer chez eux. Ainsi, ces quatre lycéens se retrouvent face au redoutable Loki, avant de partir en guerre au côté des Vikings contre l’étrange dieu aztèque Huitzilopochtli, sans vraiment savoir où est la réalité et l’imaginaire dans cette étrange aventure.

K.A.Applegate (auteur de plus de 70 livres pour la jeunesse) a donc écrit ici une œuvre visant principalement un public adolescent. Elle raconte cette épopée en trois tomes( A la Recherche de Senna, L’Epopée fantastique, Le Voyage sans Retour), composés de quatre livres, chacun possédant un narrateur différent, ce qui permet une analyse psychologique de ses personnages plus poussée. Ce changement régulier de narrateur rend également les personnages plus attachants, et le lecteur peut ainsi s’identifier plus facilement à l’un des héros. De plus, les actions sont intenses et mouvementées, alternées par des descriptions détaillées, ainsi que par les réflexions des personnages, offrant ainsi un rythme saccadé qui alimentera l’impatience du lecteur.

Ce style particulier, qui parvient à capter l’attention du lecteur, permet également à l’auteur de faire passer un message. En effet, derrière cette épopée fantastique, l’auteur aborde finalement la fuite du réel pour l’imaginaire. En effet, au cours de la lecture, on découvre que chaque personnage doit faire face à une situation délicate dans le monde réel et, finalement, on s’aperçoit qu’ils préfèrent leur vie dans ce monde fantastique. On a donc en quelque sorte, dans ce roman, une nouvelle illustration du syndrome de Peter Pan, car ces adolescents préfèrent un monde de mythes, d’ordinaire désiré par les enfants, à une vie d’adulte pour laquelle ils doivent se préparer. Et ce désir d’échapper à la vie réelle est finalement commun à tous, et c’est ce que l’on recherche à travers la lecture, plus particulièrement dans celle des romans fantastiques.

Il est vrai que, si le lecteur s’oriente vers la littérature fantastique, c’est parce qu’il y trouve toutes les légendes qui ne figurent pas dans notre monde. Or, dans cette saga, les différentes mythologies (grecque, nordique, égyptienne, aztèque…) prennent une place importante. Et, finalement, on s’aperçoit que de tout temps l’écriture est fortement influencée par les différentes croyances, que ce soit le théâtre du XVI° et du XVII° avec la mythologie grecque, ou le romantisme avec la mythologie nordique. Cependant ,avec les débuts du roman fantastique, et plus tard de la fantasy, les créatures mythologiques prennent de plus en plus part dans l’intrigue, sans jamais toutefois tenir le rôle de personnage principal. Enfin, on voit également apparaître dans les « comics » (genre de bandes-dessinées américaine) de plus en plus de personnages, éponymes ou non, qui sont des incarnations de divinités, tels Thor, Hercule, Arès…

Ainsi, on s’aperçoit que, dans tous les genres, se perpétue une éternelle réécriture. Parfois, la réécriture de ces récits mythologiques se traduit par une parodie, qui peut offrir un attrait nouveau pour le lecteur. Cependant, cette réécriture des mythes dans les romans fantastiques est tellement fréquente, que l’on arrive à épuiser toutes les différentes possibilités de réécritures de légendes. En effet, de nombreux auteurs se sont inspirés des légendes pour leurs romans, sans toujours faire preuve d’originalité, au point d’avoir plusieurs romans très similaires, et des auteurs qui abordent le même style d’écriture.

Par conséquent, cela risque d’ennuyer le lecteur qui préfèrera s’orienter vers des lectures plus diversifiées. Or, de nos jours, la publication de romans, en particulier celle des romans fantastiques, est d’ordre plutôt économique, dans le but de faire du profit, et donc ce détournement du lecteur pourrait provoquer la fin du roman fantastique. En effet, cette fonction lucrative du roman fantastique conduit à la publication d’une multitude de romans de narration assez banale, et d’un niveau de langue parfois familier, en raison d’un lectorat plutôt adolescent qui a une connaissance de la langue de moins en moins importante. C’est pourquoi, bien que le roman fantastique dure depuis quelques temps, aucun auteur n’a réellement été reconnu par des professionnels de la littérature, malgré un lectorat très important.

La trilogie de K.A.Applegate illustre parfaitement ce nouveau rôle des mythes et légendes dans la littérature contemporaine, et tout en nous faisant suivre les trépidations de ses héros, l’auteur parvient, à notre insu, à nous enseigner quelques informations sur les mythes, et nous donne envie de nous documenter plus profondément sur le sujet. Ainsi, ces romans tiennent en haleine le lecteur, qui prendra certainement du plaisir à la lecture, au point de ne pas reposer son livre.

LES DESSINS ANIMES ET SUR LEURS ROLES [Article de Lucas]

Depuis que l’homme a vu le jour, on note chez lui le désir de représenter ce qui l’entoure. En effet, dès la préhistoire, l’homme réalise des peintures rupestres représentant des scènes de chasse, où l’on remarque la volonté de montrer le mouvement dans ces dessins. Plus tard, dans la Chine antique (il y a 7000 ans), on voit apparaître des théâtres d’ombres chinoises qui ont un but divertissant. Ce principe sera repris en Europe au XVII° siècle avec la « lanterne magique ». Puis, au XIX° siècle, on voit apparaître des jouets qui permettent à l’enfant de voir une suite d’images. Avec les débuts du cinéma en 1900, on voit de nombreux films dont certains passages sont des dessins animés. Enfin, dans les années 30, c’est le début du dessin animé commercial tel qu’on le connaît.

Il est évident que le dessin animé a pour rôle de divertir le téléspectateur, et il peut y parvenir plus facilement que le film, car il est vrai que les dessins sont souvent plus attrayants que le film. De plus, les personnages y sont souvent stéréotypés, voire caricaturés. C’est pourquoi les enfants affectionnent tout particulièrement ce genre de programme. C'est robablement aussi parce que, principalement, il est constitué d’une alternance de scènes humoristiques et émouvantes.

Cependant, on peut lui attribuer d’autres fonctions, puisque les dessins animés permettent de transmettre des enseignements. En effet, on trouve de plus en plus de dessins animés éducatifs, comme « Dora l’exploratrice »qui enseigne aux enfants de 4-5 ans quelques notions d’Anglais. L’enfant étant passionné par l’histoire, il retiendra plus facilement l’enseignement transmis.

En plus de véhiculer des enseignements, le dessin animé peut faire partager de la culture en mettant en scène des classiques de la littérature. C’est le cas de Walt Disney qui a adapté en dessin animé les contes les plus célèbres, ou des œuvres littéraires telles que Notre-Dame de Paris, ou des adaptations de la « Bible».

On remarque également que le dessin animé peut avoir un rôle moralisateur. En effet, de nos jours, les jeunes ont majoritairement un attrait pour la lecture moins important que celui pour l’audiovisuel. Or, si les enfants ne lisent plus de contes et de fables, il est nécessaire de trouver un nouveau moyen de transmettre une morale. C’est pourquoi, progressivement, ce rôle a été pris en charge par le dessin animé.

En effet, le dessin animé permet d’illustrer une morale à l’aide d’exemples simples et à la portée de tous. Cette transmission de valeurs est favorisée par l’opposition entre le « gentil » et le « méchant », ce dernier étant toujours puni pour ses actes.

De plus, le dessin animé permet à son concepteur de réaliser une satire de la société, c’est le cas par exemple du dessin animé « Les Simpsons » qui critique ouvertement la société américaine. En effet, derrière son côté enfantin il peut aborder des thèmes graves, sans risques d’être censuré. On voit également que certains personnages de dessin animé sont des personnifications de certains traits de la société. On remarque ce procédé avec le personnage de « South Park » qui est obèse et refuse de l’accepter ; on comprend que,, derrière le personnage c’est la société américaine, et surtout son importante obésité, qui est critiquée.

Ainsi, le dessin animé est un bon moyen de faire passer ses idées car il est plébiscité par une grande partie des enfants et des adolescents, et parce que c’est un genre qui offre une plus grande liberté dans la réalisation.

On peut également observer ce principe dans la bande dessinée qui, tout comme le dessin animé, attire bien plus la jeunesse que les romans ou autres œuvres littéraires. Derrière ce côté purement divertissant, il est évident que l’auteur et le dessinateur critiquent différents faits de la société, souvent avec beaucoup d’ironie. De même que pour le dessin animé, les bandes dessinées ont souvent des intrigues simples, mais derrières lesquelles on peut trouver des sujets importants, des références culturelles voire une morale pour le lecteur.

Dès lors, on s’aperçoit que même de nos jours, de nombreux artistes continuent, comme le faisaient les auteurs auparavant, de transmettre des enseignements aux gens, surtout aux plus jeunes, et de critiquer lorsque cela est nécessaire. Ils ont su profiter de cet engouement pour l’audiovisuel pour diffuser leurs idées plus simplement.

UN GRAND CLASSIQUE DES ANNES SOIXANTE-DIX : LE FILM : The Wall [Un articlede Louis]

1977 , Pink Floyd sort Animals. Après The Dark Side of the Moon et Wish You Were Here , le groupe est à son apogée musicale . Ni vraiment rock , ni vraiment jazz , il multiplie les morceaux et les expériences avant-gardistes au format inhabituel ,en digne représentant du genre fourre-tout du rock progressif.

Mais 1977 , c'est surtout l'année du punk , des tubes radio simples , courts et énergiques , du formatage et de la vulgarisation musicale . A côté , les trente minutes de Shine on You Crazy Diamond semblent d'un autre monde , et les Floyd deviennent vite la cible préférée des Sex Pistols , Clash et consort (Johnny Rotten fera scandale en arborant ses fameux T-shirt s : I Hate Pink Floyd sur scène , contribuant à établir l'image iconoclaste des Pistols) . Le public , lui non plus , ni comprend plus grand chose à leurs expérimentations , plus proches de la musique ambient que du rock FM, et ne vient plus se masser dans les stades que pour entendre Money et Wish You were Here , et autres tubes radiophoniques sur lequel danser.

Le groupe , habitué aux auditoires hippie et psychédélique , le vit très mal , se coupe peu à peu de son public , jusqu'à n'en avoir plus aucune considération, amplifiant ainsi leurs tensions internes qui causeront leur scission. Roger Waters , bassiste , compositeur et névrosé de service , s'isole de «son» groupe , essaie de se débarrasser une fois pour toutes de ses démons ,en écrivant coup sur coup deux concept-albums , qu'il donne ensuite au groupe , avec pour ordre de choisir le meilleur.

The Wall , malgré la pauvreté musicale de son ébauche et son aspect intimiste , impressionne les trois musiciens , et David Gilmour , guitariste , s'ajoute a Roger Waters pour le peaufiner. «Son» meilleur concept sera composé de trois parties : un album , un spectacle , et un film. Le groupe s'enferme donc en studio pendant quelques mois. Mais le climat de tension régnant , accentué par le perfectionnime de Waters , atteint des sommets et, finalement, Rick Wright, membre fondateur et claviériste virtuose, est renvoyé durant les sessions, laissant Waters et Gilmour, les deux frères ennemis, dans leurs interminables disputes.

Des mois en huis-clos , qui donneront naissance au plus abouti et au plus théâtral concept des Floyds , mais aussi au plus abordable , paradoxe pour un groupe constamment en marge de son public. Ils partent vite promouvoir l'album en tournée , mais ne le jouent qu'à quelques reprises, tant la réalisation technique du «spectacle» est fastidieuse. Le groupe joue en fait entièrement caché derrière un immense mur blanc , en partie démoli durant la performance, ce qui se rapproche plus d'un opéra rock que d'un concert traditionnel. De ces concerts hors du commun , il ne reste que l'album live Is There Anybody Out There?et quelques vidéos pirates . Roger Waters, alors évincé du groupe, rejouera l'album accompagné de nombreux artistes en 1990 sur la Postdam Platz de Berlin , fêtant le premier anniversaire de la chute du mur.

The Wall : tout le monde l'a déjà écouté. Impossible de passer à coté d'Another Brick in the Wall ou de Comfortably Numb tant ils sont repris sur les ondes radios et les chaînes musicales de tout style depuis 30 ans...

Le film , réalisé par Alan Parker , sort quant à lui, trois ans après l'album , et tient pour particularité de ne contenir quasiment aucun dialogue conventionnel . Seulement la musique , et les morceaux de Waters prennent ici , à l'aide de la narration originale de Parker, leur véritable dimension , complétés par les animations visionnaires de Gerard Scarfe , qui restent d'une force esthétique époustouflante , vingt-cinq ans après.

L'histoire , quasiment autobiographique , est simple : une rock star, Pink (joué dans le film par Bob Geldof , ex-chanteur des Boottown Rats ), tiraillée par les pressions de sa carrière et de sa vie personnelle s'enferme dans une chambre d'hôtel et sombre peu à peu dans la folie et l'isolement. Il décide de construire «son mur» et de rompre tout lien avec le monde extérieur et la superficialité du monde du show-business. La structure de la narration établit un parallèle entre son enfance , et la formation de ses démons intérieure , ainsi que sa descente aux enfers (le format de double album permettant une nette séparation entre les deux). Mais si l'enfant orphelin renvoie au passé de Roger Waters , sa chute jusqu'à la folie et l'isolement est un hommage direct à Syd Barrett ,premier leader de génie des Pink Floyd, qui sombra dans la schizophrénie suite au succès du groupe et finit sa vie en ermite, coupé du monde et de son passé, après avoir été remplacé par le guitariste virtuose David Gilmour. Les Floyds lui avaient déjà rendu hommage avec l'album Wish You Were Here (notamment dans les célèbres Shine On You Crazy Diamond).

Le film débute sur un long plan, à travers le couloir d'un hôtel , montrant au bout une femme de chambre et un aspirateur, avec en fond un morceau de Vera Lynn (The Little Boy That Santa Claus Forgot ). Anodine seulement en apparenc , cette scène montre bien le perfectionnisme et la volonté de cohérence maladifs de Waters, ce dès le début du film.

La scène suivante met en scène un homme nettoyant et préparant son revolver tandis que s'ouvre le premier morceau ; la première partie de When the Tigers Brokes Free , qui , bien qu'elle ne figure pas sur l'album , tient une place fondamentale dans le film. Elle parle de l'opération Anzio en Italie durant la 2nde guerre mondiale (au cours de laquelle fut tué le père même de Waters)...

C'est après cette courte scène que Pink apparaît pour la première fois, amorphe, sur un fauteuil dans sa chambre , tandis qu'il ne semble pas entendre la femme de chambre frapper à sa porte. Parallèlement , ses fans forcent la porte d'une salle de concert, jusqu'à ce qu'elle cède, et que commence In the Flesh? , sur un riff de guitares saturées peu habituel au groupe . Le concert tourne à l'émeute, la police intervient et le parallèle se fait alors avec les soldats du champ de bataille d'Anzio sous les bombes. Pink apparaît et , comme un narrateur, prévient ses fans que malgré les apparences , la réalité est tout autre «derrière ses yeux froids» , et leur conseille de se «se tailler un chemin à travers ce déguisement» . Le morceau se termine sur la sanglante bataille et la mort de son père sous les feux d'un avion.

Après cette entrée théâtrale, vint la ballade The Thin Ice , montrant Pink dans son berceau , tandis que la voix de Dave Gilmour semble le prévenir de la fragilité de cette « fine glace» qu'est l'enfance. Mais la glace se brise vite , il apprend la mort de son père, et sort brutalement de l'enfance dans Another brick in the wall pt1 ; c'est ici que sa chute commence véritablement. Il lui en veut d'abord de «n'avoir rien laissé pour lui» avant de se replier sur lui-même et considérer qu' «après tout , ce n'est qu'une brique dans le mur». Goodbye Blue Sky , chante Gilmour dans une ballade naïve aux accents beach boysiens avant que la musique ne prenne un ton plus menaçant, et que Pink ne rompe définitivement avec son enfance, symbolisée par la colombe métamorphosée en faucon lors de l'animation aussi explicite qu'esthétique.

A côté , Pink devient la tête de turc de ses professeurs à l'école, qui le ridiculisent en découvrant ses poèmes (qui au passage sont les paroles de Money sur Dark Side of the Moon) , voulant «exposer chaque faiblesse de chaque enfant» . Waters dénonce la rigidité de l'éducation dans l'Angleterre des années 40, et continue dans la fameuse 2ème partie d'Another Brick in the Wall devenue depuis le morceau le plus connu du groupe, et l'un des singles les plus vendus de l'histoire de la musique. Cette partie se veut particulièrement explicite : véritable hymne à la rébellion, on y voit d'abord les écoliers marchant au pas sur un chaîne de montage industrielle, sortant tous uniformisés et affublés d'un masque évoquant la psychose schizophrénique, stigmatisant ainsi l'aspect aliénant du système d'éducation et ses conséquences contradictoires. Puis les enfants se lèvent et chantent ensemble le célèbre refrain, avant de se rebeller et de détruire le bâtiment et, au passage, de brûler leurs professeurs , pendant que David Gilmour triture sa guitare pour en tirer l'un des solos les plus expressifs qu'il n'ait jamais joués (et il n'en est pourtant pas à son coup d'essai au niveau solos fabuleux !) . Mais Pink se réveille brutalement de son rêve , du «plus beau jour de sa vie» , et le voilà à nouveau plongé dans la réalité de sa classe stricte , dure et sans échappatoire.

Il cherche alors à combler son manque d'affection paternelle (Mother), mais ne trouve que sa mère sur-protectrice, qui l'isole peu à peu du monde , et «l'aidera à construire son mur». Puis il revoit différents épisodes de sa vie sentimentale avant d'essayer désespérément d'appeler sa femme qu'il délaisse dans son isolement, avant d'enfin tomber... sur une voix d'homme.

C'est alors qu'il décide de la construction de son mur, se demandant comment «remplir les espaces vides» et comment « apporter la touche finale» (Empty Spaces , on remarque d'ailleurs dans ce morceau un message subliminal lors de l'introduction de guitares , il suffit de la jouer à l'envers pour entendre Gilmour nous féliciter d'avoir trouvè le «message caché» et une voix appelant Roger Waters de la part d'une «Caroline» , cette Caroline étant la femme de Waters, et ce dernier ayant à maintes reprises déclaré qu'il aurait finit comme Pink sans elle.) Dans le film, ce morceau est associé à What Shall We Do Now?, absent du disque , faute de place sur les 45 tours de l'époque ; il reprend le même thème et se présente à la fois comme une réflexion sur le matérialisme et une réponse aux questions posées dans Empty Spaces. Les biens matériels forment dans l'animation un immense mur qui se referme pour enfermer et isoler , et ainsi , Pink passera par la suite le plus clair de son temps devant sa télévision.

Après cette «crise» , commence Young Lust , probablement la chanson la plus rock de Pink Floyd depuis leur période psychédélique et leur BO de More. Elle traite des groupies, de la vie de débauche des tournées, d'où sa simplicité et son efficacité. A la fin, Pink amène une groupie dans sa chambre d'hôtel, mais se trouve dans l'incapacité de communiquer ou même de lui prêter la moindre attention. Il se laisse gagner par la colère dans «une de ses crises», le morceau s'énerve brutalement, et Pink détruit littéralement sa chambre en essayant d'agresser la jeune fan. Il s'y enfonce jusqu'à la folie, et essaie de retrouver ce qu'il lui reste de lucidité dans Don't Leave Me Now, ballade littéralement dissonante et décousue, traduisant son incapacité communicative, mais abandonne vite tout espoir dans la troisième et dernière partie d'Another Brick In The Wall, suite logique des deux premières, dans laquelle il se détache de toute influence extérieure tandis qu'il voit tous ses précédents échecs et croit qu'il «n'a rien besoin du tout» pour finalement achever son mur , chantant «Goobye cruel World».

Ici commence donc le second disque et la seconde partie du film, avec la différence que ce dernier fait l'impasse sur Hey You, le premier titre, qui constitue pourtant la perle du second CD , d'une cohérence et d'une force harmonique assez uniques. Elle fera malgré tout l'objet d'un clip s'inspirant des scènes de la ballade Is There Anybody Out There? qui la remplace dans le film. Elle sont en effet plutôt similaires au niveau du thème abordé, à la différence qu'Is There Anybody out There suggère plus en une phrase qu'Hey You ne nous dit en trois couplet , donc un ensemble plus adapté au mutisme de Pink dans le film. Dans ces deux morceaux, il commence déjà à ressentir la solitude et le désœuvrement de son isolement, cherchant sa situation par rapport au monde extérieur avant qu'un narrateur ne nous informe que ce n'était pas ce qu'il voulait au fond, que «le mur est trop haut» et que «les vers mangent toujours son cerveau», image récurrente de la folie. Il se débat contre son mur, cherchant désespérément de l'aide, mais reste définitivement perdu dans les tréfonds de sa conscience, et se laisse malgré lui dépérir, amorphe et apathique.

En huis-clos , les biens matériels prennent une autre dimension, Pink commence par en faire des sculptures hallucinées et décousues pendant Is There Anybody Out There?, avant de réaliser la description détaillée des objets de sa chambre, répondant ainsi à What Shall We Do Now? ; le matérialisme l'isole et l'engourdit encore davantage, mais il comprend qu'«il n'y a personne ici» (Nobody Home) et son «incroyable sens d'observation» lui permet d'avoir un moment de lucidité sur sa situation, avant d'être distrait par la télévision devant lui. Elle le ramène à son enfance et à la mort de son père dans Vera , qui répond au morceau We'll Meet Again (On se Retrouvera) de Vera Lynn (oui , la même Vera qu'on entend au tout début, ce titre est composé pendant la guerre en référence aux soldats partant au combat) , et lui demande si elle a «tenu sa promesse» tandis qu'il se retrouve seul dans la gare, au retour du train de soldats qui devaient contenir son père, puis qu'il se met à errer dans les tranchées boueuses, entre les cadavres mutilés et entassés.

Pendant qu'il comate , à demi-conscient , affalé dans son fauteuil, la porte de la chambre est forcée, et son manager et ses médecins entrent dans la pièce. Commence alors le moment fort de la seconde partie , et par là second «hit» de l'album, Confortably Numb. Rare morceau de David Gilmour présent sur l'album, sa structure est en fait un dialogue, les couplets, à l'ambiance très lourde en mineur et chantés par Waters, sont les explications d'un médecin concernant les psychotropes qu'il administre pour «calmer sa douleur» et surtout pour le mettre en état de faire un de ses concerts au lieu de l'emmener à l'hôpital (dénonçant au passage la cupidité du show business , à travers le manager). Les refrains, plus légers et en mode majeur, sont les réponses ou les pensées de Pink perdu dans les souvenirs naïfs de son enfance. Mais il est vite emmené hors de sa chambre jusqu'à la salle de concert ; pendant le célèbre solo final, il se décompose littéralement et se métamorphose dans son délire en un dictateur fasciste, le concert devenant un gigantesque congrès de son parti (avec pour emblème les fameux marteaux croisés) façon Nuremberg.

In the Flesh , reprise ici en version orchestrale, prend alors un tout autre sens , avant d'être enchaîné sur Run Like Hell, alors que Pink et son parti mettent en pratique leurs théories : lynchage raciaux, vols , viols et violence.

Peu à peu, il s'enfonce toujours plus profond au dans son âme, et ce que l'on peut interpréter comme sa schizophrénie se manifeste. Il assiste, dans un final apocalyptique tenant plus d'une pièce d'opér, à son «procès» , accusés d'avoir eu des «sentiments de nature humaine» . Au final, le juge décide de «détruire le mur», et le mur est rasé dans un calme biblique.

Arrive la dernière scène, montrant une rue en chaos et pourtant extrêmement calme après une émeut , avec en fond Outside the Wall, ballade épurée et éthérée parlant sans pathos de la foli , de l'isolement en généra , de l'aspect aliénant de nos sociétés comme une simple liste de conclusions, dans un calme et un recul contrastés et contrastant. A l'écran , quelques petits garçons s'affairent à examiner les restes de la bataille, l'un vide naïvement un cocktail Molotov comme une bouteille d'eau, l'autre s'amuse avec des restes de vitres brisées. Un dernier réunit dans un petit camion des briques, probablement pour construire «son» mu , montrant la nature cyclique de Waters, qui s'affirmera jusqu'à la fin : si l'on écoute en effet attentivement la toute dernière seconde de ce second disque, on entendra un début de phrase ; «Isn't this where...». Si l'on écoute la première seconde du premier disque , on entendra cette fois-ci la fin de cette même question: «...we came in?». Ou l'art de la mise en abyme discrète.

UN PEU DE LITTERATURE CLASSIQUE ET UN VERITABLE COUP DE COEUR : Au Bonheur des Dames - Emile Zola [article de Sandra]

Ce livre raconte l’histoire de Denise et de ses frères, Jean et Pépé. Tous trois, orphelins, arrivent de Cherbourg pour aller vivre chez leur oncle, parce qu’ils ne peuvent plus subvenir seuls à leurs besoins. En effet, M. Baudu avait proposé six mois auparavant de les loger et de trouver un emploi à Denise dans sa boutique. En arrivant dans la rue de leur oncle, ils sentent leur regard happé par un bâtiment immense : il s’agit du Bonheur des Dames, un énorme magasin multifonctionnel. Face à cette concurrence, leur oncle s’endette petit à petit. Il ne peut donc pas embaucher Denise, qui a besoin d’un travail pour pouvoir se loger et nourrir ses frères. Après maintes recherches vaines, Denise va entrer au Bonheur des Dames, comme ouvrière en confection. M. Mouret, le directeur, ainsi que Mme Aurélie, la Première, ne vont pas lui faire de cadeaux. Denise doit ensuite affronter les moqueries de ses collègues, leurs brimades, la fatigue, la faim (car elle se prive pour ses frères), mais aussi la honte… Cependant, après une erreur, elle est renvoyée, à tort. Elle trouve un petit travail, qui lui permet de subsister. Quelques moi plus tard, elle est réembauchée au Bonheur des Dames, sur l'intervention de M. Mouret, qui s’est épris d’elle. Ainsi, elle se voit augmentée et elle gravit les échelons ; mais elle se refuse obstinément à lui, ayant bien compris l’intérêt qu’elle pouvait en tirer pour le bien de tous. Va alors commencer une lourde bataille contre ses propres sentiments, contre les préjugés, les flagorneurs… Cependant, autour d’elle, des tragédies se nouent : sa cousine meurt, sa tante aussi ; certains commerçants ruinés tentent de se suicider, ou quittent le quartier.

Cette œuvre est vraiment très intéressante. Elle dénonce la concurrence des grands magasins, ses conséquences, mais aussi le fait que les gens préfèrent aller dans un lieu qui est beau d’extérieur et où l’on trouve tout, même si c’est plus cher qu’ailleurs. L’auteur fustige aussi la difficulté pour trouver un emploi dans les grandes villes. Enfin, il pourfend les apparences auxquelles on se fie et qui sont souvent trompeuses. De plus, Zola montre le fait qu’on profite des personnes, critiquant aussi bien les hommes et les femmes. C’est un livre qui colle parfaitement à l’actualité, avec les supermarchés, les difficultés de l’emploi…

J’ai choisi de lire cet ouvrage car, d’une part, j’aime beaucoup les œuvres de Zola, mais aussi parce que, outre les descriptions parfois trop présentes, l’histoire en elle-même est très intéressante, ainsi que tout ce qui gravite autour. De plus, même si le volume est gros, on est vite pris dans l'ambiance, il y a beaucoup de péripéties, ;à chaque fois de nouveaux faits s’ajoutent aux précédents, ce qui explique que l’on ne se lasse jamais ; on a toujours envie de connaître la suite.

L’extravagant Monsieur Jourdain, une pièce de Boulgakov [article de Sandra]

L'an dernier, enthousiasmés par la représentation sur Tolstoi Journal intime à laquelle nous avions assisté avec l'école, avec un petit groupe de seconde A, nous avons décidé d'aller seuls au théâtre pour voir une autre pièce, avec la carte M'RA.

Boulgakov

Mikhaïl Afanassiévitch Boulgakov naît à Kiev en 1891. Il fera des études de médecine et aura trois épouses. Il va devenir morphinomane, d’où l’œuvre Morphine

Les scènes de la guerre vont beaucoup marquer ses écrits : La Garde Bbanche ; La Nuit du 2 au 3 ou encore Les Aventures extraordinaires du Docteur N.

En 1920, il sera atteint du typhus. Son état de santé va cependant lui permettre de se consacrer à l’écriture. Il abandonne donc la médecine et se fait engager comme directeur du Lito, un département de littérature. Mais, à la suite d’un différent, il est renvoyé. C’est l’époque de ses premiers succès littéraires.

Malgré cela, il doit cependant se méfier de la censure. La Garde blanche sera en majorité interdite de publication. Boulgakov va même être persécuté par le régime : Staline fustige durement ses pièces telles que La Fuite ; L’Ile pourpre... Ses œuvres et ses pièces vont alors être interdites. Il va cependant trouver du travail au théâtre, mais beaucoup de ses pièces n’aboutiront pas : parmi elles, des adaptations scéniques de Molière, Maupassant…

En 1939, son état de santé s’aggrave. Il meurt le 10 mars de cette même année, suite à une néphro-angiosclérose (perte d’élasticité des petites artères du rein). Cependant, ses œuvres seront publiées, mais à la mort de Staline. Son écrit majeur, Le Maître et Marguerite, sera édité en 1966.

On peut donc dire que Boulgakov était un auteur de tous les genres, du burlesque à l’humour de l’autodérision.

L’extravagant Monsieur Jourdain

L'histoire :

Une troupe d’artistes doit écrire une pièce en une soirée car le roi la demande. On va donc voir jouer la pièce de l’extravagant Monsieur Jourdain, qui s’avère être une répétition.

Les personnages et leurs caractères

Monsieur Jourdain est un bourgeois qui veut acquérir les manières des gens distingués. Il apprend donc les armes, la danse, la philosophie… Mme Jourdain, son épouse, et leur servante, Nicole, se rient de lui et tentent de le ramener à la raison, à la réalité. D’autant que sa fille Lucile désire se marier avec Cléonte, mais celui-ci n’étant pas gentilhomme, Monsieur Jourdain refuse de lui donner sa fille. Ce bourgeois est aussi le courtisantd’une Marquise, Dorimène.

Monsieur Jourdain est le personnage principal du récit. Il est naïf, capricieux…

Madame Jourdain est peu présente dans la pièce. Cependant, elle apparaît pour contredire son mari. Elle est jouée par un homme, comme dans le théâtre de Molière ou de Shakespeare.

Lucile représente la jeune fille amoureuse et naïve.

Nicole campe un personnage audacieux, qui n’a pas peur de s’exprimer devant son maître.

Cléonte est le stéréotype de l’homme amoureux prêt à tout pour être avec Lucile.

La mise en scène

Tous les personnages sont en costume du XVIIème siècle. Au centre de la scène, il y a une lumière, qui peut symboliser la lumière de la connaissance. Au sol, la scène est faite de larges bandes qui convergent vers le centre, ce qui peut signifier l’apport de la connaissance. La scène est ronde : c’est un clin d’œil au théâtre d’Artaud, ou encore du théâtre de Strasbourg. Cette même scène est entourée d’un rideau transparent. Au début de la pièce, quand les comédiens apprennent qu’ils doivent jouer, ce tissu entoure totalement la scène, peut-être pour idéaliser la naissance d'une idée, lorsque le rideau s’ouvrira et laissera place à la petite lampe. Ce tissu va ensuite servir à projeter des décors.

Analyse

Dans cette pièce, Madame Jourdain est jouée par un homme. C’est une transformation par le costume. Nous pouvons faire le parallèle avec le théâtre shakespearien, où les femmes ne pouvaient pas jouer.

Entre les acteurs, il y a des transformations par le maquillage. En effet, des personnages jeunes dans la vie réelle (au début de la pièce) vont devenir vieux à la fin de celle-ci.

Le fait que les acteurs doivent préparer une scène en une nuit est un clin d’œil aux dirigeants russes qui, quand ils voulaient avoir quelque chose, pouvaient l’avoir rapidement. Boulgakov avait parfaitement compris quel tyran totalitaire qu’allait être Staline. Nous voyons d’autant plus cela qu'au milieu d’une scène, il y a l’introduction d’un passage de Dom Juan, celui sur l’hypocrisie du pouvoir.

Boulgakov a choisi Molière car, d’une part, quand celui-ci a quelque chose à dire, il le dit, mais, d’autre part, ils ont eu tous deux eu des œuvres censurées. De plus, en Russie, beaucoup de gens parlaient français, Boulgakov n’a donc eu aucun mal à s’immiscer dans la comédie de Molière.

En outre, dans cette pièce, il y a une critique de la religion, car celle-ci interdit que les acteurs soient enterrés et aient une cérémonie religieuse. Leurs corps sont donc jetés à la voirie. Beaucoup de gens s’en indignaient, dont Voltaire.

L’extravagant Monsieur Jourdain est donc une réécriture du Bourgeois Gentilhomme. Dans la pièce de Boulgakov, nous reconnaissons beaucoup d’éléments de la pièce de Molière, même si le premier approfondit, amplifie certains thème et en rajoute d’autres, notamment celui de la folie de Monsieur Jourdain, car le personnage de Bougakov génère davantage la pitié que celui de Molière, franchement ridicule.

Le design : Peut-on considérer le design comme de l’art ? [article de Sandra]

[Suite à notre sortie à Saint-Etienne du vingt novembre]

… Les points de vue divergent.

Le design peut paraître comme une certaine invention .Force est de constater qu’il y a une recherche du beau, avec un recyclage de matériaux par exemple. En effet, il existe des chaises faites de poupées, mais aussi des commodes dont les pieds forment des sabots. En outre, il y a toute une recherche de recréation de l’objet, chaque petite chose est utilisée pour créer un nouvel objet, qui s’avèrera devenir une œuvre d’art. En outre, le design comprend aussi l’utilisation de nouveaux matériaux. En effet, nous avons pu voir une statue en chaînes, mais aussi toute une exposition de tableaux et d’objets faits à base de récupération de matériaux organiques, plastiques, de tissu… C’est une nouvelle perspective artistique, car l’art prend une nouvelle forme, une nouvelle utilité.

Le design peut cependant seulement apparaître dans une perspective d’amélioration du quotidien et d'innovation au sein de la société de consommation, en adaptant les usages aux besoins contemporains. Dès lors, il s’avère avoir des visées plus scientifiques. En effet, certaines marques tentent d’améliorer leurs produits déjà existants et mettent en valeur leurs changements. Il existe ainsi des ciseaux pour les gauchers, des objets antimicrobiens… Cela n’apparaît pas réellement comme de l’art. De plus, certains objets ont une visée pratique, écologique, comme par exemple un emballage qui se transforme en terreau pour herbes aromatiques. Certes, il y a une recherche de l’esthétique, mais dans un seul et unique objectif, qui est d’acheter le produit. Pour le design, il est nécessaire que ce soit beau, comme avec une tablette de chocolat en forme de camembert, ou un flacon de parfum en forme de rose… De plus, le design peut aussi contribuer aux évolutions sociales, comme une borne qui constitue un abri pour ordinateur, comme l’on trouve aujourd’hui dans la plupart des grandes villes. Cela permet un accès gratuit à Internet, pour les personnes qui ne peuvent pas se payer un abonnement, mais aussi pour celles qui ont une recherche rapide à effectuer…

On peut donc dire que le design est assez différent d’une réelle œuvre d’art, mais que, dans certains cas, les concepts et la représentation peuvent se confondre.

Nous pouvons aussi nous interroger sur la place qu’occupe l’art dans notre société : l’art est il utile pour vendre ?

On serait tenté de répondre oui, car pour vendre un produit, il est nécessaire que cela attire l’attention, que ce soit beau. Cependant, l’art est un domaine à part, car, même si art et design peuvent se mêler, il y a tout de même un fossé entre les deux, qui permet une certaine différenciation. En outre, l’objet d’art et l’objet design n’ont pas les mêmes fonctions. En effet, l’objet design sert dans notre quotidien, tel qu’une douche portative, une gomme, mais encore une voiture électrique. Cependant, l’objet d’art n’est pas utilisable. En effet, on ne peut pas utiliser un emballage posé dans un cadre, ni une maquette…

Dans notre société, l’art est de plus en plus réservé à une élite. En effet, les musées sont principalement dans les grandes villes et parfois, leur entrée coûte cher. Tout le monde n’y a donc pas accès. L’art est donc de plus en plus restreint. Cependant, si l’on considère le design comme de l’art, on se rend compte qu’on « l’utilise », qu’on y a accès tous les jours. En effet, nous avons vu, au musée, des gommes que, nous, élèves, nous possédions pour la plupart. Or, il s’agissait d’un élément de design. Cela remet donc en question l’accès des œuvres d’art à certaines catégories sociales. De plus, aujourd’hui, le design est aussi beaucoup utilisé en décoration, en aménagement du territoire… ce qui conforte l’idée qu’il prend une place de plus en plus importante dans notre société.

Le design et l’écologie

Aujourd’hui, l’écologie est un point sensible et un problème majeur. En effet, elle tend à devenir une question d’avenir. Donc, de plus en plus de techniques, d’objets… sont inventés dans le but de nous rendre tous plus soucieux de l’environnement. Or, le design peut se faire à base de récupération, ce qui est une manière de créer tout en participant à la sauvegarde de notre Planète. De plus, ce qui hier était considéré comme des objets laids devient aujourd’hui du Beau. En effet, il y a toute une mentalité qui évolue avec l’écologie et nous avons un nouveau regard sur les moyens de lutter contre le réchauffement climatique ou de préserver notre environnement.

En outre, comme l’écologie est aujourd’hui d’actualité, on peut se demander si utiliser l’écologie pour le design n’est pas une affaire de marketing, puisque cela attire les consommateurs, qui veulent faire une « bonne action » en voulant sauver la Planète.

POUR PROLONGER L'ESPRIT FESTIF DE NOËL... QUELQUES RECETTES VENUES D'AILLEURS... [de Thibault Duperret]

Les origines de Noël :

Noël est un événement religieux ; le jour de Noël , nous fêtons la naissance de Jésus Christ. Ce qui est un symbole religieux à l'origine est aujourd'hui plus un jour de réunion familiale qui fait l'objet de cadeaux pour les enfants , mais aussi de pâtisseries de Noël ....

Nous connaissons tous la bûche de Noël , dont nous en sommes friands en France ; mais dans les autres pays ?

A chacun ses pâtisseries .....

Un Noël en Grèce :

Au cours des festivités grecques , de nombreuses pâtisseries sont à déguster , mais une en particulier ....

Le Biscuit de Noël grec !

C'est un biscuit 100% pur beurre

Ingrédients

225 g de beurre

1 cuillère à café d’eau de rose

6 cuillères à soupe de sucre glace

250 g de farine

175 g de noix hachées

400 g de sucre glace pour la décoration

Méthode de préparation

Préchauffer le four à 180 degrés C (thermostat 6). Recouvrir une plaque à pâtisserie avec du papier sulfurisé.

Dans un saladier, travailler ensemble le beurre et la vanille jusqu’à obtention d’un mélange lisse. Combiner les 6 cuillères à soupe de sucre glace avec la farine et incorporer le tout au beurre vanillé. Ajouter les noix. Rouler cette pâte en forme de petites boules de 2,5 cm, et les placer sur une plaque à pâtisserie en les espaçant de 5 cm l’une de l’autre.

Cuire pendant 12 minutes dans le four préchauffé.

Dans le même temps, placer le reste du sucre glace dans un plat peu profond ou dans un moule à tarte. Au sortir du four, retirer délicatement des plaque à pâtisserie les biscuits encore bien chauds et les rouler dans le sucre glace. Une fois refroidis, les rouler à nouveau dans le sucre glace. Conserver les biscuits dans une boite hermétique, avec le reste du sucre glace saupoudré stout autour.

Si vous ne pouvez pas trouver d’eau de rose, utilisez une cuillère à café d’extrait de vanille à la place. On peut aussi remplacer les noix par des amandes pilées si l’on préfère.

Un Noël en Allemagne :

Quand arrive la période de la Saint Nicolas et de Noël , les Allemands préparent des «Plätzchen « , qui sont de petits gâteaux sablés allemands .

Ingrédients

300 g de farine

80 g de sucre

175 g de beurre

2 jaunes d'oeufs

100 g d'amandes

une gousse de vanille

1 paquet de sucre vanillé

Méthode de préparation

Mélanger la farine , le sucre , le sucre vanillé , le beurre en petits morceaux , les jaunes d'oeufs et la vanille dont il faut extraire les grains de la gousse . Ne vous étonnez pas si c'est dur de mélanger le tout . Malaxer longuement avec les mains pour former une boule de pâte homogêne .

Ensuite laisser reposer 2 heures minimum dans le frigo , la boule entourée d'un film transparent .

Puis préchauffer le four à 180°C .

Former par la suite de petits croissants , avec de petits bouts de pâte , de 5 centimètres de long , puis les poser sur une plaque recouverte d'une feuille de papier sulfurisé ; ensuite laisser cuire pendant 15-20 minutes .

JOURNAL N°4 LE CANETON ILLUSTRE

noreply@hautetfort.com (BR) — Sat, 04 Jul 2009 12:03:48 +0200

Quelques sujets qui nous ont passionnés, bouleversés, en cours ou en dehors...

* YVES KLEIN :

Yves Klein (1928 – 1962)

Yves Klein est un peintre qui utilisait la technique de l’anthropométrie appelée également : technique des pinceaux vivants, c’est-à-dire qu’il utilisait le corps de femmes pour réaliser ses œuvres.
De plus, il se servait presque exclusivement de la couleur bleue. Il a d’ailleurs inventé une nouvelle couleur : le bleu Klein.

Il veut éloigner la main de l’artiste de ses œuvres et fait en sorte qu’elles soient plus impersonnelles en peignant grâce à un rouleau ou une éponge, ce qui supprime les traces de pinceaux.

Il a participé en 1960 à la fondation du nouveau réalisme avec d’autres artistes tels que Gérard Deschamps, François Dufrêne ou encore Mimmo Rotella.

Anthropométrie de l’époque bleue

Ses principales œuvres sont : Anthropométrie de l’époque bleue (1960), Monochrome bleu (1960), Ci-git l’espace (1960), « l’arbre », grande éponge bleue (1962)

« l’arbre »

* LES ENFANTS SOLDATS

Pourquoi les enfants soldats ?
Les enfants sont beaucoup plus petits et physiquement moins forts que les adultes, il est donc plus facile de les intimider que les individus plus âgés. De plus, ils mangent moins que les adultes et coûtent moins cher en général. Il est aussi plus facile de se procurer des armes automatiques légères, ce qui signifie que la force physique n’est désormais plus nécessaire pour combattre : même un enfant de 9 ans peut épauler un AK-47.

Les filles et garçons les plus petits sont postés le plus près de l’ennemi puisqu’ils ont moins de valeur et sont plus faciles à remplacer. Souvent, on les force à prendre des drogues afin qu’ils surmontent leur peur et leur réticence à combattre et soient moins conscients de l’horreur de leur geste.

Les guerres civiles
De nombreux pays emploient des enfants dans l'armée et dans la guérilla, : en Angola, au Cambodge, en Birmanie, dans les pays musulmans, la plupart de ces enfants, à partir de 10 ans, se battent auprès des militaires adultes ; aussi beaucoup de ces enfants sont -ils envoyés en première ligne ... Dans ces pays, les valeurs humaines ne sont pas comme les nôtres : chez nous, un enfant est une personne à part entière que l'on protège et non que l'on envoie au sacrifice ultime...

Soldats ?
Les enfants-soldats sont fréquemment drogués pour devenir insensibles à la peur et à la violence. Ceux qui refusent la drogue sont abattus. Même des enfants de moins de 12 ans furent exécutés pour avoir refusé d'obéir ou de prendre de la drogue... On entraîne les soldats à ne plus voir l'ennemi comme une vraie personne, on leur montre surtout les différences... Ils ne sont pas comme nous... Cela devient un peu comme du "racisme organisé".

Leur vie
La vie pour ces petits soldats s’avère très dure pour eux. Ils vivent en permanence dans la peur avec la crainte d’être tués, emprisonnés, s’ils tentent de fuir. Mais même ceux qui réussissent ont peu d'espoir. Ils ont peur de retourner chez eux. Beaucoup finissent par rejoindre des groupes d'opposition et se battent alors contre leurs anciens ravisseurs.

Où se trouvent-ils ?
Parmi les 41 pays qui les exploitent, (contre 30 il y a trois ans), le plus grand nombre de petits soldats se trouve en Birmanie : les enfants-soldats y seraient environ 50.000. Ils sont aujourd'hui moins nombreux au Proche-Orient ou en Amérique latine, en raison de la réduction du nombre des conflits. Ils seraient 120.000 dans les différentes guerres d'Afrique, et combattent aussi dans les rébellions des Philippines, de Papouasie Nouvelle Guinée, et les conflits de Macédoine, de Colombie.

Pourquoi dans ces pays ?
Les causes de ces conflits sont les mêmes depuis longtemps : pouvoir, terres ou autres ressources, droits des peuples, ethnie, religion et différences raciales. Les environnements naturels qui se dégradent de plus en plus, les ressources se font moins abondantes et la croissance de la population font que les difficultés à survivre augmentent. La mondialisation offre des avantages économiques, mais accroît en même temps le fossé entre les riches et les pauvres. Tous ces facteurs augmentent les tensions, d’autant plus que les armes comme les AK-47 sont bon marché et faciles à obtenir. Les conflits actuels sont différents des précédents, car la majorité des victimes, (jusqu’à 90 %) ne sont plus des soldats, mais des civils. Et la moitié de ces civils sont des enfants.

Mesures prises :
Le Conseil de sécurité de l’ONU a condamné, le 12 février la poursuite des pratiques de recrutement d’enfants soldats et déploré l’usage systématique du viol et d’autres formes de violences sexuelles contre les enfants dans les conflits armés. Le Conseil a adopté une déclaration, qui n’est pas contraignante mais acceptée par les 15 membres, dans laquelle il souligne “la nécessité d’adopter une stratégie générale de prévention des conflits qui s’attaque aux causes profondes des conflits armés de manière exhaustive, afin d’améliorer durablement la protection des civils“.
Le Conseil a mis en oeuvre des mécanismes de surveillance de la maltraitance des enfants dans les conflits armés prévus dans la résolution 1612 des Nations unies, adoptée en juillet 2005.

Certains enfants sont recrutés dés l'age de 8 ans....

* UN PEU D'EXOTISME... ET DE REFLEXIONS SUR LA TOLERANCE :
Et si nous partions à la recherche du mythe de Quetzalcoalt ? Si nous cherchions à percer son secret, à savoir ce qui se cache derrière ce nom plein de mystères ? Pour ensuite aborder ensemble le débat de la Controverse de Valladolid.
Tout d’abord, un peu d’histoire et de culture . . .
La mythologie aztèque
Les historiens utilisent le terme Méso-Amérique pour décrire la partie de l'Amérique Centrale (principalement le Mexique) qui constituait une unité culturelle et religieuse avant la conquête espagnole du XVIe.
La région est une mosaïque de paysages contrastés qui va des déserts du nord aux forêts tropicales du sud. Il y avait tantôt trop de pluie, tantôt pas assez, les lits des fleuves secs se transformaient en violents torrents pendant la nuit et les tremblements de terre secouaient le sol. Les civilisations qui y vivaient pensaient alors que ces phénomènes étaient dûs aux Divinités.
Les Aztèques ne furent pas les premiers à penser que le sacrifice humain apaiserait les dieux. La religion des Toltèques (dont la capitale Tula a été construite au XIe) était tout aussi assoiffée de sang. Cependant, nous avons plus d’informations sur les pratiques aztèques. Par exemple pour aider le soleil appelé Huitzilopochtli dans sa lutte quotidienne contre les forces nocturnes, il fallait le nourrir de cœurs et de sang humain, et les ennemis faits prisonniers lors des batailles militaires servaient de victimes sacrificielles.
Pour la plupart des historiens, l'origine de Quetzalcóatl se trouve dans la religion et l'art mésoaméricains pendant près de 2 000 ans jusqu'à la conquête espagnole. Parmi les civilisations qui pratiquaient son culte, on trouve les Aztèques, le peuple maya et surtout les Toltèques. Dans la mythologie, Les Aztèques intégrèrent Quetzalcóatl et le vénérèrent comme patron des prêtres, inventeur du calendrier et protecteur des artisans. La vénération de Quetzalcóatl incluait parfois des sacrifices humains, bien que certaines traditions affirment qu'il était opposé à ces pratiques.
Les Aztèques avaient un système de croyance dualiste. L'opposé de Quetzalcóatl était Tezcatlipoca.
Quetzalcóatl : le Serpent à Plumes
Quetzalcóatl dont le nom signifie "serpent à plumes" et "jumeau précieux" est un serpent-oiseau. En nahuatl, quetzal signifiant « oiseau » et coatl, « serpent ». Il était une divinité majeure du panthéon aztèque. Quetzalcóatl, chez les Toltèques et les Aztèques, est un dieu et un roi légendaire. Principale divinité créatrice, dieu du Vent, de la Vie, de la Fertilité, associé d'abord à la végétation puis à la planète Vénus. Selon la tradition, Quetzalcóatl est représenté comme un serpent à plumes vertes de quetzal mais aussi parfois comme un vieillard blanc à longue barbe et vêtu d’une longue robe. Sa figure et son corps sont parfois peints en noir et il porte un masque au nez pointu coloré en rouge. L’origine de son culte est vraisemblablement issue de l’est du pays. Les principales cités qui l’ont vénéré sont Tula, Cholula ou encore Tenochtitlan.
La signification exacte et les attributs de Quetzalcóatl ont varié entre les civilisations et au cours de l'Histoire. Quetzalcóatl était souvent considéré comme le dieu de l'étoile du matin et son jumeau, Xolotl, celui de l'étoile du soir. En tant qu'étoile du matin, Quetzalcóatl était aussi connu sous le titre de Tlahuizcalpantecuhtli, littéralement « le maître de l'étoile de l'aube ». Il était aussi considéré comme l'inventeur des livres et du calendrier, comme celui qui avait offert le maïs à l'humanité, et quelquefois comme le symbole de la mort et de la résurrection.
Prêtres et rois prenaient quelquefois le nom du dieu auquel ils étaient associés, ce qui fait que Quetzalcóatl est aussi le nom porté par des personnages historiques. Son nom a été donné à un oiseau mexicain.

Les légendes De Quetzalcóatl
La majeure partie de la Méso-Amérique croyait en un monde cyclique. La période durant le règne de Quetazalcoalt était ainsi considérée comme le cinquième monde, les quatre précédents ayant été détruits par un déluge, le feu et d'autres catastrophes. Quetzalcóatl avec son jumeau, le dieu à tête de chien Xolotl, se serait rendu dans l'Inframonde, appelé Mictlan, gardé par son père Muctlantecuhtli, dieu des Morts où il trouva les ossements d'un homme et d'une femme morts lors des quatre cataclysmes cosmiques. Il s'empara des ossements brisés et fuit la colère du seigneur du royaume des Morts. Il arriva ensuite devant la déesse du Foyer Cihuacoatl (Femme Serpent) qui broya les os. Quetzalcóatl les arrosa du sang de son pénis et c'est ainsi que l'humanité fut créée une nouvelle fois.

Son principal ennemi est son frère Tezcatlipoca, dieu de la Nuit et de la Guerre. Car tandis que Quetzalcóatl demandait à ses sujets de faire des sacrifices pacifiques (offrande de jade, d'oiseaux, de serpents, de papillons), Tezcatlipoca voulait imposer des rituels plus sanglants. Celui-ci lui fit alors boire une boisson qui l’enivra, ce qui l'obligea à céder aux charmes de sa sœur Quetzalpetlatl. Par ce stratagème, Tezcatlipoca chassa son frère, honteux et déshonoré, de la capitale toltèque, Tula. Selon certaines légendes Quetzalcóatl s’immole, se transforme en oiseau puis en l’étoile la plus brillante du ciel, Vénus. Selon d’autres légendes, il brûle ses maisons, enterre ses trésors et part sur la mer de l’Est, accompagné de ses serviteurs transformés en oiseaux tout en promettant de revenir. C'est pourquoi, lorsque le conquérant espagnol Cortés débarque en 1519, le roi aztèque Moctezuma II le prend pour le dieu revenu d'exil.

La légende de l'exil de Quetzalcóatl reflète sans doute des changements survenus dans la religion et dans la société toltèques, comme le déclin des cérémonies traditionnelles associées au dieu, au profit des sacrifices humains, liés à la prise de pouvoir des classes guerrières.

Maintenant que nous en savons un peu plus sur la pratique religieuse des Aztèques et sur Quetzalcoalt, nous pouvons traiter la controverse de Valladolid.

La controverse de Valladolid.
Tout d’abord, une controverse est un débat, une contestation sur une question qui fait polémique.
Dès la découverte de populations dans la Méso-Amérique en 1492, par l'expédition de Christophe Colomb, une grande différence technologique et de mœurs est remarquée entre les Européens et ces habitants du Nouveau monde. Les Conquistadors espagnols organisent la conquête du Mexique, le pillage de ces territoires et l'appropriation forcée des terres des indigènes. Les populations autochtones sont évangélisées, contraintes aux travaux forcés, et organisées dans différents systèmes. Elles résistent mal à ces changements brutaux de mode de vie, de structure sociale, et au travail forcé. Leur système immunitaire est inadapté face aux virus apportés par les colons, auxquels leur organisme n'est pas préparé. En moins de dix ans, de 1511 à 1520, la population autochtone de Cuba est décimée, et ce schéma se répète sur toutes les côtes d'Amérique du Sud.
La controverse de Valladolid porta donc en 1550 sur le statut des Indiens d'Amérique et opposa le dominicain Bartolomé de Las Casas et le philosophe Sepúlveda, dans la ville de Valladolid.
Le débat devait statuer sur la question de l'humanité des Indiens, et surtout savoir s'ils avaient une âme. Ce débat se tint dans un couvent de Valladolid, près de soixante ans après le premier voyage de Christophe Colomb. Le dominicain Las Casas est l'orateur défendant l'humanité des Indiens ; pour lui, les Espagnols, avides de conquête, ont nié l'évidence, soumettant et massacrant les indigènes. Face à lui, le philosophe Sépulvéda affirme que certains peuples sont nés pour être dominés. Tous deux s'entendent néanmoins sur un point : le nécessaire salut des âmes par le Christ.
La controverse se solde par la pseudo victoire de Bartolomé de Las Casas, rendant ainsi aux Indigènes un salut et une preuve de leur existence en tant que créatures à part entière. Malheureusement, cette conquête de l’individu engendrée par des idées de supériorité de certains voit cette avidité à asservir se tourner vers de nouveaux peuples comme les Noirs d’Afrique, perpétuant ainsi la vague de domination…

* L’INVESTITURE DE BARACK OBAMA
Le vingt janvier Barack Obama a officiellement pris les commandes de la Maison Blanche, suite à son élection du quatre novembre. Plusieurs millions de personnes se sont pressés a Washington afin d’assister, en direct, à cette cérémonie suivie dans le monde entier.
Cette cérémonie fut extrêmement médiatisée car elle a été financée, en grande partie, par des stars de Hollywood, elles aussi victimes de la vague d’ « Obamania » que l’on a vu déferler sur le monde entier. De plus, de nombreuses stars étaient présentes telles que Steven Spielberg ou encore Sharon Stone.
Lors de cette cérémonie, le quarante-quatrième président des Etats-Unis, a prété serment sur les marches du Capitole.
Nous avons eu la chance, en cours d'Anglais, de pouvoir suivre tout cela quasi en direct grâce à notre correspondance avec une journaliste américaine.

* Les T.P.E de Première L/ES

Depuis 1999/2000, des expérimentations ont été menées dans quelques classes de lycée. En 2001, ce fut l'instauration dans toutes les classes de Première et Terminale et finalement 2005/2006 l'on assista à l'évaluation en Première et à la suppression de ces T.P.E en Terminale.

Les T.P.E (travaux pratiques encadrés) sont des sujets de recherche avec différents couplages de matières (ex : Lettres/Histoire), le choix de mélanger entre les différentes sections de première L et ES nous était offert. On doit traiter le ssujets à peu près comme des sujets d’E.C.J.S de Seconde, mais avec plus de sérieux étant donné que cette épreuve compte pour le Baccalauréat en tant qu'option obligatoire…

C’est une expérience intéressante car on peut se documenter sur un ou plusieurs sujets. A la base, il y a un sujet de départ mais on peut dériver sur des sujets bien différents : par exemple, nous avions un sujet sur la caricature et Plantu, mais nous sommes finalement arrivés sur des sujets comme l’Europe, l’immigration en France ou encore le conflit israélo-palestinien.

La préparation des T.P.E se déroule pendant la moitié de l’année (jusqu’en mars environ) afin d’être prêt à passer l’oral qui consiste à présenter le document élaboré par le groupe et à répondre aux questions des examinateurs, celles-ci comportant essentiellement sur les sujets traités par chaque membre du groupe.

La présentation orale fut le moment le plus stressant, il faut maîtriser le contenu complet du dossier, avoir réfléchi aux questions que les examinateurs peuvent nous poser et faire attention à sa tenue physique et vestimentaire. Mais, fort heureusement nous avions été préparé par nos encadrants, les professeurs de Français, d’Histoire/Géographie et de Sciences Economiques et Sociales.

Pour finir, les T.P.E sont en fait, des points à engranger facilement pour le BAC de Première, il faut savoir en tirer avantage.

* Les 3 royaumes de John Woo

En 208 après J.-C., l'empereur Han Xiandi règne sur la Chine pourtant divisée en trois royaumes rivaux. L'ambitieux Premier ministre Cao Cao rêve de s'installer sur le trône d'un empire unifié, et se sert de Han Xiandi, l’empereur, pour mener une guerre sans merci contre Shu, le royaume du sud-ouest dirigé par l'oncle de l'empereur, Liu Bei. Ce dernier, charge Zhuge Liang, son conseiller militaire, comme messager au royaume de Wu pour tenter de convaincre le roi Sun Quan d'unir ses forces aux siennes. A Wu, Zhuge Liang rencontre le vice-roi Zhou Yu. Très vite, les deux hommes deviennent amis et concluent un pacte d'alliance.
Furieux d'apprendre que les deux royaumes se sont alliés, Cao Cao envoie alors une force de 800 000 soldats et de 2 000 bateaux pour les écraser. L'armée campe dans la Forêt du Corbeau, de l'autre côté du fleuve Yangtze qui borde la Falaise Rouge où sont installés les alliés. Face à la supériorité numérique de Cao Cao, le combat semble joué d'avance, mais Zhou Yu et Zhuge Liang ne sont pas décidés à se laisser faire...

Adapter le roman de Luo Guanzhong était un vieux rêve pour Woo, qui a attendu d'avoir la technologie et les moyens nécessaires pour porter à l'écran la plus célèbre de toutes les histoires de Chine. L'Histoire des Trois Royaumes a en effet été écrite au XIIIe siècle, mais c'est encore à ce jour le livre le plus populaire en Asie. Néanmoins, le cinéaste chinois admet avoir voulu respecter davantage les événements historiques, alors que le roman, lui, tend à amplifier l'aspect légendaire du récit dans un souci, on le comprendra, de servir les enjeux narratifs et l'intensité dramatique de l'histoire. Et puis, la bataille de la Falaise Rouge ayant eu lieu en l'an 208 après J.-C., on excusera l'inexactitude du livre, et on appréciera l'effort du réalisateur à coller au plus près à la réalité même s'il a repris certains éléments fictifs de l'oeuvre originelle.

Voilà de quoi il est question avec Les 3 Royaumes. L'on assiste à une fresque épique majestueuse comme on n'en avait plus vu depuis Kingdom Of Heaven, une super-production ayant tout emporté sur son passage en Asie, délogeant Les Seigneurs de la Guerre du trône qu'occupe le plus grand succès au box office là-bas.

Dès les premières minutes, on est bluffé: bluffé de constater avec quelle extrême minutie John Woo met en place une certaine intensité dramatique. En prenant le soin de présenter un à un de manière quasi-théâtrale chaque protagoniste important de son histoire, le metteur en scène appuie fortement sur la dimension héroïque de ses personnages. S'il est vrai qu'il continue à travailler sur la dualité, on sent que ses aspirations ne sont plus tout à fait les mêmes. Woo semble davantage préoccupé par le besoin de rendre accessible à tous un héritage culturel propre au peuple chinois en le dissimulant, c'est à dire en favorisant l'aspect spectaculaire grâce à un savant dosage de simplicité et de virtuosité, là où il aurait fut un temps privilégier uniquement l'action.

Ce besoin de partager des idéaux chinois se constate tout d'abord dans le soin apporté aux décors et aux effets visuels du film plutôt qu’aux scènes d’arts martiaux. D'une beauté saisissante, les lieux trouvés par John Woo permettent de magnifier l'impact de chaque plan sur notre regard. D'autant que plusieurs champs de bataille sont explorés et permettent de diversifier à la fois les paysages et le type de bataille, puisqu'en plus des joutes armées, un combat naval dantesque vient s'immiscer entre deux coups de lance.

Cependant, ce qui laisse avant tout pantois est la mise en scène dynamique et pleine de fureur du cinéaste. Ses scènes d'action, longues et complexes, sont pourtant d'une incroyable lisibilité au point de n'en perdre aucune miette. Aucun plan n'apparaît superflu, tout a un but et tout conduit à faire entrer le spectateur dans le feu de l'action. Là où il y a une vingtaine d'années Woo aurait utilisé à outrance un ralenti stylisé, aujourd'hui la forme semble enfin être en parfaite adéquation avec le fond. Le cinéma de Woo a évolué. On sent avec Les 3 royaumes qu'il a trouvé d'autres clés pour prolonger l'impact dramatique de certaines scènes.

Plus encore, être devant Les 3 Royaumes, c'est avoir l'impression de lire en temps réel L'Art de la Guerre de Sun Tzu tant le long métrage se penche sur chaque aspect décrit dans le tout premier traité de stratégie militaire, de la question du moral des troupes aux tactiques guerrières efficaces (lire le douzième chapitre intitulé "De l'art d'attaquer par le feu", et vous comprendrez en regardant le film à quel point John Woo et son équipe ont fait des merveilles). Apportant un cachet des plus réalistes, cette quantité de génie stratégique donne à voir également des scènes de combat spectaculaires et imposantes, comme celle où l'armée de Cao Cao se retrouve enfermée dans un carcan de lances et de boucliers à faire pâlir les stratégies romaines. En une séquence, tout ce que l'on a pu voir jusqu'à présent au cinéma est balayé d'un simple geste, les batailles de Braveheart ou de Gladiator apparaissant comme de simples esquisses devant une telle maîtrise et une telle preuve d'inventivité visuelle pour rendre compte des larmes et du sang laissés sur le champ de bataille.

Pourquoi Les 3 Royaumes n'est pas le film de l'année ? Tout simplement parce que nous autres, Occidentaux, n'avons pas hérité de la bonne version. En effet, la version internationale du long métrage actuellement sur nos écrans français ne dure que 2H25, alors que la version asiatique se décline en deux films d'une durée totale de 4H40, soiten 2H15 de film ayant tout simplement été supprimées ! Et il est difficile de ne pas voir qu'il y a un réel manque tant cette version est clairement orientée vers l'action au point de faire perdre à cette histoire une grande partie de sa dimension politique et humaine. Une essence que l'on sent esquintée par un montage sensé nous plaire davantage, mais qui au final laisse dubitatif sur la vision qu'ont les producteurs chinois sur les spectateurs occidentaux. C’est à se demander si, nous, les Occidentaux, ne passons pas pour des spectateurs assoiffés de sang et d’action.

Qu'à cela ne tienne, ne boudons pas notre plaisir et profitons de cette variante édulcorée en attendant de voir peut-être un jour atterrir dans nos vertes contrées la version ultime de ce chef-d'oeuvre en puissance qu'on ne peut décidément pas rater sous peine de rater l'un des plus grands films d'un homme qui, s'il n'a pas révolutionné le cinéma comme un Lucas, n'en a pas moins marqué son temps.

John Woo espérait faire avec Les 3 royaumes un film où le public occidental aurait le sentiment de regarder une "guerre de Troie asiatique". Qu'il se rassure, il a fait bien plus que cela.

* LA VIE PARISIENNE - OFFENBACH
Acte I
La gare de l'Ouest[]
Deux gandins, Raoul de Gardefeu et Bobinet, attendent à la gare leur maîtresse, la demi-mondaine Métella. La jeune femme se présente au bras de Gontran, un troisième amant et feint de ne pas les reconnaître. Raoul et Bobinet décident de se remettre à fréquenter les femmes du monde. Gardefeu reconnaît Joseph, son ancien domestique devenu guide (cicérone) du Grand-Hôtel. Comme il attend un couple de suédois qui vient découvrir la "vie parisienne", Raoul a l'idée de se substituer à lui pour pouvoir faire la cour à Madame. Raoul de Gardefeu accueille donc le baron de Gondremarck et Madame et leur promet de leur faire visiter tout Paris. L’acte se termine avec l’arrivée au milieu d'un ensemble de voyageurs étrangers d'un riche Brésilien, bien décidé à se ruiner joyeusement en profitant au maximum lui aussi de "la vie parisienne".
Acte II
L'hôtel particulier de Gardefeu
Gardefeu a entraîné le couple à son domicile promu pour l’occasion "Grand-Hôtel". Il convainc ses hôtes qu'ils sont dans une annexe du Grand-Hôtel. Resté seul avec son guide, le baron voulant "s'en fourrer jusque là !" lui demande de le mettre en relation avec une certaine Métella, auprès de laquelle il est recommandé. Gardefeu accuse le coup, mais promet de lui faire rencontrer son ex-maitresse. Justement Métella se présente. Elle lit la lettre de recommandation, mais fait attendre le baron.
Avec la complicité de Bobinet, Raoul envisage de faire inviter le baron à une soirée à laquelle la baronne ne sera pas conviée, afin qu'il ait le champ libre pour lui faire la cour. Comme le baron a exigé de souper à une table d'hôte, Raoul invite en catastrophe ses employés et fournisseurs dont la gantière Gabrielle serrée de près par Frick le bottier, qui se feront respectivement passer pour Mme de Sainte-Amaranthe, veuve d'un colonel, et le major de table d'hôte Édouard.
Acte III
L'hôtel particulier de de Mme de Quimper-Karadec
Dans l’hôtel particulier de Mme de Quimper-Karadec, la tante de Bobinet partie "prendre les eaux", tous les domestiques s'activent pour recevoir le baron. Bobinet doit se déguiser en amiral suisse, Pauline, la femme de chambre et tous les domestiques en amirale, prince et duchesses diverses.... A son arrivée, Gondremarck est un peu surpris par l'allure des invités. Mais il est vite subjugué par Mme l'Amiral, alias Pauline (Duo L'Amour, c'est une échelle immense). La soirée se poursuit entre habit qui a craqué dans le dos et griserie.
Acte IV
L'hôtel particulier de Gardefeu (supprimé dans la version de 1866)
Chez Gardefeu, la baronne qui revient seule des Italiens s'apprête à tomber dans les filets qu'a tendus le jeune homme. Mais l'arrivée inopinée de la douairière de Quimper-Karadec compromet le plan. Celle-ci se substitue à la baronne à l'insu de Gardefeu et se laisse courtiser jusqu'à la découverte du pot-aux-roses. Elle se retire dans la chambre à coucher, certaine que Gardefeu ne pourra se dérober. Mais par un dernier tour de passe-passe c'est le baron, complètement saoul, qui deviendra la proie innocente des appétits de la douairière.
Acte V
Un salon du Café anglais.
Le baron est furieux de la supercherie dont il a été l'objet. Pour l’heure, il a un rendez-vous avec Métella qui se présente suivie d'une femme masquée. Au même moment arrive le Brésilien accompagné par Gabrielle, sa dernière conquête puis Gardefeu et Bobinet. C'est l'instant des explications. Gondremarck reconnait sa femme dans la dame masquée et devra donc retourner sagement en Suède. Métella retrouve Gardefeu... et Bobinet Mais en attendant tous s'en vont souper en célébrant "La Vie Parisienne".
Les personnages
Gabrielle alias Mme de Sainte-Amaranthe, gantière (soprano)
Le Brésilien (ténor)
Frick alias le major Édouard, bottier (ténor)
Prosper alias le prince de Manchabal, domestique de Mme de Quimper-Karadec (ténor)
Le baron de Gondremarck, suédois (baryton)
La baronne de Gondremarck, sa femme (soprano)
Métella, demi-mondaine (mezzo)
Bobinet alias l'amiral Walter, gandin (ténor ou baryton-Martin)
Gardefeu, gandin (ténor)
Pauline alias Mme l'Amiral, femme de chambre de Mme de Quimper-Karadec (soprano)
Urbain alias le général Malaga de Porto-Rico, domestique de Mme de Quimper-Karadec (baryton)
Clara, Léonie, Louise, nièces du concierge (sopranos)
Alfred, maître d'hôtel (baryton)[2]
La douairière de Quimper-Karadec (mezzo ou "Desclausas"), tante de Bobinet[3]
Mme de Folle-Verdure, sa nièce[3]
Gontran, gandin (ténor ou baryton-Martin)
Joseph, guide (rôle parlé)
Alphonse, domestique de Gardefeu (rôle parlé)
L'employé des Chemins de fer (rôle parlé)
Caroline, Julie, Augustine, nièces du concierge (sopranos)[2]
Albertine, Charlotte, "cocottes" (rôles parlés)[2]
Voyageurs, employés, bottiers, gantières, invités (chœur)

* MARGUERITE DURAS : UN BARRAGE CONTRE LE PACIFIQUE
I) Biographie de Marguerite Duras

Marguerite Duras est née le 4 avril 1914, à Gia Dinh, agglomération du nord de Saïgon, dans une famille de fonctionnaires français. Le pseudonyme de Duras lui vient d’une commune du sud-Ouest de la France, lieu d’origine de la famille paternelle. Son père meurt en 1918, et sa mère, institutrice, reste seule avec Marguerite et ses deux frères plus âgés : la grand frère et le petit frère, celui dont elle partage tous les jeux. La mère achète une concession à Vin Long sur les bords du Mékong. Or sa propriété se révèle incultivable, envahie régulièrement par la mer, malgré le barrage qu’elle tente de dresser contre le Pacifique. La mère qui est proche de la folie manifeste une préférence pour le frère aîné qui finira par la dépouiller. A l’âge de douze ans, Marguerite connaît une crise très grave avant son départ pour le pensionnat de Saigon. Elle y est fascinée par la beauté d’une femme de la colonie européenne, Elizabeth Striedter, qui deviendra dans son œuvre Anne-Marie Stretter. Elle y rencontre celui qui sera l’amant chinois.
Elle retourne en France en 1932, définitivement. Elle fait des études supérieures et épouse Robert Antelme en 1939. Les années 1942-1943 sont un tournant essentiel : elle perd à la naissance son premier enfant. Elle apprend, peu après, la mort de son plus jaune frère durant la guerre sino- japonaise et elle éprouva une très grande douleur.
L’année 1943, est pour elle la terrible prise de conscience du sort fait aux Juifs. Marguerite Duras et son mari rejoignent la Résistance, son mari est arrêté et est sauvé par miracle des camps. Son fils, Jean Mascolo, naît en 1947. A partir de 1950, sa vie est marquée par la succession de ses livres :Un Barrage contre le Pacifique manque de peu le prix Goncourt, Le Square marque la critique qui y voit l’émergence d’un nouveau genre littéraire.
Différente dans l’enjeu, dans le pacte avec ses lecteurs : à partir de 1984, avec L’Amant, elle dit ouvertement « je », je suis le jeune fille qui a eu, à seize ans, à Saigon, un riche amant chinois, au mépris de toutes les conventions sociales. Cet aveu chez un écrivain dont la réputation d’intellectuelle était pour le grand public synonyme d’austérité, la limpidité de l’écriture, le caractère exotique du thème font partie des raisons de succès du livre. Elle a le désir de prendre la parole sur tous les sujets, à tout moment et en toute liberté.
Elle tente la fusion de l’écriture avec les arts de la représentation (le théâtre et le cinéma) de façon originale en lui donnant une dimension théâtrale, sans enlevé au texte son aspect romanesque. Marguerite DURAS est morte le 3 mars 1996.

II) Résumé et analyse de l’oeuvre

L’histoire se passe en Indochine, où une famille s’est installée. Ceux qui sont chargés de s’occuper de la colonie leur donnent un espace qui n’est pas exploitable car chaque année le Pacifique inonde leurs cultures. La mère de Joseph et Suzanne est désespérée car elle a beaucoup travaillé et son rêve et ses espoirs sont tombés à l’eau .Elle décide alors de faire un barrage contre le Pacifique à l’aide de paysans avec l’accord de la colonie. Cette réponse qu’elle attend tarde à arriver car ce n’est pas dans l'intérêt des Autorités de construire ce barrage car s'ils ne produisent pas une certaine quantité qui leur est imposée, ils sont renvoyés de la colonie, qui récupère ainsi les terrains.
La mère reçoit la réponse et avec les paysans construit ce barrage. La période où le Pacifique sort de son lit, leur barrage ne résiste pas. Cette expérience va la plonger dans un profond pessimisme. Ses deux enfants, Joseph et Suzanne l’aident à entretenir ce domaine.
Tous trois vont parfois à la ville qui est un peu éloignée de leur domicile. Ils se rendent dans un bar et rencontrent Mr Jo, un homme riche attiré par Suzanne qui est une belle jeune fille. Sa mère aimerait que Suzanne se marie avec lui pour qu’il puisse avoir de l’argent. Son frère ne l’aime mais il est intéressé par son argent. Il vient régulièrement voir Suzanne et lui offre beaucoup de cadeaux, sous la surveillance de son frère et de sa mère, pour le forcer à se marier avec elle. Il ne cède pas. Comme il voit qu’ils veulent le renvoyer, il va offrir à Suzanne un diamant. C’est un homme qui n’a pas de qualités et qui se sert de l’argent pour obtenir ce qu’il veut. Ils vont se rendre en ville pour vendre le diamant et vont en profiter, maintenant qu’ils ont obtenu ce qu’ils voulaient , pour renvoyer Mr Jo. La mère se rend dans différentes bijouteries. Les joailliers lui disent que le diamant comporte un défaut et que le prix sera moins important. Elle refuse car veut en obtenir le prix que Mr Jo lui a dit qu’il valait. Ils vont rester un certain temps dans un hôtel dont ils connaissent l’hôtesse, Carmen, qui est l’amante de Joseph. Durant le temps qu’il séjourne dans cet hôtel, Joseph va partir, sans prévenir sa mère et sa sœur, qui sont très inquiètes. Sa mère, qui est une femme sensible, va tomber dans une dépression et va rester au lit pendant des jours grâce à des cachets.
On s’aperçoit dans cette œuvre qu’elle joue un peu la comédie et est manipulatrice car elle empêche ses enfants de partir en faisant des scènes pour qu’il ne s'éloignent pas, avec des discours pour les culpabiliser. Elle sait que s'ils la laissent ,elle n’arrivera pas à subvenir à ses besoins. Elle est également violente car elle bat sa fille sous prétexte quelle a eu des relations sexuelles avec Mr Jo ; en revanche, elle ne frappe pas son fils car elle sait qu’il est plus fort qu’elle. Elle profite de la faiblesse de Suzanne. Cette dernière est très attachée à son frère et veut avoir les mêmes opinions puisque c'est en parti de sa faute si Suzanne n’apprécie pas Mr Jo. Elle est rêveuse et attend qu’un jeune homme vienne près de chez elle (qui est un lieu très à l’écart) et l’emmène ailleurs pour fuir la misère car à cet endroit beaucoup d’enfants meurent faute d'argent suffisant.
Joseph, est un garçon égoïste car il ne pense qu’à ses plaisirs personnels qui sont la chasse et la vie facile. Comme Suzanne il veut partir de cet endroit pour fuir la misère. Il a également un caractère fort ce qui lui permet de s’imposer en société, en particulier lorsque un agent de la colonie vient contrôler leur domaine et leur dit qu’il n’y a pas de récolte. Joseph voyant qu’il s’en prenait à sa mère assura sa défense en montrant que le domaine était incultivable et le menaça avec un fusil.
Joseph revint les voir et ils repartirent chez eux. Il leur annonça qu’il allait quitter la maison car il avait rencontré une femme qu’il aimait et que c’était elle qui avait acheté le diamant au prix que Mr Jo avait fixé. Un soir, elle vint le cherché. Quelque temps après, leur mère mourut. Il vint voir leur mère et ce fut un moment d'intense tristesse. Suite à cela, Suzanne partie avec son frère et la maîtresse de ce dernier.

IMPORTANT SUPPLEMENT AU CANETON N°2

noreply@hautetfort.com (BR) — Sun, 01 Mar 2009 22:34:00 +0100

Le défi Anthony

C’est une association qui a été créée pour soutenir les familles touchées par la leucémie et pour collecter des fonds pour aider la recherche. Ces fonds sont reversés à 100 % aux équipes médicales spécialisées.

Depuis 10 ans, ces fonds ont permis de financer un équipement informatique, d’améliorer le dosage des médicaments. Le taux d’échec de certains traitements est passé de 50% à 8%.

L’association organise ses activités sous forme de défis que chacun peut essayer de relever.

Ces défis n’ont pas besoin d’être « extraordinaires ». Chacun de nous peut dire non à la maladie en se dépassant ou en faisant un don à l’association.

Il y quatre ans, Hervé Barras a relevé le défi : 68 km de marche. De plus, la troupe de théâtre de Saint-Maurice-les-Châteauneuf : ACT’ENCIEL avait également répondu présente pour jouer au profit de cette cause « ensemble contre la leucémie » ; depuis l’aventure continue…

Les écoles de Chauffailles et de Tancon ont été à l’origine de la création du logo « Défi, sourire guérir » et l’imprimerie IG à Chauffailles a élaboré l’autocollant.

Depuis quatre ans, beaucoup de bénévoles rejoignent cette action.

Voici le programme prévu pour le 17,18 et 19 avril 2009 :

-Vendredi 17 avril :

A la salle de Saint-Maurice-les-Châteauneuf

20h30 théâtre : la compagnie act’enciel de Saint-Maurice-les-Châteauneuf

22h30 Variétés : Chansons par Madame Cestari

-Samedi 18 avril :

A Saint-Martin de Lixy

A partir de 8h00 : marche sur 3 circuits 13, 9 et 6 kms

Animation Tricke : 8h30 à Saint-Martin de Lixy, 9h00 0 Châteauneuf, 10h00 à Saint- Edmond, 11h00 à Mussy-sous-Dun (Viaduc), 12h00 Chauffailles, 14h00 Tancon, 16h00 Coublanc, 17h00 retour à Saint-Martin de Lixy

13h00 : Vélo route – 100 km entre Brionnais et Haut Beaujolais – départ Saint Martin de Lixy

14h00 : Promenade à cheval et à poney

17h00 : Rendez – vous pour tous avec l’animation par Fred des Pyrénées

19h00 : Défilé de mode original

20h00 : Repas sur réservation animé par Bigaro

Toute la journée à Saint-Martin de Lixy

-Exposition des travaux des écoles de Tancon, Saint-Maurice-les-Châteauneuf et école Pierre Faure de Chauffailles (fresque dessin, peinture…)

-Organisation d’un lâcher de ballons

-Restauration rapide, boissons chaudes et fraîches, barbe à papa, gaufres…

- Dimanche 19 avril :

A Saint-Martin de Lixy

EVENEMENT EXCEPTIONNEL : CHAINE HUMAINE de 1 000 personnes sur 25 000 m2

1 euros = 1 espoir

Les engagements pour participer à la chaîne peuvent se retirer :

-dans les Mairies de Saint-Martin de Lixy, Tancon, Châteauneuf, Saint-Edmond, Chassigny sous Dun, Chauffailles, Anglure, Saint Maurice

-écoles de Tancon et Saint Maurice

-Ets Vernay à Saint Symphorien

-restaurant le Villageois à Tancon

-M. Dumoulin (don du sang)

-les commerces de Saint-Maurice (Vival et la boulangerie)

-Charcuterie Corneloup à Charlieu

Rassemblement à partir de 8h30 sur les parkings de Châteauneuf, Saint-Maurice-les- Châteauneuf et Tancon.

Fred et Bigaro animeront la matinée.

CANETON N°2

noreply@hautetfort.com (BR) — Mon, 23 Feb 2009 22:16:00 +0100

UNE PIECE A LAQUELLE L'UNE D'ENTRE NOUS A ASSISTE...

* La Mort du Roi Tsongor de Laurent Gaudé

Laurent Gaudé est un romancier et dramaturge français. Il est né à Paris le 06 juillet 1972. C'est dans le théâtre que cet ancien étudiant en Lettres Modernes, auteur d'une thèse sur l'art théâtral, commence sa carrière d'écrivain. Combats de Possédés, Onysos le furieux, Les Sacrifiées sont autant de pièces montées à Paris, Berlin et Londres... Son second roman, La Mort du Roi Tsongor,grand succès et prix Goncourt des lycéens 2002, marque le début de sa notoriété. Récits initiatiques et décors symboliques... Laurent Gaudé revisite un univers mythologique, couronné, à chaque fois, d'un même succès public et critique.

Résumé : Au soir d'une rude vie de conquérant, le roi Tsongor va marier sa fille Samilia à Kouame, roi des terres du sel. Massaba, la capitale de son empire, bâtie sur les carnages et le sang, se prépare à la fête. Mais survient également Sango Kerim, un premier fiancé oublié... La guerre est inévitable, et il est temps pour Tsongor de quitter cette vie. Katalonga, ancien ennemi vaincu, devenu fidèle serviteur, tiendra sa promesse de le tuer. A Souba, plus jeune fils du roi, échoit la mission de parcourir le continent pour y construire sept tombeaux, à l'image de ce que fut le vénéré et haïssable roi défunt...
Il faut tout d’abord parler de la langue de Laurent Gaudé. Superbe, poétique, envoûtante, elle nous permet , grâce à l’auteur , de nous attacher à ses personnages par la force des sentiments contradictoires qu’il leur prête et par la terrible vérité qui en résulte. Il a un don : celui de réveiller les émotions du lecteur en peu de mots. Les dialogues entre le roi mort, qui assiste, impuissant, au siège de sa ville en flammes et son fidèle garde et ami Katabolonga, sont des trésors littéraires.
La Mort du Roi Tsongor est un récit épique mais aussi initiatique. C’est l’histoire d’hommes qui se déchirent jusqu’à l’absurde et souffrent de leurs choix. Elle rappelle les pièces de l'Antiquité : Antigone, Oedipe... Ce livre rassemble tous les éléments de la difficulté de vivre une vie humaine avec ses doutes, ses peurs, ses traîtrises, ses passions. Tous les personnages finiront par faire l’apprentissage du deuil, de la défaite et de la honte, chacun à leur manière. Même Souba, le plus jeune fils de Tsongor, chargé par son père, juste avant de mourir, d’aller courir le monde et de construire, à sa gloire, sept tombeaux somptueux et secrets " comme les sept visages de Tsongor ".
Si les personnages semblent tout droits sortis de contes africains (les mangeurs de khat déciment leurs ennemis dans le délire causé par leur drogue ; des chiennes de guerres, hommes travestis en femmes, humilient leurs ennemis en murmurant à leur oreille "je suis une femme et je te tue" tandis que des amazones providentielles chevauchent des zébus), c’est au final le lien avec l’Antiquité qui apparaît le plus déterminant. Samilia est à Massaba ce que la belle Hélène fut à Troie, le personnage de Tsongor qui ne veut trouver le repos et accomplir le passage vers l’au-delà avant que son jeune fils ne soit revenu a d’étranges résonances égyptiennes alors que le fatum s’abat sur la famille de Tsongor et sur la belle Massaba en ruines jusqu’à la catharsis finale. Seul le cheminement initiatique de Suba nous paraît quelque peu avorté dans ce très joli roman contemporain dont on comprend que la force, l’exotisme et l’écriture simple et dépouillée aient amené les lycéens à en faire leur Goncourt 2002.
La mort du roi Tsongor mis en scène

La Mort du Roi Tsongor au Théâtre de la Croix Rousse : adaptation homérique (grandiose, épique, fabuleux)

Créée en 1987, la compagnie Brozzoni élabore un théâtre populaire contemporain. La verbe et la musique, l’image et les puissances archaïques y prospèrent afin d’éclairer l’aujourd’hui que nous traversons. Pour eux, la scène est l’endroit de la rencontre et du partage, de la pensée et de l’émotion, de la poésie incarnée et des voyages imaginaires. Elle nourrit notre seule bien commun : notre humanité.

UN SPECTACLE QUE SONT ALLES VOIR TOUS LES ELEVES DE PREMIERE...
Nous sommes allés dans le cadre scolaire voir une pièce de théâtre qui s’intitule L’Entretien de M. Descartes et de M. Pascal au théâtre de Roanne. Io s'agit d'une pièce de Jean-ClaudeBrisville.
Jean-Claude Brisville (né le 29 mai 1922 à Bois-Colombes) est un auteur et scénariste français. Il commence dans le journalisme littéraire en 1946 avant de s'orienter définitivement dans l'édition où il fera toute sa carrière. En parallèle, il publie son premier ouvrage à 26 ans, très justement intitulé Prologue. Très vite, l'écrivain se met à l'écriture dramatique, puis à la littérature pour la jeunesse et se montre assez prolifique. Malgré cela, son parcours reste assez obscur en dépit de reconnaissances ponctuelles, notamment en tant que dramaturge, car il est monté dans différents théâtres, comme le Petit Odéon, le théâtre Edouard VII ou le Studio des Champs-Elysées. Ainsi, sa pièce intitulée Le Souper est adaptée au cinéma par Edouard Molinaro en 1982 avec Claude Rich et Claude Brasseur dans les rôles de Talleyrand et Fouché. Affichant une prédilection pour le théâtre, Brisville semble se spécialiser dans les rencontres de personnages historiques, puisqu'il écrit également ' Entretien de M. Descartes avec M. Pascal le jeune et le scénario de Beaumarchais l'insolent. Grand dramaturge, apte à ressusciter les personnalités d'antan, Brisville est également l'auteur de L' Antichambre, une pièce créée en 1991 avec Suzanne Flon, qui se déroule à l'époque des Lumières, entre controverses de philosophes et querelles de salons, où éclatent toutes sortes de rivalités. Un terrain de jeux stimulant pour ce fin dialoguiste.
Il a notamment écrit Le souper, une pièce de théâtre mettant en scène Joseph Fouché et Charles-Maurice de Talleyrand-Périgord lors d'une soirée de 1815, décidant de concert d'imposer un régime monarchique à la France envahie. Ce texte a été adapté au cinéma par Édouard Molinaro en 1992, réunissant Claude Brasseur dans le rôle de Fouché et Claude Rich dans celui de Talleyrand.
Il a obtenu le Grand Prix du théâtre de l’Académie française en 1989 pour l’ensemble de son œuvre..
Créée en octobre 1985 au Théâtre de l'Europe dans une mise en scène de Jean-Pierre Miquel, avec Henri Virlogeux (René Descartes) et Daniel Mesguich (Blaise Pascal), la pièce a été reprise en 2007 au Théâtre de l'Œuvre dans une mise en scène de Daniel Mesguich, avec Daniel Mesguich (Descartes) et William Mesguich (Pascal), son fils.
Il s'agit d'un dialogue entre les deux philosophes suite à un véritable entretien qu'ils auraient eu en 1647, mais dont rien n'a jamais prouvé.
Daniel Mesguich est né à Alger en 1952. Après l'Algérie, il passe la fin de son enfance à Marseille où il prend ses premiers cours de théâtre.En 1970, à dix-huit ans, il est admis au Conservatoire national supérieur d’Art dramatique de Paris où il suit l'enseignement d’Antoine Vitez et de Pierre Debauche. Il y revient comme professeur en 1983. Le 30 octobre 2007, il en a été nommé directeur.En 1974, il fonde sa compagnie, le Théâtre du Miroir. De 1986 à 1988, il dirige le Théâtre Gérard-Philipe de Saint-Denis et, de 1991 à 1998, (La Métaphore)/Théâtre national de Lille. En 1998, il crée une nouvelle compagnie : Miroir et Métaphore.

Tout d’abord, la scène se passe dans une cellule monacale. Cette cellule était très simple, elle comportait uniquement une table au centre, une chandelle et une radio, élément anachronique bien sûr...
De plus, la cellule était uniquement éclairée par la chandelle ; donc la pièce dans laquelle ils se trouvaient n’était pas très éclairée. Cela donnait une ambiance assez lugubre. Cette caractéristique va être confirmée par l’atmosphère qui règne entre les deux personnages. Puis nous avons pu voir que le son était important dans cette pièce étant donné les coups de tonnerre qui symbolisaient la fin des scènes, mais aussi ponctuaient les moments de tension entre les deux personnages.
Enfin, Daniel Mesguish avait l’air plus expérimenté que son fils William ; ce dernier paraissait plus maladroit dans son jeu, manifestement en raison de son jeune âge. Mais cela n’empêche pas qu’il ait bien représenté Pascal par l’impression de naturel qu’il nous donnait. En effet, il arrivait bien à transmettre cette sensation de mal être constant que ressentait Pascal à cause de sa maladie.

Dans cette pièce, il y avait une volonté de Jean-Claude Briseville de simplifier les idées des deux philosophes dans un but pédagogique. De plus, les acteurs étaient très à l'aise dans leur rôle respectif et l’affrontement entre les acteurs était très bien rendu, ainsi que leur caractère. Pascal avait un caractère beaucoup plus agité, contrairement à Descartes qui était très calme. De plus, on arrivait bien à savoir quand on changeait d’actes et de scènes grâce au coup de tonnerre qui manifestait l’ambiance entre les deux personnages. Nous avons dans l'ensemble apprécié cette pièce de théâtre d’une part parce que le thème général nous intéressait, d’autre part parce que les acteurs jouaient très bien .

UN FILM QUI EST LE FILM FETICHE DE L'UNE D'ENTRE NOUS...
Requiem for a Dream

Requiem for a Dream est un film de Darren Aronofsky, réalisateur né à Brooklyn le 12 février 1969. Il s’épanouit dans une famille juive, mais abandonne vite la religion pour l’art. Il va à Harvard et y étudie les techniques de réalisation et d’animation. C’est en 2000 que Requiem for a Drea m va sortir et remporter un énorme succès. Ce film devient culte pour toute une génération.
Requiem vient du Latin et signifie « repos éternel », en effet, pris dans leur rêve de vie meilleure, Harry (Jared Leto), sa mère Sara Goldfarb (Ellen Burstyn), sa petite amie Marianne (Jennifer Connely) et leur ami Tyrone (Malron Wayans) vont se lancer dans une quête du paradis terrestre au rythme de fixes d’héroïne, de rails de cocaïne et de prises d’amphétamines. Cette recherche va les mener dans une lente mais certaine descente en enfer.

Ce film peut être divisé en trois parties :

Le premier tiers montre la banalité des vies sans intérêt de personne « inutiles » aux yeux du monde dans un quartier new-yorkais où la vie est rude. On y voit des immeubles, anciens et mal entretenus, des vieilles femmes se faisant bronzer au bas d'immeubles miteux et de jeunes trafiquants. Dans cette partie, les héros ont une note d’espoir, l’insouciance règne et la drogue leur apparaît comme un plaisir anodin, la dépendance y est minime.
La mère du héros, veuve, rêve de passer dans son émission préférée, tandis que Harry et Marianne vivent dans un joli appartement payé par les parents de celle-ci. Tyron et Harry commencent leur trafic.

La suite est moins idyllique. La dépendance s’installe, les personnages chutent à force des prises, Sara Goldfarb commence sa lente descente aux enfers en débutant un régime qu’elle entreprend pour entrer dans sa robe rouge à l’aide de « pilules magiques » qui s’avèreront être des amphétamines. Harry se rend compte de la situation de sa mère, il veut l’empêcher, de se détruire, lui fait la morale, lui parle de dépendance alors que lui-même est dans le même cas. Le marché des stupéfiant devient plus difficile, la drogue commence à manquer. Les relations entre les personnages deviennent tendues, les rêves s’effacent doucement.

La dernière partie du film est apocalyptique, l’enfer est là. Nous avons l’image des toxicomanes en état de manque : tout tourne, tout est machinal, le spectateur est angoissé. Les rêves sont brisés. La mère part en sismothérapie, le fils à l’hôpital, Marianne se prostitue, et Tyron est en prison. Tout file, on ne peut plus revenir en arrière, tout s’accélère au rythme de la musique.

Quand tout se calme enfin, tout est fané.

Il y a la présence tout au long du film de drogue synthétique, mais il y a aussi et avant tout la « drogue » de l’amour : pour Sarah, celui de son fils, de son défunt mari et de la télévision ; pour Harry, celui de sa famille, de sa mère, de Marianne ; et, pour Tyron, l’amour pour sa mère qu’il aurait voulu rendre fière. La chute était inévitable.

Ce film a un scénario et une mise en scène hors du commun, le spectateur est happé par les histoires de chaque personnage auxquels il s’attache, histoires = qui sont mises en parallèle les unes avec les autres. Tout colle à merveille, les bruitages, des acteurs excellents, des images sans violence mais qui choquent et restent tout de même gravées et une musique, simplement magnifique, que l’on n'oublie pas. Généralement, le spectateur reste bouleversé. Requiem for a Dream est un film intense, hypnotique, c’est une véritable prise de conscience sur la drogue et ses dangers. Il demeurera indémodable. C’est un film qui mérite vraiment d’être vu.

UN LIVRE QUI NE PEUT QUE VOUS PLAIRE...
Parfois, il suffit de tomber par hasard dans une librairie sur Le Livre qui vous fera rêver, celui que peut-être vous attendiez depuis un moment, celui qui vous fera sortir de la monotonie de votre vie. C’est ce qu’il m’est arrivé. Je ne connaissais pas, jamais entendu parler. Je fus frappée par la couverture, je n’ai pas lu la quatrième de couverture, je l’ai acheté, je suis rentrée et je l’ai lu, puis relus.
Fascination (« Twilight ») est le premier tome d'une saga de Stéphanie Meyer, racontant l'amour impossible, une sorte de revisite du Roméo et Juliette de Shakespeare entre Edward Cullen, un vampire, et Bella Swan, simple humaine.
Isabella (alias Bella), dix-sept ans, décide de quitter l'Arizona ensoleillé où elle vivait avec sa mère, pour s'installer chez son père. Elle croit renoncer à tout ce qu'elle aime, certaine qu'elle ne s'habituera jamais ni à la pluie ni à Forks où l'anonymat est interdit. Mais elle rencontre Edward, lycéen de son âge, d'une beauté inquiétante. Quels mystères et quels dangers cache cet être insaisissable aux humeurs si changeantes ? À la fois attirant et hors d'atteinte, Edward Cullen n'est pas humain. Il est plus que ça. Bella en est certaine.

A travers le livre, des notes culturelles sont présentes : en effet pour ses cours de littérature, Bella doit lire Macbeth de Shakespeare, ainsi que Les Hauts de Hurlevent d'Emily Brontë qui est de loin son livre préféré, beaucoup d'allusions seront faites à ce livre.
Afin de chasser Edward de ses pensées, elle décide de relire une œuvre de Jane Austen. Elle écarte Orgueil et Préjugés car elle l'a déjà relu récemment ; son choix se porte alors sur Raison et Sentiments qu'elle abandonne bientôt puisque l'un des personnages s'y nomme Edward. Finalement, son choix s'arrête sur Mansfield Park, qu'elle ne lira pas non plus à cause du prénom Edmund qui ressemble trop à celui d'Edward. Bella cite également des passages de Roméo et Juliette de Shakespeare pour exprimer sa détresse. Elle doit également étudier La Ferme des animaux d'Orwell, pour un cours
La musique a aussi sa place :Clair de Lune de Claude Debussy, c'est la musique qu'écoutent Bella et Edward quand Edward ramène Bella chez elle suite à son malaise en cours de science, ainsi qu'un CD d'un groupe inconnu que Bella écoute pour se sortir Edward de l'esprit (on peut voir sur le site officiel de Stephenie Meyer que le groupe est Linkin Park). Il y a également sa berceuse, la mélodie que Edward lui a composée au piano. Mais on peut également citer la mélodie d'Esmée, la première composée par Edward qu'il joue lors de la visite de Bella chez lui, ainsi que les nocturnes de Chopin.

Le fantastique est un genre littéraire fondé sur la fiction, racontant l’intrusion du surnaturel dans un cadre réaliste, autrement dit l’apparition de faits inexpliqués et théoriquement inexplicables dans un contexte connu du lecteur, ressemblant au merveilleux mais différent tout de même. On considère souvent le fantastique comme très proche de la science-fiction. Néanmoins, d'importantes différences les distinguent : la science-fiction ne relève pas du surnaturel, et se veut rationnelle. Les récits faisant appel au surnaturel abondent dans la littérature mondiale, et cela depuis des temps immémoriaux, sous forme de contes comme les Mille et une nuits ou les contes de fées, ou rejoignent l’épopée comme dans les légendes arthuriennes. Le conte merveilleux traditionnel fournira à la littérature fantastique la plupart de ses thèmes. Mais la véritable source du genre fantastique est le roman gothique anglais de la fin du XVIIè siècle. Outre l'apparition des thèmes propres au fantastique (les fantômes, le Diable, les vampires) ces romans caractérisés par une atmosphère d'horreur plus prononcée introduisent l'ambiguïté caractéristique du genre. La lecture de textes fantastiques provoque souvent - mais non nécessairement – un sentiment de peur ou d'angoisse. Ainsi, le propre du fantastique serait de révéler des choses habituellement cachées, des choses que nous ne voulons pas voir : le sang, les cadavres, la nuit, les ruines. La psychanalyse interprète volontiers le genre fantastique comme l'expression de désirs sexuels inavouables. Il est relativement facile en effet d'associer à chacun des thèmes du fantastique une forme de sexualité anormale : ainsi, la sorcellerie équivaut à la nymphomanie, le vampirisme au sado-masochisme etc.

L'adaptation fidèle Difficile de respecter l'oeuvre, pourtant certains cinéastes tentent l'impossible. C'est le cas par exemple de Madame Bovary de Claude Chabrol et de Germinal de Claude Berri. Malgré leurs efforts pour retranscrire le roman en images, le film n'est pas une adaptation totalement fidèle, et ce pour trois raisons :

- Le langage des images ne reflète pas le langage des mots. Par exemple, les ellipses au cinéma (flash-back, fondus) qui représentent le temps. Ainsi, il y a un décalage réel entre une scène racontée et une séquence de film.

- Un film de 2 heures ou plus ne peut pas reprendre tous les événements et les gestes d'un récit de 300 pages. Le cinéaste doit donc faire des choix.
- Enfin, en adaptant, le cinéaste propose sa lecture, sa vision de l'œuvre, son interprétation. D'ailleurs, comme le dit Proust dans A La Recherche du temps perdu : "Chaque lecteur est, quand il lit, le propre lecteur de soi-même". L'adaptation fidèle reste donc une mission impossible.
L'adaptation libre Contrairement à l'adaptation fidèle où le cinéaste tente de respecter l'oeuvre, l'adaptation libre, elle, permet au réalisateur de s'inspirer du livre tout en revendiquant le droit de le modifier. C'est ce que fait par exemple, René Clément avec "L'assommoir" d'Emile Zola, quand il filme l'un des personnages principaux, Gervaise (1955) ou Luchino Visconti adaptant Le Guépard de Lampedusa. Le résultat de l'adaptation libre est incertain. Elle est capable du meilleur comme du pire, car en revendiquant le droit de ne pas être fidèle, le cinéaste retrouve son univers : la liberté de créer des images originales. Il renouvelle le regard de l'écrivain et apporte un nouveau souffle à l'oeuvre. Ainsi, le roman n'a plus qu'à éspérer qu'un bon cinéaste l'adapte.
La transposition C'est le cas le plus original d'adaptation car il permet de recréer une oeuvre. Le cinéaste a lu le roman mais décide de le réécrire entièrement, avec de multiples modifications comme des scènes inédites. C'est ce que fait, par exemple, Dieterlé en 1939 avec "Notre-Dame de Paris"; mais aussi Manuel de Oliveira pour "Madame Bovary". Ainsi, pour l'adapter, le cinéaste a d'abord écrit un scénario du roman de Flaubert, puis il demande à une romancière portugaise d'en tirer un roman. Résultat : l'intrigue se déroule de nos jours au Portugal. Enfin, il en extrait un scénario original et réalise un chef-d'œuvre.
Quelle que soit la solution, l'adaptation littéraire ne cesse de se développer. Cet essor conduit à un moyen pour comparer le roman au film. Qui est le meilleur ? En fait, c'est un faux problème. Tous ceux qui concluent que le talent de l'écrivain est supérieur à celui du cinéaste, oublient les chefs-d'œuvre du cinéma tirés de médiocres oeuvres littéraires, notamment le Barry Lyndon de Kubrick bien supérieur aux mémoires de Thackeray. Il y a des génies et des "petits" artistes au cinéma comme en littérature, en musique, en peinture.
UN SPORT QUE LES DEUX GARCON DE LA CLASSE VOUS RECOMMANDENT..

Le snowboard

L’histoire du snowboard est difficile à cerner car il n’y a pas eu d’invention réelle du premier snowboard. Les premiers « riders » glissaient sur toutes sortes de planches allant du simple plateau de cuisine en passant par la luge et sur une planche de bois.

Voici quelques dates importantes dans l’histoire du snowboard :

1970 : Dimitrije Milovich, surfer de la côte Est américaine, commence à développer un prototype de snowboards basé sur un modèle de surf.
1975 : Dimitrije Milovich crée Winterstick, première marque de snowboard.
1977 : Jake Burton Carpenter, habitant du Vermont, travaille comme barman la nuit, et sur des prototypes le jour. Peu après, il créé Burton Snowboards.
1980 : Les technologies du ski sont importées dans le snowboard par Burton et Winterstick. Leurs nouveaux modèles ont une semelle P-tex. Parallèlement, de nouvelles marques se créent : Avalanche, Barfoot, Sims.
1986 : Régis Rolland, un Français, importe le snowboard en Europe, et tourne dans un film : Apocalypse Snow. Toute une génération européenne de snowboarders suivra ses pas. Les championnats suisses, à Saint-Moritz sont la première compétition de snowboard en Europe.
1992 : Au même moment, on voit débarquer un adolescent norvégien du nom de Terje Haakonsen. Il suivra le circuit de half-pipe et gagnera absolument tout de 92 à 97 : 5 fois champion d'Europe, 3 fois vainqueur de l'U.S Open, 3 fois champion du Monde, 2 fois vainqueur du circuit Coupe du Monde, et de la quasi-totalité des contests auxquels il participe à cette époque. Mais bien au-delà cela, il est un modèle de style et de technique pour tous.
1994 : Début d'une longue rivalité entre deux fédérations et deux circuits concurrents ; la FIS (ski), et l'ISF (International Snowboard Federation). L'ISF possède la légitimité, la FIS les moyens financiers.
1998 : Même si cela n'est pas du goût de tous les snowboarders, le snowboard fait son entrée aux Jeux Olympiques. Gian Simmen, un Suisse, devient le premier champion olympique de snowboard.
2002 : Terje Haakonsen crée le Ticket To Ride (TTR) World Snowboard Tour, une association à l'écoute des riders qui a pour but de faire évoluer le snowboard. Elle regroupe des événements de snowboard fresstyle indépendants, tous cotés d'un certain nombre de points dans le but de couronner en fin de saison le champion du TTR World Snowboard Tour.

La composition d’une planche de snowboard
Les planches de snowboard ont beaucoup évolué. Quand on a commencé avec Octopuss (une grande marque de snowboard), ce n'étaient que des contre-plaqués avec de la peinture, des carres et des fixations. Puis sont arrivés les noyaux en bois, la résine, le PVC, les mousses, les monocoques, ... Les découpes ont également évolué.
Voici donc de quoi se compose une board. Au sein de notre planche, le noyau. Il peut être en bois (à préférer), en mousse, ou toutes autres technologies. Grâce à sa répartition et à son épaisseur, c'est lui qui contrôle la flexion de la planche.

Puis plusieurs couches de résines, de carbone entourent notre noyau et forment les spatules et autres variations de la planche. Peuvent s'y inclurent du métal, et les inserts des fixations.
Sur le dessous de la planche sont positionnées les carres, la semelle, et les diverses plaques d'aluminium.
Sur le dessus, on trouve la déco, et les films de PVC transparents qui protègent la planche et les champs.
Ces divers matériaux sont incorporés dans un moule, sous presse, le tout collé à la résine le plus souvent, et maintenu à plusieurs dizaines de degrés Celsius pour accélérer le collage.

Les différentes planches

Les planches de carving (ou de vitesse)
Ces planches sont très rigides et, grâce à elles, on peut faire des virages très serrés, prendre de gros appuis ; en revanche, ce sont des planches très techniques. Elles ont une forme très allongée, fine et leur spatule ainsi que leur talon sont plus pointus que sur les autres planches.

Les planches de freestyle
Elles sont conçues pour passer du temps en l’air et faire des rotations. Elles sont plutôt courtes, pour plus de maniabilité. Elles sont également plus souples mais légèrement plus lentes ; elles sont donc conseillées pour débuter et progresser. On les utilise généralement dans les snow parks et en jib.

Les planches de freeride
Elles sont faites pour tracer des lignes dans la poudreuse mais aussi sur les pistes damées. Elles sont plus rigides et plus longues que les planches de freestyle mais plus étroites afin de faire des virages plus précis.

La photo ci-dessous, nous montre les trois types de planches. (De gauche à droite : planche de carving, planche de freestyle et planche de freeride).

ET POUR TERMINER SUR UNE NOTE PLUS SERIEUSE, UN FILM EN ANGLAIS...
Bread and Roses

Il s’agit d’un film de Ken Loach, sortI au cinéma le 25 octobre 2000, traitant de l’immigration des Mexicains aux Etats-Unis, que nous avons pu voir et qui a plu à l’ensemble de la classe.
Ken Loach est un cinéaste britannique, ancien étudiant en droit, qui après avoir connu quelques succès dans la mise en scène théâtrale, s’est lancé dans une carrière à la télévision. Il a ensuite réalisé des films pour le cinéma, sans abandonner son activité pour le petit écran. Il est un des pionniers du cinéma réaliste anglais. Il s’attaque à différents sujets engagés dans ses films, tels que l’exploitation que subissent les immigrés clandestins dans le film dont nous allons vous parler.
Le personnage principal de ce film est Maya, une jeune Mexicaine qui vient rejoindre sa sœur, Rosa, à Los Angeles. Toutes deux sont sans-papiers et ont réussi à passer la frontière grâce à des passeurs. Rosa est employée chez Angel cleaning services. C’est une société qui emploie des clandestins afin qu’ils fassent le ménage dans un des buildings les plus importants de Los Angeles. Les employés de cette compagnie travaillent dans des conditions inacceptables : chef de service odieux, aucune protection sociale, salaire misérable, licenciement abusif.
Maya va rencontrer Sam, un jeune Blanc qui travaille dans une association appelée « justice for the janitors » qui lutte afin que les femmes de ménages soient syndiquées. Au début, les gens sont méfiants et ne veulent pas se rebeller de peur de perdre leurs emplois, mais Sam et Maya vont réussir à les convaincre.
Ce film relate bien la situation des Mexicains qui immigrent aux Etats-Unis et nous vous conseillons de le visionner à votre tour afin de vous rendre compte des difficultés des clandestins aux Etats-Unis et de la manière dont ils sont exploités.

CANETON N°1 (08/09)

noreply@hautetfort.com (BR) — Sun, 25 Jan 2009 19:35:00 +0100

LE VOYAGE EN SUISSE DES CLASSES DE PREMIERE

Musée d’Art et d’Histoire

Le musée d’Art et d’Histoire est situé à Genève. C’est l’un des plus importants musées de la Suisse. Il englobe plusieurs domaines comme l’archéologie, les beaux-arts et les arts appliqués qui retracent l’Histoire allant de la préhistoire à l’époque contemporaine. Il y a des expositions permanentes et des expositions temporaires.

Genève est la seule ville suisse ayant un musée encyclopédique, qui témoigne de toute la culture occidentale, de ses origines à aujourd’hui.

Nous avons vu le nouvel accrochage datant du 9 septembre qui se trouve dans la catégorie des beaux-arts. Cette représentation nous a permis de découvrir des œuvres majeures telles que La Déploration du Christ de Luigi De Donati, et Les Pestiférés implorant la Protection de Saint Charles Borromé de Jacques Blanchard.

Nous avons également vu l’exposition temporaire des Alpes au Léman datant du 26 octobre. Cette exposition est dédiée au mode de vie des communautés préhistoriques vivant dans la vallée du Rhône et sur les rives du lyonnais.

D’autres expositions étaient ouvertes au public telles que celles de Monet, des collections de sculptures, d’estampes, de dessins, d’arts appliqués et d’archéologie.

En conclusion, nous avons eu de bonnes impressions de ce musée que nous avons trouvé très enrichissant.

La fondation de l’Hermitage : la peinture italienne

La maison de la Fondation de l’Hermitage a été construite entre 1842 et 1850 par Charles - Juste Bugnion avec l’aide de l’architecte Louis Wenger. Elle a deux objectifs : tout d’abord, elle fait connaître la belle demeure lausannoise du XIX ème siècle, et elle assure le développement d’un musée dans le domaine des Beaux-Arts.

Quand nous sommes allés visiter le musée de la fondation de l’Hermitage, nous avions affaire à une exposition temporaire sur la peinture italienne qui regroupe des œuvre de plusieurs artistes qui ont vécu de la Renaissance au XVIIIè siècle. Ces tableaux traitent surtout des thèmes religieux auxquels nous allons nous intéresser, tant dans leur évolution que par rapport aux décors qu'ils mettent en scène.

Tout d’abord, le thème principal des œuvres des peintres italiens de la Renaissance était la religion. On trouvait de très nombreuses « Vierges à l’enfant » qui ont d’ailleurs évolué au fil du temps, car les artistes au départ ne représentaient pas la relation mère-fils ; mais ils ont ensuite montré cette complicité, notamment le peintre Titien qui mettait en scène un véritable dialogue entre la mère et son fils. Les artistes de l’époque peignaient également des Saints tels que Saint Sébastien, qui fut notamment évoqué par Raphaël, mais aussi des scènes bibliques telles que des scènes de baptême. On constate enfin que les artistes utilisaient des symboles qui faisaient référence à la religion, telle la rose mystique pour la Vierge, ou encore la flèche pour représenter Saint Sébastien. Mais on constate qu’au fil des années, les peintres sont passés du sacré au profane, en mettant en scène l’homme au centre de leurs œuvres, et non plus Dieu.

A partir du XVIè siècle, le portrait prend de plus en plus d’importance. Il représente les trois âges de la vie : l’enfance, la jeunesse et la vieillesse. L’artiste Moroni peint la vieillesse avec beaucoup de pudeur. Au XVIIè siècle, on a un approfondissement du réalisme : on peint les hommes avec leurs défauts, et l'on ne cherche plus à atteindre un idéal de beauté.

Les décors ont également évolué. En effet , quand les artistes ont commencé à s’intéresser au portrait , ils les peignaient sur un fond noir ou sombre, alors qu’au fil des siècles, ils ont ajouté des décors en arrière-plan, notamment des paysages.

BALTHUS A LA FONDATION GIANNADA

BALTHUS , est un peintre français qui est né à Paris , le 29 Février 1908 et est décédé à Rossinière le 18 février 2001 ; il est d’origine polonaise .C’est un peintre figuratif conservant le chevalet comme support , il s’affranchit rapidement des courants avant-gardistes de l’époque. Il est d’ailleurs peu reconnu de certains milieux . Des amis comme Artaud ou Camus, pour qui il réalise les décors de La Peste au théâtre, célèbrent pourtant pour la beauté de ses toiles, des jeunes filles nues et indifférentes aux regards des voyageurs qui pèsent sur leur corps et constituent , en effet, un motif récurrent dans l’œuvre. Il a souvent été suspecté de pédophilie à cause de ses œuvres car les experts interprètent trop, selon lui, qui réfute bien sûr cette accusation. L’artiste dans ses œuvres souligne la solitude humaine . Dès son enfance , il a été entouré par des peintres . Il va très souvent s’identifier au chat qui est un animal érotique. C’est un peintre qui est influencé par impressionnisme (Renoir , Monet).

En 1924, il va peindre Antoinette qui a été la première femme qu’ il a aimée . Cette même année, elle doit se marier et il le vit très mal. De cette déception va naître une dépression qui aura pour conséquence de lui faire peindre des œuvres magnifiques .Il va s’inspirer de Lewis Caroll, le créateur d'Alice au Pays des Merveilles. Balthus peignait lentement car il voulait que ses œuvres soient parfaites et reprenait souvent ses tableaux.

Dans ses oeuvres, il présente ses personnages lorsqu’ils sont enfants car, pour lui, les enfants sont des anges envoyés d’En-Haut. Il peint également des adolescentes, car l’adolescence représente l’éveil du corps ; c’est la période où l'on se cherche et c’est l’éveil de l’âme en même temps que celui du corps? De plus, c’est le passage de l’enfance à l’âge adulte.

Il se croit encore jeune et a du mal à assumer son âge . Beaucoup de ses tableaux ont été peints à Chassi où il a vécu des choses magiques. C’est à cette période qu’il va changer de techniques de peinture , il utilise un procédé qui rend sa peinture plus mate, et mélange la peinture avec du plâtre…

Dans ses œuvres, il y a une atmosphère paisible, mais qui est interrompue par des éléments montrant qu’il y a de la violence à travers l’atmosphère calme. Cette violence, dans ses tableaux, est en devenir : il y a une sorte de menace . La grâce le charme, sont suivis d’une ruine de l’apparence.

Il est attiré par le théâtre et l’illusion ; c’est son côté jeu de l’enfance qu’il a gardé dans ses tableaux. Il n’aime pas que son travail soit vu avant d’être terminé et observe beaucoup ce qui l’entoure . C’est un homme très intérieur ; c’est pour cela qu’on a du mal à le comprendre. La beauté, selon ses dires, doit se découvrir peu à peu comme une fleur qui s’épanouit . Il pense également que l’Homme a peur de l’autre et de la vérité. Il a été très inspiré par des maîtres aussi variés que Manet, Pietro de la Francesca . Son talent va être reconnu lorsque Malraux le nomme Directeur de la Villa Médicis à Rome de 1961 à 1976 , puis lors des rétrospectives qui lui consacrent le Centre Pompidou à Paris et le MOMA à New York entre 1924 et 1984 .

Quelques oeuvres de Balthus

Une sorte de jeux mystérieux se déroule à l’intérieur de ses oeuvres : on y voit des adolescentes à l’orée de la puberté dans des position non naturelles, exagérées et généralement érotiques, que Balthus semble surprendre en état d’extase. celle-ci apparaissent avec le côté « pur », gracieux d’une adolescente, mais le peintre en laisse aussi apparaître ce désir, cette image de l’érotisme. Le peintre affirmait que toutes ses figures féminines étaient des anges.

Balthus aimait les chats, c’était son animal fétiche . On les retrouve dans beaucoup de ses œuvres, il s‘était proclamé leur roi ; c’est un animal énigmatique, gracieux et si tendre, mais en même un félin, sauvage et indépendant qui exprime une certaine sensualité, un mystère...

Dans les années 1930, la cruauté et la sexualité explicite de certaines de ses toiles choquaient. Aujourd’hui, c’est cette idée de pédophilie cachée qui met tout le monde mal à l’aise. A la fin de sa vie, Balthus, obsédé par la beauté comme personne, a dû se défendre de cette attirance pour l’enfance et l’adolescence. Les formes d’une petite fille ou d’une adolescente sont pures, encore intactes. […] Je pense que l’érotisme qu’on trouve dans mes tableaux est dans l’œil, l’esprit ou l’imagination de la personne qui les regarde.

Le Chat de la Méditerranée. Huile sur toile, 1949.

Le Chat de la Méditerranée à été réalisé par Balthus en 1949 ; c'était une enseigne peinte pour le restaurant
“ La Méditerranée “ place de l’Odéon, où il venait manger avec ses amis Eluard, Camus, Malraux, Giacometti… Sur ce tableau, on retrouve le fameux chat ; il semble agressif , couvert en l’air, sans doute un autoportrait de lui... Une jeune fille semble dans la détresse en second plan. Ce tableau nous place dans un univers fantastique, le poisson paraît atterrir directement dans l’assiette via l’arc en ciel, les couleur s sont assez pastelles dans l’ensemble.

Balthus, Thérèse rêvant, 1938

Les jeunes filles que peint Balthus sont en quelque sorte des anges en « mutation. » ; elles sortent du paradis des enfants pour entrer dans le monde des ambiguïtés, du désir, des envies, de la convoitise… Balthus est le « voyeur » de ce passage, il représente une sorte de non-dit lourd de sens. Ces jeune fille- là rêvent, elles fuient, cette sensualité évoque cette fuite que nous captons grâce à Balthus.

Ici, Thérèse rêvant parait la jambe levée, laissant voir la culotte de l’adolescente, son visage est éclairé, on remarque que la jeune fille a l’air en extase. Le chat est à ses cotés, toujours fidèle à son poste d'observation, comme le peintre lui-même.;;

Balthus est un peintre ambigu, il s’est créé son propre univers. Le calme de ses couleurs claires cache une violence prête à éclater, il y a une tension profonde dans ses toiles. Ainsi, une oeuvre de Balthus semble douce et sereine au premier regard mais, ensuite, on comprend vite qu'il y a plus derrière tout cela ; on est troublé par ce silence, ce calme trop parfait...

Musée de l'appareil photographique.

« Le musée de la photo », qui se trouve à Vevey, retrace l'histoire de l'appareil photographique.

L'histoire de la photographie (mais pas son invention), commence, au IIIe siècle avant J-C lorsqu' Aristote découvre le principe de ce qu’on appellera plus tard, bien plus tard, la chambre noire. Il s'aperçoit, que la lumière du jour, en pénétrant dans une pièce obscure par un petit trou, projette sur le mur opposé l'image inversée de ce qui est placé à l'extérieur, devant le petit orifice. L'appareil photo d'aujourd'hui en est l'application, avec quelques perfectionnements de plus.

Mais le premier à pouvoir l'expliquer fut Léonard de Vinci (1452-1519).

L'inversion de la photographie est due au Français Nicéphore Niepce il y a 170 ans. La Suisse a également connu des précurseurs dans ce domaine, tels que Pierre-Louis Guignard, Andréas Friedrich Gerber ou Johan Baptist Isenring, à qui le Musée a accordé une place de choix au tout début de l'exposition. Viennent ensuite les premières inventions dans l'art de la capture de l'image qui sont nombreuses, notamment en ce qui concerne les négatifs.

Dans les débuts de la photographie, les photos étaient en papier et s'appelaient talbotype ou calotype (1841-1850) ; mais très vite on s'aperçut qu'il valait mieux employer des plaques de verre qui, grâce à leur transparence, donnaient des photos plus nettes ; on inventa aussi d'autres supports comme les négatifs à l'albumine, aussi appelés niepcétopie entre 1847 et 1860 ou encore les négatifs au collodion humide employés entre 1851 et 1885, inventés par Frederick Scott Archer.

En entrant dans ce musée, les regards se posent sur trois appareils insolites ; ils ont une forme de soucoupe et sur le dessus de deux d'entre eux, on peut distinguer une bougie et un boulon. Nous avons été stupéfaits en essayant de saisir l’objet qui n’était en fait qu’une illusion d’optique. La légende explique que ce procédé s'appelle la lanterne magique et que le boulon ou la bougie visibles sur le haut étaient en fait la projection de ce qui se trouvait à l'intérieur. Un schéma explique que, dans ces boîtes, une lumière venant du dessous va percuter la paroi supérieure une fois, puis se répercuter sur celle de dessous pour enfin sortir par une petite vitre au sommet où elle laisse apercevoir l'image de l’objet original.

On peut y trouver les tout premiers appareils Reflex qui permettent la visée à travers un objectif, les appareils espions, dans une canne, dans un sac à main ou en forme de montre, les premiers flashs, qui ne servaient qu'une fois et qui étaient gros comme des ampoules électriques ; mais aussi une chambre avec le matériel d'époque servant à se faire prendre en photo., avec des appuie-tête et appuie-corps qui servaient à garder les sujets immobiles le plus longtemps possible, car le temps d'exposition était très long et, si l'on bougeait, le cliché était flou. Voilà pourquoi, sur ces photos, les yeux ne sont jamais nets, car on ne peut pas garder longtemps les paupières ouvertes. La première image en mouvement figée (2 millièmes de seconde) a été inventée par le peintre suisse Guido Sigriste en 1898. Tout au long de l'exposition permanente se trouvent de petites énigmes, toutes reliées entre elles. Cette « chasse au trésor » est appelée « l'énigme de la chambre noire ». Elle sert à attirer l'attention des plus jeunes tout en leur apprenant des choses sur l'histoire de la photographie.

Finalement la photographie a toujours été en relation avec ses arts voisins tels que le cinéma, littérature ou encore l’art pictural.

LE MUSEE JENISH

Biographie de Balthasar Burkhard

Balthasar Burkhard, né en 1944 près de Berne en Suisse, est un photographe plasticien qui découvre sa vocation pour la Photographie très tôt, lorsque son père lui offre son premier appareil photo. Il entre en contact avec des artistes dès 1960. Il fait sa première exposition, une exposition collective, au Kuntmuseum de Lucerne. Il s’installe en 1974 à Chicago. Il y fait sa première exposition personnelle. Il séjourne ensuite au Japon en 1987. De retour en Suisse, il fait un grand nombre de collaborations et expose dans les musées les plus prestigieux (de Genève, Paris, Milan, Tokyo…). En 1997, est établie sa première rétrospective, Eloge de l’Ombre au musée Rath à Genève.

Présentation de l'exposition

Celui qui a déjà longuement observé une photographie de Balthasar Burkhard, ne perçoit plus le monde de la même manière. Des morceaux de corps très agrandis – bras veinés, pieds cambrés, nuque fragile ainsi que des paysages de villes immenses ou encore forêts tropicales, chaque image que l’artiste photographie et modifie depuis près de quarante ans possède le pouvoir d’entraîner le spectateur dans un monde en noir et blanc aux dimensions démesurées. C’est cet univers photographique que le musée Jenisch de Vevey présente au public.

Depuis près de quarante ans d’activité, Balthasar Burkhard a entamé ses recherches à la fin des années soixante. L’exposition présentée est une forme de rétrospective qui nous apparaît par des contrastes de genres, de thèmes et de traitements, et elle montre au visiteur l’œuvre d’un photographe qui, depuis toujours est obsédé par la matière.

Le format gigantesque s’associe aux différents gris : montagnes, déserts, forêts, vagues, animaux ou fragments de corps, qui frappent le regard par leur complexité de recherche. À l’instar du peintre et dans le secret de l’atelier, l’artiste porte une attention particulière à la naissance de son œuvre, depuis le sujet rêvé jusqu’à sa création finale, en passant par la prise de vue, le choix du format ou encore le grain de l’image.

L’exposition :

Par son titre : Reconnaissances, l’exposition consacrée à Balthasar Burkhard recompose la diversité d’un parcours artistique entamé à la fin des années soixante. Il paraît utile de s'efforcer de relier les photographies entre elles, car c’est la première façon de « reconnaître » l’exposition. La façon dont sont disposées ces différentes œuvres les met en scène, les théâtralise. Toute cette exposition est en réalité le fruit de plus de quarante ans de travail de l’artiste. Fragments corporels, animaux grandeur nature, paysages majestueux, toutes ces photographies sont aussi des hommages rendus par le photographe à la peinture..

A l’intérieur de cette exposition, la présentation de la totalité des héliogravures réalisées par Burkhard forme un des points importants de l'ensemble ; ces quelques trente estampes nées d’une technique extrêmement minutieuse montrent parfaitement la technicité et la complexité de l’artiste.

L’exposition s’est faite sur des prêts de particuliers, du Fonds régional d’art contemporain d’Alsace, du Musée de Grenoble, du Musée d’Art Contemporain du Grand Hornu en Belgique, du Kunstmuseum de Berne et de la galerie Tschudi à Glaris.

Les œuvres :

Le musée Jenisch de Vevey :

Consacrée à l’artiste suisse Balthasar Burkhard, l’exposition organisée par le Musée Jenisch de Vevey en collaboration avec le Musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg où elle a fait étape cet été, nous remémore le parcours d’un photographe connu mondialement. Paysages monumentaux, fragments corporels fortement agrandis figurent parmi les 80 œuvres réunies pour cette occasion.

MAMCO

Ouvert en 1994, le musée développe à Genève une forme nouvelle d'espace consacré à l’art de notre époque. Il se fonde principalement sur douze principes :

1) Il est conçu comme une exposition globale qui alterne expositions temporaires et présentations des collections renouvelées assez régulièrement

2) Les formats d’accrochage et types d’espaces évoquent l’histoire de ce musée et les différents styles d’exposition (on passe de l’appartement du collectionneur jusqu’à la cellule ou la crypte)

3) Il y a une insistance sur les espaces consacrés à des présentations monographiques (Oppenheim, Philippe Thomas …) Les artistes eux-mêmes gèrent leurs espaces d’exposition

4) Les œuvres sont rassemblées par thèmes confrontant des artistes d’horizons, de cultures différentes

5) Valorisation des courants peu connus, des artistes à l’écart du marché (Bertrand Lavier, Jim Show, Siah Armajani)

6) Les expositions temporaires sont choisies de préférence plutôt que l’événementiel et sont axées sur les années 1960/1970

7) Les mêmes artistes sont représentés sous des aspects différents de leur travail

8) Une importance particulière est accordée aux artistes suisses, et notamment genevois (Olivier Mosset, Christian Robert-Tissot, Rémy Zaugg)

9) La collection est constituée d’importants dépôts privés, d’artistes, collectionneurs suisses et étrangers

10) Les pratiques utilisées pour instruire grands et petits sont diversifiées, elles sont fondées sur un rapport vivant avec les œuvres

11) Les livres sont plutôt privilégiés par rapport aux catalogues (écrits d’artistes, essais)

12) Est aussi instaurée une politique d’entraide professionnelle avec les institutions et acteurs de la région ainsi qu’un réseau International

Le MAMCO est aussi un style de vie et de travail qui place les artistes au centre du musée.

Actuellement, le MAMCO possède une collection de 3000 œuvres, dont 1300 lui appartiennent. En douze années, il a réalisé plus de 300 expositions. Il est installé dans une usine maintenant désaffectée, sur plus de 4000m² ; les espaces sont ouverts au public et se divisent en 62 lieux. Ainsi, le MAMCO est le plus grand et le plus jeune musée d’art contemporain en Suisse.

L’immeuble dans lequel le musée se trouve s’appelle le Bac (Bâtiment d’art contemporain). Se trouvent aussi à l’intérieur du Bac le Centre d’Art Contemporain et le Fonds d’Art Contemporain de la ville de Genève. Trois fois dans l’année, le musée présente un nouveau moment de la construction permanente de son projet « in progress ». Actuellement, l’intitulé du projet est « rolywholyoer ».

Aussi, le MAMCO développe un centre spécialisé de documentation et d’archives d’artistes qui sont accessibles par rendez-vous

Depuis le 1er janvier 2005, la Fondation de droit public gère le MAMCO, les deux collectivités publiques assurent le support financier du musée. Christian Bernard dirige le MAMCO depuis son ouverture. Les contributions des fondateurs et co-fondateurs ainsi que les mécènes et autres donateurs constituent l’aide apportée à ce musée.

A l’extrémité du loft Don Judd, s’ouvre la porte de l’Appartement. Fidèle reproduction de celui qu’a occupé et aménagé Ghislain Mollet-Viéville au 26 de la rue Beaubourg à Paris de 1975 à 1991. Collectionneur, agent d’art, G. Mollet-Vieville est avant tout un esthète (personne qui affecte le culte exclusif et raffiné de la beauté formelle), qui a consacré, dès la fin des années soixante, son activité professionnelle à l’art minimal et à l’art conceptuel.

Siah Armajani

Siah Armajani est né en 1939 à Téhéran , il vit à Minneapolis .

En Iran, vers 1957, Siah Armajani découvre petit à petit l’art moderne, puis débute les rudiments de la mise en place de son œuvre. L’écriture et le collage donneront les premières données, qui sont inscrites dans la tradition persane autant que dans une esthétique contemporaine . Il est arrivé en 1960 aux Etats-Unis où il poursuit d’abord dans cette voie, réduisant son travail à la seule écriture. Par exemple , il redécouvre all-over une toile ou une chemise de poèmes iraniens qu’il connaît par cœur. La poésie sera une constante ressource de son œuvre. A la fin des années 1960, il se tourne vers l’art conceptuel, auquel son intérêt pour l’écriture et la réflexion théorique l’avait prédisposé. Il assiste alors à des expositions majeures comme Art by Telephone ( 1969, MoCA, Chicago ), Information(1970 , MOMa , New York )ou documenta V(1972 , Kassel ). Cette exposition réunit presque toutes les œuvres qui restent de cette première période et dont beaucoup demeuraient inédites .

C’est en réalité dès 1967 que S. Armajani commence à s’intéresser à l’architecture des ponts , aux structures de l’habitat vernaculaire et à l’idée d’intervenir en dehors des institutions de l’art. En 1974, il décide de se définir comme « artiste public ». A partir de là, son travail se développe dans l’espace public, par exemple des passerelles piétonnes, des bancs, des jardins ou des chambres de lecture, des kiosques, etc... Son but n’est plus de proposer des objets d’admiration artistique ou esthétique, mais des structures fonctionnelles, des sites utiles dont les spectateurs seront usagers. Son art est plus utile à autrui qu’à l’art en tant que tel., dans la contribution à la liberté de la personne, à sa liberté de pensée, c'est-à-dire déjà en suspens réflectif dans le flux continu des contraintes quotidiennes. Ses œuvres sont des ponts, au sens propre comme au sens figuré, des situations qui font lien, pour se retrouver avec soi ou se tenir ensemble. C’est pour cela qu’elles servent à l’architecture des ingénieurs ou aux cultures populaires plutôt qu’au vocabulaire autorisé des architectes .

Une exposition au musée de S. Armajani ne peut donc que rendre compte de son travail d’intérieur. Ce sont des maquettes, des esquisses ou des projets (qu’ils soient réalisés ou non ), des constructions autonomes (comme des sculptures ou installations) qui orientent sa réflexion sur le sens et les conditions de possibilité d’un art tout entier tourné vers le « commun », qui s’en inspire et qui tend à y contribuer. Intitulée, d’après John Dewey L’art n’est pas le salon de beauté de la civilisation, l’exposition se concentre sur la réimplantation des cinquante maquettes (dont S. Armajani avait fait don au musée en 1995 ) dans un nouvel espace permanent que l’artiste a conçu comme un environnement qui serait également une chambre meublée ou un dispositif d’exposition semi-domestique . Imaginée pour être entièrement complémentaire de la rétrospective présentée il y a onze ans au MAMCO, cette nouvelle exposition regroupe des œuvres récentes et inédites ainsi qu’un large ensemble de pièces qui n’avaient pas été montrées à l’époque .

LE CANETON ILLUSTRE N°4

noreply@hautetfort.com (BR) — Sun, 08 Jun 2008 11:41:12 +0200

Anne Poiré Guallino
Dans la perspective du Baccalauréat de français et dans le cadre du projet Soprano subventionné par le Conseil Régional, tous les élèves de 1^ere vont rencontrer Anne Poiré.

http://auteurs.arald.org/cgi-bin/aurweb.exe/auteurs/voirb?tit=p&AUR_FILE=Poire1965.html

I – Biographie
Anne Poiré est née en 1965 ; elle habite à Belmont de la Loire, tout près de chez nous. C’est une écrivaine contemporaine, auteur de romans, de théâtre, de poésie et d’articles divers. On peut qualifier ses œuvres de variées et ludiques, mais elles peuvent aussi conduire à une réflexion poussée sur des questions existentielles. Elle s’intéresse beaucoup à l’art (peinture, sculpture) et travaille souvent avec son mari : Patrick Guallino. Ce dernier est pour sa part un artiste autodidacte qui a débuté à l’âge de quinze ans. Il est dessinateur, peintre, sculpteur. On peut dire que ses dessins ressemblent à ceux d’un enfant. Il se trouve entre deux univers : l’art brut et la figuration libr

II – Résumé d’une œuvre : Cyan@Volubilis
Cyan@Volubilis est l’histoire d’un garçon, Cyan, dont les parents sont peintre et enseignante. Il se sent rejeté comme beaucoup d’adolescents et commence à chatter sur le Net. On peut voir ici le thème des nouvelles techniques de communication. Il y rencontre plusieurs personnes, mais s’attache en particulier à une fille, Volubilis. Cette dernière l’aide dans son travail scolaire : il s’agit du rapport du professeur avec l’élève que connaît bien cet auteur car c’est son métier initial. Cyan lui fait part de son secret, le fait qu’il croit avoir vu un robot vivant. Par la suite, Volubilis disparaît du Net pendant un moment, en raison du décès de son oncle, médecin. Puis, au terme d’une longue attente pour Cyan, ils reprennent contact et procèdent à un échange par la poste, Cyan lui envoie la photo du robot et Volubilis lui fait parvenir un exemplaire de l’une de ses nouvelles. Il s’avère que Cyan a en fait pris une photo de Volubilis. En effet, quand elle était petite, elle a eu un accident puis s’est ensuivie une amputation. Maintenant , elle a beaucoup de mal à se déplacer. Son oncle, peu avant sa mort, l’avait appareillée pour l’aider à surmonter ce handicap qu’elle avait du mal à supporter. Cela nous montre que Volubilis est mal dans sa peau, tout comme Cyan : ce point commun les rapproche. Cyan , malgré tout cela ou peut-être à cause de cela, est tombé amoureux d’elle. La rencontre avec Volubilis via Internet lui a permis de s’ouvrir aux autres, mais aussi de voir qu’il y a des situations pires que la sienne. Tout au long de l’œuvre, on remarque une certaine pudeur de l’auteur, qui fait ici un constat sur les relations au sein de la société, ce dans le contexte d’une littérature de jeunesse.

DERNIERE MINUTE… DERNIERE MINUTE… DERNIERE MINUTE… DERNIERE MINUTE…

Ce vendredi vingt-trois mai après-midi, Anne Poiré est venue nous rendre visite, et ce fut GENIAL !!!... Cette écrivaine enthousiaste a su nous parler avec passion de son métier, de ses personnages, de ses conditions d’écriture, nous permettant au passage de faire de bonnes révisions avant le Bac, notamment à propos des genres littéraires. Elle nous a alléchés en nous lisant quelques extraits de plusieurs de ses ouvrages, complétant ainsi agréablement notre programme de Français, et nous donnant bien sûr envie de lire la suite !...
Ce fut vraiment un moment formidable que ces deux heures intenses passées en sa compagnie ! Peut-être certains d’entre nous trouveront-ils (ou retrouveront-ils) le chemin des livres !!!

UN GRAND MERCI DONC A ANNE POIRE pour nous avoir consacré du temps, et avoir su nous faire partager sa passion pour la littérature, et aussi pour les gens, notamment ceux a qui l’on ne donne pas forcément la parole d’ordinaire…

Les Bonnes

Les Bonnes est une pièce de théâtre écrite par Genet, en 1947. Les bonnes, personnages qui donnent à la pièce son titre, sont Solange (l’aînée, qui semble la plus révoltée) et Claire (qui paraît plus réservée). Ce sont deux soeurs au service d’une riche femme bourgeoise depuis plusieurs années. Ces deux sœurs entretiennent une relation assez ambiguë, peut-être homosexuelle, et s’habillent à tour de rôle des robes de leur maîtresse.

I) Jean Genet :

Il est né en 1910 et est un enfant de l’assistance publique. Il connut la prison (accusations pour vol), la prostitution et l’homosexualité. Il écrivit en 1942 son premier poème en prison : Le Condamné à Mort. Il est extrémiste, anarchiste, et fait partie du théâtre de l’Absurde. Il est surtout connu pour ses pièces de théâtre,qui sont au nombre de cinq. Sa dernière fut écrite en 1961 et s’intitule Les Paravents. Il était en décalage avec la société contemporaine.

II) Le fait-divers :

Cette histoire est fondée sur des faits réels : Léa et Christine Papin, plus connues sous le nom des sœurs Papin, sont deux employées de maison, auteurs d'un double meurtre sur leurs patronnes, le 2 février 1933 au Mans. Ce fait-divers tragique - qui deviendra l’affaire Papin - et le procès des domestiques « modèles » ont éveillé l’intérêt de la France entière, des couches populaires aux milieux littéraires et intellectuels. Cela dit, cet engouement s'est plus apparenté à une excitation généralisée, les uns exigeant la mise à mort, les autres niant la singularité de ce crime et soulevant la question de l’exploitation des classes laborieuses. Cette histoire est donc fortement inspirée de ce fait divers terrible.

III) La représentation :

La scène était très sombre, et vraiment dépouillée. Seuls se dressent un miroir couvert de tissus, et une structure métallique sur le côté gauche. Les deux actrices étaient vêtues de noir, et pieds nus. Une lumière venant de très haut nimbait leurs silhouettes, comme si elles étaient en sous-sol. Tout le reste de la scène était sombre, l’atmosphère pesante, seuls les moments de rêves étaient plus éclairés. La structure métallique très symbolique représentait sans doute la société qu’elles veulent faire bouger mais qui reste en place, une société qui ne fait pas de cadeaux ! Quant à l’escalier de service, il est très utilisé par les bonnes, et est censé représenter leur désir d’ascension sociale. C’est aussi une image de l’enfermement, avec l’assimilation à un animal en cage. Le réveil symbolise le retour à la réalité mis en scène grâce à la lumière. Le miroir est utilisé comme un révélateur de la profondeur de l’âme, et de la personnalité réelle de chacune des bonnes (offrant ainsi une analyse psychologique). Les tissus évoquent les robes de leur maîtresse. Grâce à ces atours, elles se mettent en scène dans des rôles dont elles rêvent qu’ils les font sortir de leur dure réalité de vie. On note en outre un aspect de volupté, avec les tissus vaporeux. C’est aussi un moyen d’exprimer ses fantasmes.

IV) Conclusion personnelle sur la pièce :

Il y a eu des avis négatifs, dus en grande partie à des difficultés de compréhension de la pièce. Cette œuvre était en effet assez complexe, surtout à la première vision. Certains ont en outre été décontenancés, car ils n’ont pas l’habitude d’aller au théâtre. Néanmoins, d’autres ont aimé tout de suite. De plus, une reprise en classe et une mise en commun ont éclairé certains points trop obscurs. En revanche, des problèmes de discipline sont survenus, de la part d’autres écoles, ce qui a perturbé le bon déroulement de la pièce et nous a permis de mesurer combien il est important pour tous d’avoir un public réceptif.

LE CANETON ILLUSTRE N°3

noreply@hautetfort.com (BR) — Sat, 08 Mar 2008 11:57:50 +0100

LE CANETON ILLUSTRE

numéro 3

[journal modeste des élèves de la classe de Première L du Lycée Notre-Dame]

LE SALON DE L’ETUDIANT :

Les élèves de 1 ère (L, ES, S) de Notre-Dame se sont rendus au Salon de l’Etudiant de St- Etienne le 17/11/07 grâce à la gentillesse de deux professeurs : M. DUTOUR, M. DURIX, et de la documentaliste : Mme VERMOREL.

Nous sommes partis de Charlieu en car vers 8h30, et sommes arrivés au Parc des Expositions de Saint-Etienne vers 10h au moment de l’ouverture du Salon. Les élèves étaient libres de circuler et de se renseigner auprès des 90 stands présents, où des professionnels et des étudiants étaient à leur disposition pour répondre à leurs questions et calmer leurs angoisses.

Il y avait également des conférences traitant des possibilités d’orientations après les différents BAC (universités, classes préparatoires,…) avec de nombreux intervenants.

Concernant les exposants, un grand nombre de secteurs d’activités étaient représentés. Il y en avait donc pour tous les goûts ; à noter que certaines écoles de la région étaient présentes dans le cadre de leurs programmes post-BAC.

Nous sommes repartis à 12h après deux heures de visite enrichissante pour nos projets d’études.

LES CHANTIERS DE L’ORIENTATION :

Le samedi 26 janvier, de nombreux Anciens élèves du lycée sont venus nous présenter leurs formations dans le cadre de nos futures orientations. Nous pouvons dire que tous les types d’études post-bac étaient représentés, ainsi qu’un CAP. Ce fut l’occasion pour les professeurs de retrouver des connaissances et de prendre de leurs nouvelles.

Nous espérons que les élèves présents auront pu profiter des conseils des étudiants qui se sont gentiment déplacés et étaient malheureusement déçus de voir aussi peu de 1ères et de Terminale.

Nous souhaitons donc plus d’enthousiasme de notre part l’an prochain pour une nouvelle rencontre !

ALLEMAGNE : SUITE ET FIN AVEC LES IMPRESSIONS D'ELIE GONFRIER :

Tout d’abord, l’accueil de ma famille fut très chaleureux. Je fus très vite mis en confiance malgré la barrière de la langue. Par la suite, nous apprîmes à mieux nous connaître et des liens forts se sont tissés. Ma famille m’a beaucoup impliqué dans les activités extrascolaires (sportives, culturelles. . .) et je l’en remercie.

A l’école, Delphine et moi restions ensemble, mais des relations se sont nouées assez rapidement avec nos homologues allemands, filles et garçons. Quant aux professeurs, certains nous faisaient participer activement aux cours (nous avons dû faire un exposé sur la musique française en cours de Français), tandis que d’autres ne se préoccupaient pas de nous.

En outre, l’école allemande et l’école française diffèrent dans leur fonctionnement. En effet, la numérotation des classes allemandes est l'inverse de la nôtre. De plus, les cours durent moins longtemps (45 minutes) et les relations beaucoup plus amicales et chaleureuses qu’en France. Il y a aussi beaucoup plus de « par cœur » en Allemagne.

En outre, si la nourriture est quasiment similaire à la nôtre, c’est le mode d’alimentation qui diffère : en effet, les Allemands mangent beaucoup plus souvent : notamment à 10 heures le matin pendant les cours. De plus, les repas ne sont pas servis exactement de la même manière : il n’y a pas la notion d’entrée, de plat principal…Tous les plats sont présentés en même temps et les convives se servent à leur guise. Enfin, la mentalité Allemagne est différente de celle des Français : les Allemands sont plus amicaux, plus conviviaux, plus joviaux. Cela nous a permis, à Delphine et moi, de nous intégrer immédiatement et de ne pas nous sentir en marge vis-à-vis de nos camarades de classe notamment.

En conclusion, je dirai simplement que j’ai eu une chance incroyable de pouvoir faire ce voyage et j’invite tous les germanistes à en faire autant.

REACTIONS A PROPOS D'UN FILM QUI EST SORTI EN DVD ET QUE NOUS AVONS APPRECIE : LE LABYRINTHE DE PAN, DE GUILLERMO DEL TORO :

Un peu d'Histoire :

La guerre civile espagnole

Le front populaire gagne les élections en février 1936. Le dirigeant nationaliste Franco Franscico arrive au pouvoir le dix-huit juillet 1936 ; c’est alors que débute une guerre civile, provoquée par l’assassinat du monarchiste Sotelo, guerre qui dure trois ans et divise le pays en deux.

D’un côté , l'on a les Nationalistes, qui s’opposent au gouvernement républicain et qui reçoit l’appui d’une grande partie de l’armée, des phalangistes, des riches propriétaires, des monarchistes, de l’Eglise, d’Hitler et de Mussolini et, dans l’autre camp, les Républicains qui recherchent plus de libertés et qui sont aidés par une partie de l’armée, les brigades internationales et l’Union Soviétique. Le conflit causa la mort de plus de 600.000 personnes, en partie à cause de la répression.

L’Angleterre et la France appliquèrent une politique de non-intervention face à Franco le 15 janvier 1939. La France reconnut même le gouvernement de ce dernier le 25 février. Par la suite, de nombreux réfugiés républicains arrivèrent en France ainsi qu’en Amérique Latine. Hitler envoie la légion Condor qui est une escadrille qui expérimentera les bombardements massifs sur les villes dont Guernica, ce qui inspira le célèbre Picasso. Ce fut un véritable traumatisme pour toute la population autant culturellement que moralement. Certains auteurs tels que André Malraux ou bien Pablo Neruda se sont engagés auprès des Brigades Internationales.

Rendre compte de la réalité selon Del Toro :

Le faune représente une image assez négative, celle d'un être manipulateur et hypocrite ; il semble vouloir duper la fillette. On peut imaginer que le réalisateur le compare à Franco qui est arrivé au pouvoir avec des mensonges et en dupant une partie de son électorat. C’est pour cela que l’on peut penser que le faune et la petite fille sont représentatifs de Franco et du peuple d’Espagne. Le réalisateur se sert ici de l’aspect fantastique et de son personnage pour retranscrire la vérité. Mais le faune va aussi aider l'enfant, et alors on peut se demander si le réel est toujours ce que l'on croit...

D’autre part, en 1944 la résistance s’organise, cela est caractérisé par l’enfant qui va naître, mais aussi par les trois épreuves que doit traverser Ophélia. Karen, quant à elle, représente les femmes et le statut qu’elles ont durant cette période sombre ; cette dernière n’a pas vraiment d’opinion politique. On peut voir aussi que Del Toro nous montre, en passant du réel à l'imaginaire, une certaine indécision de l’être humain entre ces différentes idéologies politiques ou religieuses. De plus, le rapport entre la réalité et le merveilleux est aussi traité avec le thème de la violence qui entraîne, via Ophélia, la perte de l’innocence. Le réalisateur veut montrer ici, les répercussions pas seulement physiques, mais aussi morales et existentielles, qu'a pu avoir ce conflit sur la population. On peut voir que le fascisme est incarné par le beau-père : le capitaine Vidal qui détruit le merveilleux, donc le libre-arbitre et la liberté de chacun, en commençant par Ophélia. Cette dernière représente l’espoir. D’autre part, Del Toro veut nous montrer que le merveilleux a ses limites car ce dernier n’est pas si rassurant que cela : des bêtes lugubres attendent en effet la fillette dès sa première épreuve. Les nombreuses scènes violentes illustrent le fanatisme du personnage, froid et barbare, de Vidal qui refuse l’imaginaire, le merveilleux ; c’est ce qui lui fera perdre son épouse. On comprend ici que l’innocence est plus forte que le mal, et ce malgré la mort d’Ophélia à la fin du film. On voit bien que cette dernière ne meurt pas tout à fait car elle est symbolise l’espoir en une vie meilleure.

Le baroque dans le film :

Le baroque est au départ un courant qui tire son origine de la Contre-Réforme, mouvement qui, au XVIè siècle, est destiné à lutter contre l’essor du protestantisme, et à tenter de reconquérir des fidèles. Or, nous savons que Franco avait le soutien de l’Eglise ; le réalisateur entend donc ici fustiger cette alliance en se servant d’une atmosphère baroque, mais dans un climat de subversion. Force est néanmoins de constater que, dès sa création, le baroque avait aussi intégré cette composante. Ainsi, l’art devient, dans le film, à la fois le moyen de contester la façon dont les fascistes se comportent, mais aussi l’occasion pour la petite fille d’échapper à ce monde angoissant des militaires, pour retrouver l’imaginaire propre à l’enfance, et ainsi fuir ce beau-père qu’elle ne parviendra jamais à aimer. . .

Le baroque est aussi le mouvement de la métamorphose, puisque sa figure emblématique est Protée. Dans le film, nous voyons que le réel sans cesse subit des transformations, soit sous l’effet des hommes, soit sous celui de l’imagination. Ainsi, des éléments qui proviennent du réel, par exemple une vulgaire racine de plante, se parent de vertus magiques, telles celles de la mandragore, et sont censés avoir des forces occultes. Nous nous apercevons que le réel et l’imaginaire sont intimement liés dans cette oeuvre, et que l’enfant a besoin de se recréer tout un monde, à mi-chemin entre les contes qui font rêver, et les fables plus ésotériques, pour fuir une réalité menaçante et sordide. Le monde de l’illusion devient alors, pour Ophélia, l’occasion de parfaire son éducation, et nous la voyons suivre un véritable parcours initiatique, qui doit lui permettre d’échapper aux forces du Mal, pour sauver sa mère, son petit frère, et sans qu’elle le sache, également, pour boucler une histoire beaucoup plus ancienne, puisqu’elle est en fait la réincarnation d’une princesse médiévale, et qu’elle doit accomplir une quête semée d’embûches afin que l’imaginaire ne disparaisse pas.

D’ailleurs, tout ce jeu entre réel et imaginaire, tous ces éléments qui sont à la frontière entre notre monde et celui de l’illusion, sont tout à fait, une fois encore, dans la perspective baroque ; car la mort, dans ce courant, n’est qu’un passage, qui doit nous faire prendre conscience de la vanité de l’Ici, par opposition à un Ailleurs qui constitue la vraie vie . Or, dans le film, la vérité se trouve du côté de l’imaginaire, puisque il échappe au temps, ainsi qu’en témoigne la figure récurrente de Pan ; ce dernier permet à Ophélia de naviguer sans problème d’un univers à l’autre, et de ne plus faire qu’une avec la Princesse à la fin, alors qu’elle pénètre à nouveau dans le royaume rayonnant de son père, où elle retrouve sa famille enfin rassemblée.

Par conséquent, le réalisateur, même s’il s’éloigne un peu des origines du courant dans ce film, réinvestit néanmoins la plupart de ses valeurs : critique de la vanité du pouvoir des hommes et des choses terrestres, plaidoyer pour l’imagination et le rêve en même temps que panégyrique de l’art, et surtout immense espoir. . .

La mise en abyme de l’art :

Tout d’abord, on note le rôle prépondérant de l’imaginaire et de la lecture dans ce film. En effet, la petite fille s’évade de sa triste situation familiale : un beau-père franquiste pendant la guerre civile espagnole. La lecture joue donc un rôle central dans cette histoire, puisqu'elle survit grâce à cette littérature. Certes, elle mourra à la fin du film, mais elle gardera son innocence dans cette difficile épreuve qu’elle subit. C’est donc l’art en général qui la sauvera, en quelque sorte.

Nous constatons en outre que l’histoire s’écrit au fur et à mesure que le film prend place, et nous assistons ainsi en direct à la gestation de l'oeuvre. La feuille blanche, qui symbolise la vie de la jeune fille, se remplit au cours du film. C’est donc une mise en abyme de l’art en général : sa vie s’écrit, et s’immortalise sur papier, tandis que le film permet à l'histoire de s'immortaliser.

Enfin, toujours dans la perspective de la mise en abîme, les constats passages entre le réel et l'imaginaire nous donnent à voir les finalités du film : il s'agit, à partir d'une histoire qui relève d'un certain romanesque, de témoigner d'une période importante de l'Histoire.

Enfin ... la 2ème édition !

noreply@hautetfort.com (BR) — Wed, 23 Jan 2008 15:25:00 +0100

LE CANETON ILLUSTRE

numéro 2

[journal modeste des élèves de la classe de Première L du Lycée Notre-Dame]

VOYAGE EN SUISSE voir l'album !

(Il va de soi que c'est notre vision, à nous Littéraires...)

Mardi 16 octobre

INSTITUT VOLTAIRE

Malgré un léger retard dû à un accident sur la route, nous avons été chaleureusement accueillis par le conservateur, Monsieur François Jacob, qui nous a fait revivre la personnalité du célèbre philosophe des Lumières dans les moindres détails. Nous avons ainsi pu aisément compléter ce que nous avions appris en cours.

Les Délices est la demeure qu'occupa Voltaire durant son séjour à Genève, avant de déménager pour Ferney. Dans la première salle, nous avons pu admirer des tableaux le représentant, ainsi que d'autres mettant en scène des personnalités qui lui étaient proches. Nous avons également eu l'occasion de jeter un oeil sur la bibliothèque, qui fait désormais référence parmi les chercheurs.

Les deux salles suivantes regroupent soit des objets ayant appartenu au philosophe, soit ont été reconstituées selon l'ameublement de l'époque. La dernière pièce du rez-de-chaussée offre une exposition sur Candide, ce qui tombait à pic, puisque notre futur contrôle de lecture portait justement sur cette oeuvre !!!...

A l'étage supérieur, trônait un buste, et nous avons admiré une série de croquis d'un artiste contemporain, qui a campé en quelques minutes seulement le personnage dans des poses typiques.
Un grand merci à notre guide, qui a su rendre la visite intéressante grâce à ses nombreuses anecdotes, et à son humour.

MUSEE RATH, EXPOSITION SUR PHILIPPE DE CHAMPAIGNE

L'exposition était intégralement centrée sur les rapports de ce peintre avec la religion, et notamment avec Port-Royal. Nous avons pieusement pris des notes sur des tableaux qui, il faut le reconnaître, faisaient l'objet d'une abondante documentation en annexe. Mais force est de constater que, si l'artiste est sans doute un maître du genre - lui qui a suivi tout d'abord les préceptes du courant baroque, puis s'est converti au classicisme -, nous n'avons pas toujours su goûter au maximum la substantifique moelle de tout cela, que nous avons trouvé un peu répétitif. Une bonne exposition donc pour les esthètes, mais un peu malaisée à suivre pour les profanes que nous sommes. D'ailleurs, les profs ne paraissaient pas plus convaincus que nous par l'art classique...

Mercredi 17 octobre :

Martigny : 9H30 :

Début de la visite de l'exposition Chagall entre Ciel et Terre à la fondation Gianadda

Biographie de Chagall :

Chagall, de son vrai nom Moishe Zakharovitch Shagalov est né en 1887 dans le quartier juif de Vitebsk, en Russie. Il est issu d'un milieu modeste. Il grandira, d'ailleurs, dans un shtetl de Biélorussie. Il connaît une enfance difficile, et ses premières oeuvres n'ont pas beaucoup de succès. En 1907, il part pour Saint-Pétersbourg, où il s'inscrit à l'Ecole Impériale d'Encouragement des Arts, qu'il quitte en 1908. A Paris où il s'installe, quelques amateurs d'art commencent à s'intéresser à son travail. En 1914, il organise sa première exposition personnelle à Berlin. Il fait un voyage à Vitebsk pour rendre visite à sa famille et à sa fiancée, mais la guerre l'empêche de rentrer en France?

. Il épouse Bella ; leur fille naîtra un an plus tard. Il dirige ensuite la nouvelle académie d'art de sa ville natale, puis part s'installer à Moscou ; il y réalise notamment des décors de théâtre. En 1923, il regagne Paris via Berlin, où il s'initie aux techniques de la gravure. A Paris, avec Bella et Ida, sa fille, Chagall retrouve son atelier à la Ruche, mais les toiles qu'il avait laissées avant de partir ont disparu; Il y en avait plus de cent cinquante. Elles furent vendues pendant son absence. Il les reproduira quasi à l'identique. La seconde guerre mondiale survient. Chagall et sa famille se réfugient à Blois avant de rejoindre André Lhote à Gordes en Provence. Conscient du danger, il quitte la France pour New York via l'Espagne. A la fin de la guerre; il regagne Paris pour quelques mois, le temps d'assister à la première rétrospective de son oeuvre au musée d'Art moderne, et repart aussitôt pour New York. Il se retirera durant la dernière partie de sa vie dans le Sud de la France. Il mourra le 28 mars 1985.

Léonard Gianadda est un promoteur immobilier et mécène suisse né à Martigny le 23 août 1935. Il constitue en 1978 la Fondation Pierre Gianadda en souvenir de son frère mort accidentellement le 31 juillet 1976.

Ce musée est divisé en plusieurs parties : exposition Chagall entre Ciel et Terre, exposition sur Léonard de Vinci et une collection privée d'automobiles.

1) Exposition Chagall entre Ciel et Terre :

Les tableaux étaient présentés au travers d'un circuit, où l'on pouvait découvrir les oeuvres par ordre chronologique.

2) Exposition sur Léonard de Vinci :

Dans cette partie du musée, étaient présentées de façon ludique les inventions de ce génie du XVIè siècle. Nous avons découvert qu'il n'était pas seulement un prodige de la peinture, mais qu'il était également un inventeur en avance sur son époque.

3) Collection privée d'automobiles :

Pour finir, les voitures présentées dataient des années 50. Elles étaient superbes, malgré leur vieil âge.

12H10 : Pique-nique dans un vieil amphithéâtre de la ville, où un père de famille s'est illustré dans une course à travers le monument, sans craindre aucune honte. Quel homme !

14H20 : Nous commençons la visite du musée d'art brut de Lausanne

Y étaient présentées des oeuvres d'artistes fous, atteints de maladies mentales. Certaines oeuvres étaient donc très particulières ! Nous avons pu nous forger notre propre opinion sur ces créations d'un genre à part. Cela permet à ces gens de s'exprimer, par le biais d'une autre forme d'art, non conventionnelle. C'était un musée interactif, servi par des vidéos et une mise en scène ludique. Certains d'entre nous se sont posé la question de savoir si c'était vraiment de l'art. En effet, c'est le leitmotiv de ce musée : faire réfléchir les visiteurs sur les différentes natures de l'art. Certaines oeuvres pouvaient mettre mal à l'aise, avec un contenu parfois un peu choquant, ou du moins dérangeant, déstabilisant, tel Henry J. Darger, ou Michel Nedjar. Nous avons quitté le musée, pleins d'interrogations.

Fin d'après-midi à Lausanne : Visite de l'Expo d'Archéologie et de l'Expo de Géologie

Deux groupes d'élèves sont formés : les L/ES d'un côté, pour visiter l'exposition d'Archéologie ; de l'autre, les S qui ont visité l'exposition de Géologie.

Nous (L/ES) avons donc découvert les techniques de fouilles archéologiques modernes, ainsi qu'une présentation ludique de la vie de nos ancêtres. La visite fut agréable, malgré le peu d'éléments présents, la mise en scène étant très réussie.

Temps Libre dans Lausanne :

Les élèves et leurs professeurs ont donc pu découvrir cette très belle ville, et faire quelques achats.

Jeudi 18 octobre :

VISITE DU MUSEE DE LA PHOTOGRAPHIE

Ce musée, en apparence minuscule, offre en fait une prodigieuse collection de tous les objets liés à la photographie. Il se prolonge sur plusieurs étages, et dans une construction annexe, le tout dans une atmosphère assez intimiste, qui permet à la fois de bien profiter de l'exposition, et de ne pas être gêné par les autres visiteurs. L'ensemble est ainsi organisé que, au fur et à mesure de la montée dans les étages, qui sont au nombre de trois, l'on progresse dans l'évolution de l'appareil photo et des techniques photographiques. L'ensemble est donc très pédagogique, et pas ennuyeux du tout, d'autant que nous avons pu faire des expériences avec un laboratoire reconstitué.

Dès la première salle, l'interactivité prédomine, et le public est constamment sollicité pour participer à de courtes expériences, qui permettent de mieux comprendre, notamment tout ce qui concerne les lois de l'optique, un peu rébarbatives dans l'absolu pour des littéraires... Dans ce premier lieu d'exposition, nous trouvons les ancêtres de l'appareil photo actuel, et tous les procédés qui permettaient initialement de rendre compte du réel par le biais de l'image. Nous avons pu ainsi réaliser différents tests, qui nous ont fait comprendre les difficultés pour mettre au point des éléments fiables en la matière.

Au premier étage, sont offerts au regard du public les tout premiers appareils photographiques. De plus, nous avons aussi pu admirer des cylindres optiques, ancêtres de notre cinéma.

Au dernier étage, nous poursuivons la saga des appareils, et découvrons également un ancien studio de photographe à la fin du XIXè, en regard d'un photomaton des années quatre-vingts.

Dans la bâtisse annexe du musée, nous visitons une exposition de photographies consacrée à Alain de Kalbermatten, médecin, mais également photographe et grand voyageur. La première salle met en scène l'objet, dans des situations inédites, et donne ainsi un autre regard sur le quotidien. La deuxième s'intéresse à un hôtel désaffecté ; l'artiste magnifie ainsi le réel, à tel point que l'on oublie souvent ce qui est initialement photographié. Une troisième salle, enfin, traite de la couleur rouge, dans des variations somptueuses.

Cette visite, variée, attractive, a su nous conquérir.

LE MUSEE JENISH DE VEVEY ET LES INSTALLATIONS DE DENIS SAVARY

Ce musée, ainsi que nous avons pu l'apprendre de la guide, est le fruit d'une donation, celle d'un riche industriel qui a permis d'ouvrir ce lieu d'exposition. Le jeune artiste Denis Savary a voulu, pour cette exposition, à la fois rendre hommage à Mme Jenish en élaborant des installations qui permettent de mettre en valeur la demeure, et offrir des espaces intimes, et d'autres plus mondains plus ouverts sur l'extérieur. A cet égard, l'ensemble nous a un peu fait penser à l'exposition sur l'Envers et l'Endroit, que nous avions pu voir la veille au musée d'Art Brut de Lausanne.

Le jeune artiste, à qui l'on avait donné carte blanche, a à la fois utilisé des ressources qui se trouvaient sur place (à savoir issues des collections permanentes, puisque le musée possède un riche fond de gravures, d'oeuvres de Kokoscha, Félix Vallotton), demandé à d'autres artistes contemporains d'intervenir avec leurs réalisations, le plus souvent des installations, et exposé ses propres réalisations.

Nous avons cependant été un peu déconcertés au début par ce qui s'offrait à notre regard ; et les explications qui nous ont été données n'ont pas toujours levé nos interrogations. L'art contemporain, en effet, nous est plus difficilement accessible, et nous ne voyons pas toujours où les artistes veulent en venir, quel message ils entendent nous transmettre.

La première salle, plongée dans une espèce d'obscurité seulement traversée de quelques lumières tamisées, mettait en scène une série de cartes de voeux, déposées sur des tables basses ; au mur, l'on pouvait voir des rectangles gris, tandis que dans un coin, un poste de télévision, posé à même le sol de manière verticale, laissait des parasites apparaître... L'ensemble nous laissa fort perplexes... La guide nous indiqua alors la provenance des cartes de voeux : c'étaient ce que recevait régulièrement la conservatrice chaque année, et qu'elle gardait religieusement dans ses archives. L'artiste, pour oeuvrer dans le sens de l'intime et de la convivialité a sans doute voulu reprendre la tradition anglo-saxonne, qui veut que l'on expose dans le salon les cartes de voeux que l'on reçoit ; mais le fait que l'exposition regroupe les cartes de très nombreuses années, donnait une idée du temps qui passe et, dans une certaine mesure, de l'artificialité de ces envois, puisqu'il n'était pas rare de voir que les cartes étaient similaires d'une année sur l'autre, et que les formules rituelles, toujours semblables, brillaient pas leur absence de sentiment réel et leurs aspects conventionnels. Pour corroborer cette vision du temps qui passe, l'on pouvait entendre le pas cadencé d'un cheval, toujours le même, qui accentuait l'impression de piétinement. La télévision, quant à elle, qui ne diffusait aucune émission, ne présentait même pas la mire, nous semblait au départ hors de propos ; mais, avec les questions et les réponses de la guide, nous nous sommes demandé si ce n'était pas une autre illustration de la vanité des choses, et d'une espèce de circularité du temps.

Notre étonnement face à cette première salle nous a sans doute empêchés de voir les fameux lapins annoncés dans l'affiche, et que l'autre groupe a pu déceler, en haut de la pièce, cachés dans la pénombre. Comme quoi, dans un musée, on ne voit pas tout ! Cela nous confirme dans l'idée qu'il faut faire plusieurs visites si l'on veut espérer comprendre !....

Dans l'autre salle du même étage, nous avons pu voir au sol d'immenses réalisations faites de serpentins mis bout à bout, qui faisaient, par leur circularité, deux espèces de tapis colorés au centre de la salle, et pouvaient faire penser au tricotin de notre enfance. Sans doute était-ce une illustration du côté festif de l'art, mais également cela voulait peut-être évoquer les mondanités auxquelles toute maison doit s'adonner. Nous nous sommes interrogés pour savoir s'il n'y avait pas une continuité avec l'expression de la temporalité évoquée dans la précédente salle, mais c'est là pure hypothèse, et il est vrai qu'avec l'art contemporain, nous pouvons poser beaucoup de questions, mais n'avons pas souvent de réponses... Dans l'une des vitrines le long des murs, iI y avait un pull de laine ; nous commencions à ébaucher des tas de théories, à mettre en relation avec les tapis centraux, quand la guide nous dit que c'était tout simplement le pull abandonné par l'un des ouvriers chargés de mettre en place les oeuvres, et qui avait déserté dès le premier jour ; comme quoi, parfois, l'art tient à peu de choses, et à trop théoriser, à être trop intellectuels, on se trompe !!!

Au mur, une série d'oeuvres nous posa question ; dans chacune d'elles, de très loin, nous pouvions apercevoir un rectangle blanc, qui occultait une partie de la gravure, réalisée avec des oeuvres originales de Félix Vallotton, et qui font partie des collections permanentes du musée. Heureusement que la guide nous donna la solution de l'énigme : il s'agissait en fait d'un immense puzzle, qu'il fallait reconstituer au fil de la salle. Aussitôt, nous y vîmes une espèce de métaphore de l'art, puzzle à reconstituer au fil des expositions, des musées, et aussi des générations d'artistes...

Dans l'immense escalier à double entrée, notre guide nous montra les clochers des deux églises dont elle nous avait parlé dans le hall d'entrée, et dont la caméra située sur le toit donnait une vision panoramique, notamment avec les coupoles.

A l'étage supérieur, nous pénétrâmes d'abord dans la salle de gauche, aménagée comme une immense salle de réception avec, le long d'un mur, un canapé noir qui ne demandait qu'à être utilisé. Dans un coin de la salle, nous découvrîmes une vidéo. L'ensemble pouvait nous faire songer à n'importe quel intérieur où une famille regarde la télévision. D'autant que, au mur, l'on voyait une série de petits tableaux, organisés presque en croix de Saint-André, mais avec une petite variante qui semblait introduire dans cet ensemble une part de hasard. Nous retrouvâmes une oeuvre d'un artiste de l'art brut : Paul Amar, qui donnait encore à la pièce davantage l'impression d'être habitée, ainsi que Savary l'avait préalablement établi. Sur un mur, s'appuyait une partie de vélo, posée là comme aurait pu l'abandonner un enfant, dans un équilibre instable, que d'ailleurs l'un d'entre nous, sans malveillance aucune, heurta... II remit l'objet aussitôt en place, ayant eu l'immense privilège de participer ainsi, en direct, à l'élaboration de l'oeuvre ; comme quoi, l'on peut être artiste sans le savoir !!!...

Toujours dans cette même salle, des clous enfoncés dans les parois retinrent notre attention ; fallait-il y avoir l'état latent d'un futur accrochage, une pièce dans laquelle des changements avaient été effectués, ou une oeuvre à part entière ??? Nos interrogations demeurent, mais l'un d'entre nous se fait encore beaucoup de souci pour savoir comment, une fois l'exposition achevée, le musée retrouvera sa bonne santé, après avoir été martyrisé par autant de clous, plaies vivantes dans le mur immaculé...

Une autre série de petits tableaux, très satiriques, donnaient à voir des hommes dans des situations de la vie quotidienne ; l'un était même dans son plus simple appareil... Mais rien de commun avec un Apollon vivant !!!

Dans la salle en face, des assiettes accrochées au mur, surplombant d'immenses tiges de métal, contribuèrent à notre incompréhension. Mais notre guide, une fois encore, nous dévoila une partie de l'énigme ; il s'agissait d'une référence aux métiers du cirque. Nous pûmes alors échafauder quelques hypothèses : les assiettes pouvaient peut-être, après le salon, nous faire songer à une salle à manger... Mais la présenter de manière traditionnelle n'eût pas correspondu aux idéaux de l'art contemporain ; il fallait au contraire suggérer, et laisser le public se constituer lui-même à la fois son parcours, et ses interprétations. Dans un coin de la pièce, il y avait aussi une vidéo : on y voyait un homme blanchir des sapins, tandis que, dans un autre court-métrage, un individu descendait des escaliers en roulant sur lui-même. Nous devons reconnaître que nous n'avons pas su trouver d'explication convaincante sur le sens â donner à ces oeuvres...

Entre le " salon " et la " salle â manger", une petite pièce nous intriguait depuis un certain temps ; nous y entrâmes enfin : elle était plongée dans une semi-pénombre, et surtout, des bruits agréables qui venaient de fontaines disséminées dans tout l'espace se laissaient entendre. Nous nous livrâmes, dans cet espace, à une courte promenade qui nous fit déambuler entre des bustes, établis à des hauteurs différentes, et qui nous firent penser à l'Antiquité. II nous semble que c'était une vision de la culture, du savoir, véhiculée par les générations successives, et symbolisée par toutes ces fontaines, à la fois sources d'Hippocrène et véritable fontaines de Jouvence, puisque n'est-ce pas la culture qui nous fait rester jeunes (du moins dixit notre enseignante, parce que nous, nous n'éprouvons pas toujours le besoin de culture pour être jeunes !!!....) Tout autour de la pièce, des rubans jaunes, tels que ceux que mettent les viticulteurs sur leurs vignes alentour pour éloigner les oiseaux, donnaient une notre de couleur dans un ensemble en noir et blanc, et paraissaient en quelque sorte interdire la salle aux regards inquisiteurs, ou du moins nous en montrer le caractère intime, seulement accessible après un véritable parcours du combattant. Peut-être était-ce là le symbole de nos inconscients, ou encore l'envers du savoir, à mettre dès lors une nouvelle fois en relation avec l'exposition de l'art brut sur L'Envers et l'Endroit... ou encore le lieu réservé aux seuls initiés, qui se rencontrent au cours d'une promenade dans les arcanes de l'Art.... Nous retournâmes dans la salle précédente, attirés par un bruit nettement moins agréable. Dans un coin, nous découvrîmes un petit escalier. Durant toute notre ascension, nous aperçûmes des gravures caricaturales, tandis que le bruit strident allait croissant. Parvenus sur une espèce de mezzanine, nous pûmes voir enfin les travaux de Denis Savary en personne... Une série de petits tableaux, vraiment minuscules, parfois très caricaturaux, qui n'étaient pas sans rappeler Daumier, mais un Daumier modernisé, qui aurait porté son regard sur les dysfonctionnements de notre époque. Quant au bruit bizarre qui nous déchirait les oreilles depuis un certain temps, nous comprîmes enfin d'où il tirait sa source: une espèce de barbecue, avec une machinerie stridente, qui elle n'était pas sans rappeler Tinguely ; et alors, nous fîmes le rapprochement avec la carte envoyée par ce même artiste, et que nous avions vue dans la première salle. Décidément, l'art n'est pas toujours facile d'accès !!!.... Mais, â force de réflexion, l'on peut tout de même envisager quelques pistes...

USINE NESTLE

Nous pénétrons dans un hall relativement sombre, assez bizarre d'emblée, d'autant que nous brûlons tous d'envie de déguster tout de suite des chocolats... Nous sommes tout d'abord reçus par une hôtesse, qui va nous faire visiter les lieux. Fortement mis en condition par l'odeur de chocolat qui se propage un peu partout (en fait, un parfum de synthèse, mais nous avons plus que jamais l'eau à la bouche !!!...), nous devons admirer une série de moules anciens en métal, abandonnés parce qu'ils offraient prise à la rouille au profit de matières plus innovantes, et écouter l'historique de la maison, avec les précédents propriétaires qui ont fait la renommée du lieu. Ensuite, la guide nous fait découvrir les fèves de cacao, les amandes et d'autres ingrédients que nous sommes autorisés à goûter : enfin un avant-goût de ce que nous sommes venus chercher !... Puis c'est un film qui nous relate les différentes étapes de la fabrication de ce que nos papilles attendent depuis désormais trop longtemps.

L'ensemble est bien sûr fort intéressant, mais nous nous ruons enfin dans la salle de dégustation !!! Et là, quel plaisir, quel délice !!!... Des chocolats à volonté !!! Mieux que dans Charlie et la Chocolaterie !!!... Nous nous rassasions, avant de passer par le magasin, où nous faisons quelques provisions pour les jours à venir, et pour nos familles... Nous avons tous adoré cette visite ; bien évidemment, lorsque nous avons exploité en cours le voyage, nos enseignants nous ont un peu fait retomber de notre petit nuage, en insistant quasi exclusivement sur le côté commercial visé par Nestlé. Mais peu importe ! Ce fut l'un des moments les plus agréables !

ROMONT : LE MUSEE DU VITRAIL

Comme la visite avait lieu en fin de journée, nous étions tous un peu fatigués, et avons par conséquent moins apprécié, d'autant que certaines vidéos étaient en Anglais, et nous avons pu mesuré alors nos défaillances dans cette matière !!!...

Ce musée propose une collection de vitraux assez conséquente, qui nous a permis d'envisager l'évolution de cet art, et de connaître les différentes méthodes d'élaboration ; d'ailleurs, un atelier présentait les outils, le four, et donnait des détails intéressants pour comprendre le fonctionnement et envisager les différentes étapes de la fabrication. Mais c'est surtout pour l'exposition Chagall que nos enseignants nous avaient conduits en ce lieu. Nous avons pu ainsi compléter ce que nous avions appris de cet artiste à la Fondation Gianadda, et mesuré combien ses dons étaient multiples. Etaient présentés des croquis, ainsi que des vidéos de ses réalisations, qui se trouvent dans plusieurs grandes églises ou cathédrales mondialement connues. Certes, l'ensemble était bien fait, mais nous aurions aimé, nous les élèves, ne pas nous limiter aux croquis et ébauches ; mais c'est sans doute parce que nous manquons de pratique dans la visite des musées, et de connaissances en la matière...

Vendredi 19 octobre:

LES MUSEES D'ETHNOGRAPHIE DE GENEVE I. «Un Genevois autour du monde»

L'exposition que nous avons visitée se déroule du neuf février au vingt-huit octobre. Son créateur est Alfred Bertrand (1856-1924).C'est un jeune rentier passionné de voyages et ardent défenseur des missions protestantes. II réunit lors de ses voyages une collection importante de photographies qui sont léguées au Musée d'Ethnologie de Genève. II s'interroge à travers l'exposition sur l'enjeu de l'image et son usage depuis la fin du XIXè siècle à nos jours. II compose un vaste catalogue de monuments, de personnages, de paysages, de botanique et de minéralogie. Tout cela pour un public peut-être en attente d'exotisme dans une époque où l'Europe, par sa suprématie militaire et industrielle, s'affirme sur le monde. II sera aussi partisan de « l'action civilisatrice » des Ba-Rotse, peuple d'Afrique noire, qui selon lui comprendront très vite l'intérêt de présenter leur meilleure image devant l'appareil.

Tout au long de l'exposition, on s'interroge sur l'image et l'objet mis en valeur : controverse, manipulation,... Dans tous les cas, la photographie fait preuve d'une grande continuité.

II. « Scénario catastrophes »

La mise en scène de cette exposition n'a pas fait sensation auprès de tous, peut-être trop attractive ou spéciale. Du moins tout au long de l'exposition, les différents auteurs nous poussent à nous interroger sur l'influence de la peur, qu'elle soit religieuse ou politique. Lors d'une catastrophe, le gouvernement en place veut conforter sa position et les prétendants au pouvoir veulent en profiter pour le renverser ; c'est alors que les médias ont un grand rôle â jouer. Les derniers événements qui ont provoqué un sentiment de peur sont le dysfonctionnement informatique qu'il aurait pu y avoir lors du passage à l'an 2000, la grippe aviaire, les séismes comme le Tsunami et les multiples attentats. Toutes ces catastrophes, quelles qu'elles soient, ne doivent pas être oubliées. Certains artistes en font état, comme Voltaire qui, en 1759, dans Candide, relate le désastre de Lisbonne qui l'a profondément marqué.

L'ORGANISATION DES NATIONS UNIES OU PALAIS DES NATIONS

Ce domaine fut légué en 1890 ; c'est une ancienne propriété de la famille Bevilliod de Genève. La ville de Genève fut choisie pour la construction du Palais des Nations car elle se trouve au centre de l'Europe ; d'autre part, la ville est symbole de liberté et de démocratie.

I - Le Domaine :

A - La salle

Les bâtiments, constamment rénovés, ont été récemment agrandis et contiennent trente-quatre salles, dont cinq peuvent accueillir jusqu'à sept cents personnes. Sur le podium, le président et le secrétaire organisent le débat ; chacun a un temps de parole de quatre minutes, et un temps de réponse d'une minute trente. Pour éviter toute divergence, les ministres représentant les pays sont installés selon l'ordre alphabétique correspondant à leur nation. Les langues officielles du Palais des Nations sont au nombre de six : le Français, l'Anglais, le Chinois, l'Arabe, l'Espagnol et le Russe.

B - Le parc et ses monuments :

Le parc domine la rive droite du Lac Léman. Nous avons pu apercevoir la sphère armillaire qui fut offerte par un fondateur de l'Union Européenne, ainsi que l'étonnant monument de la conquête de l'espace donné par l'URSS. Malheureusement, pour des raisons de sécurité, nous n'avons pu visiter le parc. Tout au long de la visite des bâtiments, notre guide nous a présenté les différents cadeaux des Etats.

II - Les membres de l'ONU :

L'Organisation des Nations Unies compte cent quatre-vingt-douze membres ; chaque pays cotise selon son PIB (Produit Intérieur Brut). Nous avons appris que les différents états peuvent participer aux colloques. Les états observateurs ou entités diplomatiques et géographiques ont également la possibilité d'être présents aux débats, mais n'ont pas de droit de vote, comme par exemple le Vatican ou la Palestine... De plus, les Organisations Non-Gouvernementales telles que Médecins du Monde, la presse ou encore le public sont autorisés à assister à certaines séances.

III - Le rôle de l'ONU : Les Nations Unies défendent les droits de l'homme depuis le 26 juin 1945, date de la création de l'organisation. La fonction de l'ONU est en grande partie de comprendre les crises, de tenter de faire pression politiquement pour qu'elles se règlent à l'amiable.

ALLEMAGNE, SUITE (MAIS PAS FIN...)

Clotilde Berthier, élève de Première S cette année, est partie l'année dernière cinq semaines en Allemagne : de juin à début juillet. Elle nous fait le compte-rendu de son voyage ; nous lui donnons la parole :

" J'ai été accueillie près de Erlangen, à proximité de Nuremberg, par une famille d'amis franco-allemande : Corinna et ses trois filles : Veronica - dix-neuf ans -, Anne-Katerine - dix-sept ans - et Sarah - quinze ans - .

Dès mon arrivée, j'ai été plongée dans l'ambiance allemande : c'était la Fête de la Bière à Erlangen. J'ai donc dû oublier la fatigue du long trajet que j'avais effectué en train (plus de dix heures). Des tables et des bancs étaient dressés pour l'occasion au pied de la " Berg " (montagne) d'Erlangen. J'ai été, d'ailleurs, étourdie par la musique et peut-être un peu par la bière qui se vend, ici, en chopes d'un litre. Le même soir, j'ai découvert que le moyen de locomotion local était le vélo ; il est omniprésent dans ce land, et de belles pistes cyclables relient les villages entre eux. Cela m'a permis d'avoir une grande autonomie ; je pouvais ainsi aller me baigner avec Sarah dans un petit lac aux alentours les après-midi (car les élèves allemands n'ont pas cours et bénéficient d'une grande liberté) et le soir me rendre chez des amis.

Tous les matins, j'ai accompagné Sarah et Anne-Katerine (elles étaient, suite à un redoublement d'Anne-Katerine, dans la même classe, en neuvième), à leur lycée, un des meilleurs de la ville. Tous les élèves suivent des cours de Latin et de Grec ! C'était en Mathématiques que j'avais le plus de facilité à suivre le cours. Les cours commençaient à huit heures pour finir à treize. Cette année, Veronica, qui était en treizième, a passé son Bac, grande étape de la vie d'un jeune Allemand. A l'occasion de cet Abitur (équivalent du Bac en France), beaucoup de fêtes sont organisées, dont l'Abifest. Chaque élève est venu avec sa famille récupérer son diplôme sur une musique choisie. Le directeur, ou un professeur, fait un discours sur chaque élève et, par la suite, un bal est organisé. Le Bac est le passage de la vie d'un adolescent à la vie d'un adulte, bien plus qu'en France.

J'ai vraiment profité de ce séjour, aussi bien au niveau linguistique que culturel. J'ai hâte de retourner voir Sarah, sa famille et ses amis, très accueillants. "

Notre 1ère édition

noreply@hautetfort.com (BR) — Mon, 22 Oct 2007 19:30:00 +0200

LE CANETON ILLUSTRE

numéro 1

[journal modeste des élèves de la classe de Première L du Lycée Notre-Dame]

Tout d’abord, nous désirons souhaiter la bienvenue à tous les nouveaux arrivants : élèves, professeurs, personnels O.G.E.C.

QUELQUES PREMIERES IMPRESSIONS PRISES SUR LE VIF :

Mme Antunes " une revenante " puisqu'elle a effectué le remplacement de Monsieur Janiaud en 2006, enseigne l’EPS à deux classes de sixième, deux de cinquième et une classe de Première. Elle assure également deux heures d’IDD (Itinéraire De Découverte) en cinquième. Elle affirme avoir reçu un très bon accueil des collègues et des élèves.

Mme Dubosclard assure quant à elle les cours de Sciences et Vie de la Terre aux quatre classes de troisième, ainsi qu’aux élèves de Seconde B. Elle nous dit que Bien que très timides, les élèves ont été très accueillants et pleins de bonnes ambitions pour cette nouvelle année scolaire.

Mme Mac Donald , professeur de Français en classe de cinquième, troisième et seconde, trouve que sa rentrée fut très occupée !... mais que, heureusement, l’établissement a été très accueillant. Elle assure pour l'instant la suppléance de Madame Potain dans certaines de ces classes.

M. Perret, maître d’internat, définit ainsi son métier : Je veille à ce que tout se passe bien , que chacun puisse s’exprimer et résoudre les problèmes qui me sont rapportés . Je surveille aussi que les élèves fassent bien leurs devoirs. Il ajoute qu’au bout d’un mois, il a constaté que régnait une bonne ambiance entre les élèves, qu’il qualifie d'agréables et de sympathiques.

INFORMATIONS SPORTIVES : Les MERCREDIS de l’UNSS. District Roanne Second Cycle

	Sport co Rugby Filles Futsal Garçons	Sport co Animation n°1 Compétition n°2	Sport co Rugby Garçons	Challenge Duo	APPN	Badminton	Divers
05/09							AG 42
12/09							AG District
19/09	Tournoi Rugby 42	Installation à disposition	Tournoi Rugby 42		VTT Escalade
26/09					Canoë
03/10					VTT/co Forêt Lespinasse		1° réunion district
10/10	Rugby/ Futsal
17/10
24/10	Rugby/ Futsal
VACANCES
14/11	Rugby/ Futsal				Canoë Escalade
21/11		Tournoi Handball 7x7 Filles Garçons
28/11	Rugby/ Futsal				VTT
05/12							Cross 42
12/12	Rugby/ Futsal				Escalade Ressins
19/12		Tournoi Volleyball 4x4					Cross Académie

LES NOUVEAUTES DU CDI:

Tout d’abord, de nouveaux abonnements :

- Vocable en Allemand

- Sport et Vie

- Le petit Léonard

- Alternatives économiques

Une nouvelle exposition sur le Développement durable est présentée sur les murs du CDI. Elle constitue la suite de l'exposition de l'an dernier, et sera suivie de deux autres, jusqu’en 2009 .Le thème de l'an prochain sera l’Energie.

Trois nouveaux DVD/Encyclopédies du monde ont été achetés : ils portent sur l’Histoire, la Géographie et l’Economie présentées pays par pays .

De nouveaux documentaires ont été acquis :

- Artistes de la Renaisssance qui est un aperçu des artistes de cette époque en dix-huit minutes

- La Française doit voter, documentaire à voir absolument sur la lutte féministe au vingtième siècle ; il est constitué de documents d’archives et de débats parlementaires de l’époque.

- Nous nous sommes tant haïs est une fiction historique sur la construction de l’Europe; il dure approximativement deux heures.

L'ALLEMAGNE A L'HONNEUR :

Dans le cadre d'un programme national d'échanges avec l'Allemagne, trois de nos condisciples ont pu partir étudier en Allemagne pendant un peu plus de deux mois, tandis que deux élèves venues d'Outre-Rhin ont séjourné parmi nous jusqu'au quatorze octobre dernier. Nous avons pu recueillir quelques impressions à l'issue de ces séjours auprès de Delphine Vincent, et de son amie Julia. Nous complèterons notre enquête en donnant la parole à Clotilde Berthier et à Elie Gonfrier dans l'un de nos prochains numéros.

INTERVIEW DE DELPHINE

Quelles différences remarques-tu au niveau des paysages et des maisons entre les deux pays ?

D : Les paysages sont proches de ceux de chez nous. En revanche, il m’a semblé que l’organisation intérieure des maisons différait ; les meubles sont souvent des meubles anciens, de famille. J’ai tout de suite apprécié la convivialité de l’ensemble.

Qu’en est-il de la nourriture ?

D : J’ai constaté que chaque région a ses spécialités. De plus, les cuisinières allemandes apprêtent certes les mêmes choses, mais elles le font différemment, selon les coutumes régionales, ce qui permet d’avoir des mets véritablement variés… et fort délicieux.

Les repas sont plus espacés qu’en France, et par voie de conséquence, les grignotages sont légion… au détriment de la diététique !

As-tu eu des problèmes de compréhension durant ton séjour ?

D : J’ai été relativement surprise au début : en effet, chaque région a son dialecte propre, et un accent qui lui appartient bien !... Il y a énormément de variantes, et il est souvent difficile de comprendre, du moins au début ; parce que j’ai pu progressivement me familiariser avec certains de ces langages. J’ai remarqué en outre que les enfants et les adultes avaient presque la même façon de s’exprimer ; je n’ai pas relevé de mots plus enfantins ou spécifiques dans leur paroles, et cela m’a paru un peu bizarre, parce qu’en France, les plus jeunes ont tendance à déformer les mots, à les abréger, ou à utiliser des équivalents plus adaptés au monde de l’adolescence. Il m’a semblé que les niveaux de langue étaient aussi plus réduits : l’utilisation d’un registre familier est en effet plus courante, même avec des gens que l’on n’a jamais encore rencontrés.

Comment se passe la vie en famille ?

D : On fait des repas de famille à chaque anniversaire, et la fête est beaucoup plus importante pour eux semble-t-il que pour nous. D’ailleurs, pour eux, les relations familiales sont très importantes ; elles priment même sur les relations amicales. J’ai noté également que la notion de famille est plus restrictive qu’en France, du moins là où j’étais. J’ai trouvé les Allemands particulièrement accueillants.

Qu’en est-il de ton expérience de la vie au Lycée ?

D : Il y a une bonne ambiance durant les cours. Les enseignants m’ont paru beaucoup plus indulgents qu’en France : les liens entre les professeurs et les élèves sont plus amicaux. Quant aux méthodes de travail, j’ai trouvé qu’il y avait beaucoup plus de mémorisation que de réflexion ou de compréhension, les élèves étant souvent évalués sur du " par cœur ".

Dans le secteur où j’étais, il y avait trois écoles de niveaux différents ; j’étais au Gymnasium, la plus réputée des trois, et j’ai remarqué que les élèves fournissaient de gros efforts de travail, parce qu’ils avaient à cœur de réussir.

Il y a peu de sorties scolaires, et elles se déroulent, lorsqu’elles ont lieu, par classe, et non par niveau. Il ne semble pas y avoir de projet pluridisciplinaire. Les classes sont toujours composées des mêmes élèves tout au long de la scolarité, puisqu’il n’y a pas différentes sections pour les examens, à la différence de la France. On choisit généralement deux ou trois matières principales, que l’on approfondit tout au long du cursus du Lycée. Le système de notation, quant à lui, est radicalement différent, puisque les notes vont seulement de 1 à 6. Plus l’on s’approche du 1, meilleure est la prestation.

Les cours ont lieu seulement le matin, et ils ne durent que quarante-cinq minutes chacun. Il y a énormément de pauses, et les après-midi sont réservés aux activités sportives et culturelles.

INTERVIEW DE JULIA

[Pour des raisons évidentes de compréhension et de langue, Julia, l’amie hébergée par Delphine, n’a pas été très prolixe. Nous lui avons posé les mêmes questions, et voici sa réponse.]

Elle trouve les maisons françaises globalement plus vastes qu’en Allemagne, mais la décoration lui paraît quasi similaire. Il lui a semblé que l’on mangeait moins souvent qu’en Allemagne, et les méthodes culinaires, comme les goûts en la matière, lui ont paru bien différents : dans son pays, les entrées, les plats chauds et les desserts sont tous installés sur une table, en quelque sorte comme pour un buffet, et les gens se servent comme ils l’entendent.

En ce qui concerne la langue, elle a remarqué que les mots qu’elle avait appris en cours de Français n’étaient pas forcément ceux qu’utilisaient les gens.

Elle a confirmé la grande différence signalée par Delphine à propos des cours et des relations élèves/professeurs, et a ajouté que, dans son pays, on ne connaissait pas le système des " études " où l'on pouvait faire ses devoirs, parce que les cours étaient regroupés. Il y a aussi moins de vacances qu’en France.

QUELQUES PHOTOGRAPHIES RAPPORTEES PAR DELPHINE DE SON SEJOUR

BIENTOT ... A SUIVRE !

[Nous publierons plus tard quelques extraits de son journal de bord, et d’autres photos…]

INFO DE DERNIERE MINUTE.....INFO DE DERNIERE MINUTE.....INFO DE DERNIERE MINUTE.....

Les élèves qui suivent les cours d’Arts Plastiques se rendront à la Biennale de l’Art contemporain à Lyon le samedi 10 novembre, tandis que ceux des classes de Première iront au Salon de l’Etudiant à Saint-Etienne le samedi 17 novembre.